Comentários

Com a promessa de que poderia repetir os incríveis feitos de Parasita no Oscar, Drive My Car foi a aposta do Japão para a cerimônia de 2022, onde acabou levando apenas a estatueta de melhor filme estrangeiro dentre as quatro categorias disputadas.

Baseado em um conto escrito por Haruki Murakami, o filme explora de maneira intimista a vida de um diretor e ator de teatro e a relação de cumplicidade e apego que ele desenvolveu com sua esposa. Na trama, todos os personagens possuem questões internas e sentimentos reprimidos que aos poucos vão emergindo enquanto uma adaptação da peça Tio Vanya, do dramaturgo Anton Tchécov, vai tomando forma.

Dirigido por Hamaguchi Ryusuke, o filme aborda temas tão cotidianos como delicados como o luto, a traição e a obsessão, além de nos chamar à reflexão sobre quando e como deixar certos aspectos de nossas vidas para trás e seguir adiante.

Com duração de aproximadamente três horas, Drive My Car aproveita cada minuto desta longa exposição para criar uma atmosfera que funde amor, perda e rancor em igual medida, o que torna a experiência do espectador um tanto quanto pesada, mas nunca monótona. Talvez o corte final do filme pudesse ter sido encurtado, mas neste caso o impacto gerado provavelmente não seria o mesmo.

Neste sentido, o tempo é um elemento essencial para a trama pois ajuda a construir um panorama mais profundo de cada um dos envolvidos além de evidenciar como traumas e desejos podem perdurar e mesmo assombrar a vida dos protagonistas ao longo dos anos.

Sobre as atuações (contidas mas eficazes), um ponto curioso merece ser destacado: a babel linguística criada por atores de diferentes nacionalidades, cada um interpretando seu papel em sua língua natal dentro do contexto da peça de teatro. Um recurso a princípio bizarro, mas que demonstra como a entrega entre os atores pode superar mesmo a barreira do entendimento.

Vale enaltecer aqui a incrível atuação de Park Yu-rim no papel de Lee Yoon-a, que apesar de se comunicar apenas através da língua de sinais coreana consegue, através de sua interpretação e sensibilidade, ser a personagem mais expressiva da trama.

Com uma narrativa ao mesmo tempo simples e poderosa, Drive My Car é uma obra contemplativa e profunda sobre a culpa, mas sobretudo sobre o amor e sobre o poder transformador da empatia.

Trailer

Ficha técnica

• ドライブ・マイ・カー : Doraibu mai kā
• Título Literal : “Dirija meu carro”
• Título Internacional: Drive My Car
• Direção : Hamaguchi Ryusuke
• Info: Japão, 2021 Cor – 179 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt14039582/

Nota

7.0/10

7/10

O post Drive My Car apareceu primeiro em Eiga desu!.

Comentários

Lançado no ano de 1964 e dirigido por Kobayashi Masaki, Kwaidan é aclamado pela crítica como uma das grandes obras clássicas do horror japonês, tanto por seu lirismo como pela sua estética.

Composto por quatro histórias independentes, esta antologia tem como material base alguns livros do escritor de origem grega Lafