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Lançado em 2017, Os Escravos de Satanás é um filme indonésio dirigido por Joko Anwar e cujo enredo gira em torno de uma família atormentada pela doença misteriosa de sua matriarca, pelo luto e por segredos passados que vão culminar em eventos sobrenaturais e aterrorizantes.

Baseado em uma obra de mesmo nome do início da década de 80, este foi um projeto especialmente requisitado pelo diretor, já que o filme original marcou sua infância e foi um dos títulos que o motivou a trabalhar com cinema.

Ambientado em 1981, o longa explora aspectos da religiosidade local e também o clima de superstição que ronda pequenos vilarejos rurais onde o isolamento e o cenário pitoresco contribuem para a criação de um ambiente inquietante, em especial para os filhos da família.

Apesar da história central manter elementos do original, o diretor buscou adicionar mais complexidade à trama e também emular algumas tendências de filmes de horror ocidentais, o que talvez não tenha sido uma escolha tão acertada, ainda mais levando-se em conta que a versão anterior ganhou ares de filme cult dentro do gênero.

Entrando mais especificamente na trama, é inegável que a figura da mãe moribunda e posteriormente sua morte criam uma atmosfera sinistra na casa, o que é potencializado pelas aparições e eventos sobrenaturais que começam a atormentar os mais jovens. Contudo, quando as explicações sobre a origem da maldição e as formas para se combater o mal são abordadas, o filme perde tanto em ritmo quanto na capacidade de assustar. Aliás, o “especialista” sobre os assuntos diabólicos com seus artigos publicados em uma revista duvidosa chegam a ser risíveis. Já no clímax, é impressionante como de uma hora para outra todos resolvem abandonar o que parecia ser o objetivo principal do filme e seguir adiante como se nada de fato tivesse importado. Apesar disso, a tensão criada, a excelente fotografia e alguns sustos certeiros fazem com que a experiência não seja arruinada.

Sobre as intepretações, nada muito especial. Tara Basro está ok em sua atuação no papel de Rini, mas o destaque fica mesmo para o carismático ator mirim que vive o filho mudo da família, M. Adhiyat.

Para finalizar, Os Escravos de Satanás oferece uma visão interessante do horror sobrenatural e da cultura indonésia, mas alguns tropeços prejudicam a integridade da obra, especialmente em seu terceiro ato. Felizmente Anwar parece ter aprendido a lição, já que em sua próxima incursão pelo terror temos o ótimo Impetigore (2019) e também a continuação O Escravos de Satanás 2 (2022), que foi mais bem recebido pela crítica, mas isso é assunto para outra resenha.

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Ficha técnica

• Pengabdi Setan
• Título Literal : “Servos de Satanás”
• Título Internacional: Satan’s Slaves
• Direção : Joko Anwar
• Info: Indonésia, 2017 Cor – 107 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt7076834/

Nota

6.0/10

6/10

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Nestes últimos anos o mundo tem voltado seus olhos com mais atenção para o mercado de entretenimento sul-coreano, em especial pelo sucesso que o K-pop e os Dramas tem feito no ocidente. Este movimento se tornou ainda mais evidente depois que Parasita levou 4 oscares para casa, incluindo o de melhor filme, além de outras premiações de peso pelos festivais que passou.

Apostando nessa tendência a Netflix tem expandido seu catálogo com ótimas produções coreanas, entre elas um suspense carregado de mistério e estilo que tem impressionado o público: trata-se do filme A Ligação.

Dirigido pelo estreante Lee Chung-hyun, o longa nos apresenta a história de Seo-Yeon que acaba de retornar para sua antiga casa para visitar a mãe doente que está internada. A relação entre ambas é fria, pois a garota culpa a mãe pela morte de seu pai anos antes em um incêndio. Na casa ela encontra um antigo telefone sem fio e passa a receber ligações de uma estranha chamada Young Sook. Aos poucos ambas percebem que estão de fato vivendo na mesma casa, mas em épocas diferentes. As implicações desta conexão temporal irão alterar de forma imprevisível e perigosa a vida das duas garotas e das pessoas ao seu redor.

A princípio a trama não apresenta nenhuma novidade para o gênero, aliás o filme é o remake de uma produção britânica / porto-riquenha de 2011, contudo, as escolhas feitas pelo diretor acabam elevando a experiência e transformando o longa em algo instigante e melhor que seu antecessor.

Com um enredo bem amarrado e inteligente, a história prende desde o início e consegue manter a atenção ao longo de suas quase duas horas de suspense, drama e também terror.

A fotografia acerta com uma ambientação caprichada cujo jogo de cores e luzes valorizam os sentimentos de cada cena. Além disso, os efeitos especiais que representam as mudanças na linha do tempo são carregados de estilo com alterações físicas intrincadas e até poéticas que trazem certa inovação para os filmes do gênero.

Outro ponto forte é a atuação das protagonistas que conseguem passar, cada uma à sua maneira, a fragilidade, o desespero e também a loucura de suas personagens. O destaque vai para a jovem atriz Jun Jong-seo, que atuou anteriormente no ótimo Em Chamas e que aqui interpreta de forma intensa a assustadora Young Sook.

De qualquer forma, nem tudo é perfeito em A Ligação. Seja por algumas decisões pouco críveis dos personagens ou pela ineficácia investigativa da polícia, é preciso fechar os olhos para alguns pontos da trama para que o filme flua sem causar frustração. Além disso, o final também não é uma unanimidade, em especial algumas cenas pós-créditos que muitos preferem ignorar para não ter a experiência arruinada.

Dito isto, A Ligação continua sendo um ótimo filme de crime e mistério que de forma gradual e empolgante vai revelando este quebra-cabeça capaz de transcender o tempo.

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Ficha técnica

• 콜 : Kol
• Título Literal : “A Ligação”
• Título Internacional: The Call
• Direção : Lee Chung-hyun
• Info: Coréia do Sul, 2020 Cor – 112 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt10530176/

Nota

7.0/10

7/10

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Conhecido por dramas históricos e grandiosos, como o aclamado Adeus, Minha Concubina de 1993, o diretor chinês Chen Kaige aposta em uma temática repleta de magia para compor uma narrativa tão surreal quanto misteriosa.

Na trama, acompanhamos uma investigação encabeçada pelo perspicaz monge japonês Kûkai (Sometani Shôta), que havia sido chamado à China para tratar o imperador de um estranho mal, e pelo carismático escrivão e poeta, Bai Letian (Huang Xuan).

A inusitada dupla inicia uma jornada em busca da verdade em um cenário repleto de assassinatos violentos e eventos sobrenaturais, frutos de uma maldição lançada por um gato demoníaco em busca de vingança. Com o desenrolar da investigação, os eventos acabam se mostrando ligados ao destino da belíssima concubina do Imperador que havia morrido 30 anos antes.

A primeira coisa a se notar em O Mistério do Gato Chinês é, sem dúvida, sua estética, com fotografia e figurinos que impressionam. Além disso, merece destaque também a ambientação, em especial na recriação da capital imperial de Chang’an, cuja construção do cenário demorou cinco anos devido ao grande número de detalhes, empreitada que consumiu uma enorme fatia do dinheiro de produção. Contudo, é em sua parte visual que o filme também derrapa, ora com efeitos especiais duvidosos para compor as cenas de magia e interação com o gato, ora no exagero carnavalesco de certas cenas.

O foco da história é na extravagante união entre um monge especializado em exorcismo e um poeta, ambos versões ficcionais de figuras históricas, abordadas com mais profundidade no romance que deu origem ao filme. A dupla possui uma boa química em cena e sua interação é um acerto dentro da trama investigativa, com não raros momentos de humor.

O longa começa a adotar tons mais sombrios e dramáticos conforme o mistério que envolve o antigo imperador e sua concubina favorita vai sendo desvendado. Amor e sacrifício passam a ser os motes de uma tragédia anunciada, repleta de reviravoltas e revelações.

O grande numero de flashbacks e personagens pode confundir espectadores desatentos ou que não estão acostumados ao estilo. Além disso, alguns elementos visuais acabam por enfraquecer a trama, distraindo e causando desconforto em momentos variados ao longo do filme.

No geral, o filme consegue se sustentar com sua dose de fantasia mesclada a mistério, mas poderia ter sido mais consistente em suas escolhas, principalmente por ter entre seus personagens um gato preto falante.

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Ficha técnica

• 妖猫传 : Yāo Māo Zhuàn
• Título Literal : “A História do Gato Demoníaco”
• Título Internacional: Legend of the Demon Cat
• Direção : Chen Kaige
• Info: China, Japão 2017 Cor – 129 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt6157626/

Nota

6.0/10

6/10

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Baseado no conto Queimar Celeiros do autor japonês Haruki Murakami, esta desconfortante obra do sul coreano Lee Chang-dong cria uma atmosfera de dúvida e inquietação onde a sensação de que algo nefasto se esconde nas entrelinhas é quase tangível.

No filme acompanhamos o reencontro de Jong-soo, um jovem trabalhador compelido a cuidar da propriedade rural do pai, com uma antiga amiga, Hae-mi. No início, é ela quem se atreve a encurtar a distância que existe entre ambos, mas logo nosso protagonista começa a nutrir sentimentos pela sonhadora colega. Quando os contornos da relação prometem evoluir, surge o contraponto de um inusitado triângulo amoroso: Ben, um rapaz rico e sofisticado que exerce um fascínio quase magnético em todos ao seu redor.

A partir desse momento, as tensões vão aumentando e o espaço antes ocupado por amizade e admiração vai sendo ocupado por frustração, desejo, manipulação e inveja, culminando em um acontecimento que irá mudar por completo os rumos do jovem casal.

Utilizando de metáforas e de uma profunda carga imagética, o diretor cria de forma lenta, mas pungente, um clima de crueldade velada e de terror, onde o telespectador precisa abrir mão de suas certezas e se apoiar em suposições e elementos esparsos que apontam para algo terrível, mas nunca evidenciado de forma concreta.

É através destas pequenas pistas e desconfianças que o jogo vai tomando forma e impelindo os protagonistas a um desfecho catártico e inevitável.

Sobre isso, o diretor comenta: “ao contrário de um thriller de mistério convencional, que permite aos espectadores juntar as peças de um quebra-cabeça, Em Chamas faz você questionar o próprio quebra cabeça”.

“Há certa raiva que todos experimentamos vivendo nessa era, especialmente jovens que se sentem pressionados sobre seu valor próprio num ambiente hiper competitivo. Nessa era pós-moderna tudo se tornou ultra sofisticado, conveniente e cool, mas abaixo da superfície há dor, conflitos de classe e pressão por competir”, acrescenta.

Com longos planos-sequência e explorando a luz natural e a câmera na mão, o filme passa uma aparência de realismo, compondo cenas de uma beleza cruel e convincente. Além disso, a interpretação do elenco é outro ponto positivo, conseguindo demarcar bem a personalidade e a angústia vivida pelos personagens.

Com uma atmosfera única e peculiar, Em Chamas é sem dúvida um filme capaz de perturbar, não tanto pelo que mostra, mas pelo poder do que sugere.

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Ficha técnica

• 버닝 : Beoning
• Título Literal : “Queimando”
• Título Internacional: Burning
• Direção : Lee Chang-dong
• Info: Coréia do Sul, 2018 Cor – 148 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt7282468/

Nota

8.0/10

8/10

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Conhecido por seus dramas familiares e histórias que envolvem aspectos do cotidiano, Koreeda se arrisca neste suspense de tribunal repleto de cinismo e mistério.

Acompanhamos o envolvimento crescente do advogado Shigemori (Fukuyama Masaharu) em um caso de assassinato, onde a estratégia é comutar a provável pena de morte de um réu confesso em prisão perpétua. Contudo, o que à primeira vista parecia apenas mais um caso para o renomado defensor se transforma em uma busca intensa e desesperada pela verdade e sua real importância dentro de um julgamento.

O acusado, Misumi (Yakusho Kôji), através de depoimentos falaciosos e de versões que se contradizem, passa a enredar uma trama complexa onde fatos e mentiras se entrelaçam num jogo intenso à procura de suas reais motivações.

Com um desenvolvimento lento que pouco a pouco vai apresentando novas evidências e possibilidades, O Terceiro Assassinato é intrigante não pela investigação em si, mas pela discussão que levanta acerca da culpa, do que representam as leis e daqueles que deveriam assegurar seu cumprimento.

Apesar de se aventurar por novas temáticas e estilos, o diretor resgata uma de suas mais icônicas construções: o conflito entre figuras paternas falhas e seus filhos e os reflexos que esses relacionamentos trazem para o desenvolvimento da trama.

Com interpretações intensas, principalmente do veterano Yakusho Kôji, os personagens são figuras dúbias e dissimuladas, cada um deles escondendo uma miríade de segredos, arrependimentos e traumas.

O Terceiro Assassinato é um quebra-cabeça sobre um crime que parece se recusar a ser resolvido, recusa esta que mina toda a objetividade e afugenta resoluções fáceis. Isso pode frustrar alguns espectadores, seja por se afastar da temática padrão do diretor, seja por não entregar a ação e a catarse aos fãs do gênero.

Apesar dessa ressalva, esta é uma obra que merece ser apreciada, tanto por sua complexidade como por sua estética, uma verdadeira pérola no mar de obviedades em que o cinema atual luta para não afundar.

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Ficha técnica

• 三度目の殺人 : Sandome no satsujin
• Título Literal : “O Terceiro Assassinato”
• Título Internacional: The Third Murder
• Direção : Koreeda Hirokazu
• Info: Japão, 2017 Cor – 124 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt6410564/

Nota

8.0/10

8/10

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Lançado em 2014, Carvão Negro é um filme de crime e mistério que explora a dualidade humana e as consequências extremas de suas ações e escolhas.

Apesar de apresentar uma fotografia simples e pouco acentuada pela utilização de luzes e sombras, resgata de maneira peculiar muitos elementos marcantes do cinema noir das décadas de 40 e 50.

Com uma ambientação urbana que explora primordialmente os interiores, a obra cria um clima de desolação e decadência onde personagens falhos, imersos em seus dilemas e paixões, lutam para dar algum sentido às suas vidas.

Dentro dessa atmosfera de pessimismo, temos nosso protagonista, um ex-policial obstinado que passa a investigar de forma independente novas pistas de um assassinato não resolvido. Enfrentando problemas com a bebida e atormentado por seu passado, ele é um personagem consumido pelo fracasso que vê na nova onda de crimes uma chance de redenção.

Outro elemento da estética noir utilizado é a presença de uma femme fatale, que esconde muitos segredos e que acaba por se envolver com o protagonista. No filme ela é vivida pela auxiliar de uma lavanderia que de alguma forma está ligada a todas as mortes relacionadas ao caso.

A trama é conduzida num ritmo lento que tende a acentuar o clima de suspense e também valoriza o silencio dentro das cenas, obrigando o espectador a buscar nos olhares e gestos as pistas para se desvendar a real intenção dos personagens.

O roteiro entrega entre outras coisas uma crítica à brutalidade e à eficácia da policia chinesa e também à frieza das relações interpessoais, tema esse que encontra uma correspondência direta com o gelado inverno em que a história se passa.

Egoísmo, desejo, cinismo e solidão. Esta é uma obra onde o contraste entre o carvão e a neve serve para ilustrar toda a ambivalência dos envolvidos, mostrando que, ao fim do dia, não existem heróis nem vilões, apenas seres humanos.

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Ficha técnica

• 白日焰火 : Bai ri yan huo
• Título Literal : “Fogos de Artifício à Luz do Dia”
• Título Internacional: Black Coal, Thin Ice
• Direção : Diao Yinan
• Info: China 2014 Cor – 110 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt3469910/

Nota

7.0/10

7/10

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Apostando em uma elegante composição de cena ao mesmo tempo em que mescla erotismo e segredo aos desvios e ambições de seus personagens, Park Chan-wook está de volta com um filme que celebra a ambiguidade, o desejo e o sentimento mais explorado pelo diretor sul coreano: a vingança.

A trama acompanha a tentativa de golpe de um falso conde e de sua comparsa, uma ladra apresentada como camareira a uma rica e jovem herdeira.

A melancólica herdeira de nome Hideko, interpretada de forma sensacional por Kim Min-he, vive com seu tio, o tirano Kouzuki (Cho Jin-woong), um colecionador de arte e negociante de livros raros com temática erótica.

Criada por seu tio desde a infância, Hideko foi isolada do mundo e tratada como uma simples marionete por seu sádico tutor, cuja intenção sempre fora se casar com ela para desfrutar da fortuna a que ela tinha direito.

É nesse contexto que aparece Fujiwara, o “conde” elegantemente interpretado por Ha Jung-woo, que habilmente começa a frequentar a casa do tio e se insinuar para Hideko. Para alcançar esse intuito ele apresenta à casa uma nova criada, Sook-hee (vivida por Kim Tae-ri) cuja tarefa é se tornar a confidente da jovem dama e facilitar o acesso a seu coração.

No entanto o plano pode estar ameaçado pela crescente intimidade entre Hideko e sua camareira.

Escrito em parceria com Jeong Seo-kyeong, a obra é inspirada no livro Fingersmith, da escritora galesa Sarah Walters, lançado em 2002 e que aborda um romance entre duas mulheres, cuja ambientação foi alterada da Londres da era vitoriana para a Coreia dos anos 30, sob ocupação japonesa.

Grande parte do fervor causado pelo filme em festivais e exibições, alias, é justificado pela temática erótica e pela interação sexual entre suas duas protagonistas, em cenas longas e repletas de closes que entregam o lado voyeurístico do diretor. Apesar disso, esses momentos não soam gratuitos dentro da história e são de uma plasticidade ímpar, nunca descambando para o mau gosto ou vulgaridade, apesar do teor quase explícito dos enquadramentos.

Park Chan-wook é um diretor virtuoso, cuja filmografia anterior é notória pelo emprego da violência e por apresentar personagens em situações limite geralmente motivados pela vingança. Em A Criada, esta violência é mais contida e sutil, apresentando-se de forma mais psicológica, apesar de algumas cenas onde somos confrontados com o lado obscuro e perverso de Kouzuki.

A Criada é um filme visualmente belíssimo em todos os seus aspectos, desde os figurinos e elementos cenográficos até a fotografia exuberante de Chung Chung-hoon. É também uma obra repleta de reviravoltas e suspense que prendem o espectador em seus 144 minutos de exibição.

Apesar das controvérsias, A Criada vem acumulando indicações e premiações pelo mundo e é mais uma recomendadíssima obra deste inventivo e corajoso diretor.

Ps. O título original, Agassi, é traduzido como senhorita ou dama e se refere à Hideko. Já o título internacional e também o brasileiro, A Criada, foca sua atenção na figura de Sook-hee.

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Ficha técnica

• 아가씨: Agassi
• Título Literal : “A Dama”
• Título Internacional: The Handmaiden
• Direção : Park Chan-wook
• Info: Coréia do Sul, 2016 Cor – 144 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt4016934/

Nota

8.0/10

8/10

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Também conhecido como “Ataque do povo cogumelo”, Matango foi baseado em um conto originalmente publicado em 1907, “The Voice in the Night”, escrito por William Hope Hodgson. Com uma temática bizarra e sem pares temáticos na época em que foi lançado, a obra acabou, com o passar dos anos, sendo envolta por uma aura cult.

Matango foi dirigido por Honda Ishirô e teve seus efeitos especiais criados por Tsuburaya Eiji. A dupla foi responsável por inúmeros filmes de ficção e fantasia, entre eles o clássico Godzilla (ゴジラ – Gojira).

Na trama, um iate é danificado em uma tempestade e seus tripulantes são obrigados a rumar para uma ilha avistada nas proximidades. Na ilha, que aparentemente estava deserta, os náufragos encontram um navio de pesquisas encalhado em uma de suas praias. Após examinarem a embarcação (que estava tomada por uma espécie de mofo) descobrem que sua tripulação estava envolvida em pesquisas sobre radiação e seus resíduos, e que seu paradeiro atual é desconhecido.

Com a comida escassa, os náufragos passam a cobiçar os abundantes e viçosos cogumelos que florescem pela ilha, mesmo sendo alertados pelo capitão que os mesmos poderiam causar envenenamento. Não tarda para que a fome e disputas internas façam com que os efeitos do cogumelo no organismo sejam descobertos.

Apesar da produção ser descuidada e dos efeitos especiais serem datados, o filme apresenta algumas cenas memoráveis. Para um filme de horror, Matango não assusta ninguém, mas certamente consegue entreter e mesmo divertir durante sua hora e meia de psicodelismo.

Trailer

Ficha técnica

• マタンゴ : Matango
• Título Literal : “Matango”
• Título Internacional: Matango: Attack of the Mushroom People
• Direção : Honda Ishirô
• Info: Japão, 1963 Cor – 89 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0057295/

Nota

6.0/10

6/10

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Audition é um filme singular. Mesmo estando inserida numa filmografia tão variada quanto provocante como a de Miike Takashi, esta é uma obra interessante por apresentar uma forte dicotomia estrutural que abrange desde o desenvolvimento de sua trama como a representação e postura dos personagens.

Num primeiro momento o filme se apresenta como um drama tênue sobre um viúvo que após anos de uma vida solitária e devotada ao filho, resolve se casar novamente. Aoyama (Ishibashi Ryo) é mostrado como um homem distante cujos desejos e emoções foram reprimidos pela ausência da esposa ao longo do tempo. O próprio processo para se encontrar uma nova mulher é despretensioso e quase mecânico: uma falsa audição para um filme armada por seu amigo Yoshikawa, interpretado por Kunimura Jun, com o único intuito de se conseguir analisar várias pretendentes, não ao papel de atriz mas sim de esposa.

Desse processo emerge a doce e etérea figura de Asami (Shiina Eihi), uma meiga ex-bailarina que encanta e desperta Aoyama de sua letargia. Ele acredita, então, ter encontrado a resposta para seus anseios e ignora o número crescente de sinais que depõem contra a representação quase angelical da misteriosa garota. A partir desse ponto o filme vai crescendo de forma sombria e angustiante e atinge seu auge com Asami expondo suas cruéis e perturbadoras habilidades.

Apesar do tom onírico atribuído à segunda metade deste filme, Miike apresenta uma postura clara em seus comentários e entrevistas, indicando que o desfecho deve ser abordado de forma literal. Contudo, esse parece ser um dos casos onde as lacunas deixadas dão vida própria à obra o que permite uma série de interpretações (tão ou mais instigantes quanto as sugeridas).

Trailer

Ficha técnica

• オーディション : Ôdishon
• Título Literal : “Entrevista”
• Título Internacional: Audition
• Direção : Miike Takashi
• Info: Japão, 1999 Cor – 115 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0235198/

Nota

7.0/10

7/10

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Assistido em uma mostra de cinema oriental extremo na região central de São Paulo, definitivamente Gozu foi a grande sensação dentre os filmes exibidos, trazendo um misto de terror, violência e humor dentro de uma trama surreal que agradou (estarreceu?) o público presente.

A princípio, o filme apresenta o que seria mais uma obra sobre a Yakuza, mas logo o diretor Miike Takashi desvela suas reais intenções e confirma mais uma vez sua excentricidade filmográfica.

Na trama, um dos altos membros do grupo Azamawari, Ozaki, começa a dar mostras de loucura obsessiva. Preocupado com o que poderia acontecer, o chefe do grupo secretamente passa uma ordem a um de seus subordinados, Minami: conduzir Ozaki a um lixão em Nagoya e elimina-lo. Minami acata a missão, mas, interiormente, se encontra hesitante, pois nutri por Ozaki uma enorme gratidão e um sentimento fraternal já que este havia salvo sua vida tempos atrás.

Iniciada a viagem, um acontecimento fatídico muda todo o rumo da história e Minami começa então uma jornada em busca de seu Aniki (irmão) em meio a um mundo regido por uma realidade paralela e assombrado por personagens igualmente surreais.

Com forte influência da religião budista, grande parte das passagens do filme só são plenamente entendidas por aqueles que possuem um conhecimento de tal tradição, alias o próprio título do filme (Gozu) é o nome de uma entidade da mitologia Shinto que guarda a entrada do inferno budista.

A busca empreendida por Minami pode ser interpretada também como a busca por sua própria sexualidade. A cumplicidade e a admiração que nutria por Ozaki, aliadas à sua inexperiência e pureza fazem com que o filme seja um espelho dos sentimentos e descobertas do protagonista. Apesar de, em termos técnicos, não termos homossexualismo explicitado no filme, fica clara a intenção de Miike em explorar o tema.

Contudo, apesar das possíveis interpretações metafóricas e sexuais da obra, não devemos nos esquecer do que Ozaki (talvez incorporando o próprio Miike) nos diz no começo do filme: “Tudo o que irei dizer a partir de agora é uma piada”- um convite para assistir este incrível teatro do absurdo de forma descontraída e almejando no fim somente o riso (alias, não é a toa que o filme se encerra com um dos personagens do restaurante em meio a inebriante gargalhada – a homologação de uma piada, piada esta brilhantemente contada).

Trailer

Ficha técnica

• 極道恐怖大劇場: 牛頭: Gokudô kyôfu dai-gekijô: Gozu
• Título Literal : “Grande Teatro de Horror Yakuza: Gozu”
• Título Internacional: Gozu
• Direção : Miike Takashi
• Info: Japão, 2003 Cor – 130 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0361668/

Nota

8.0/10

8/10

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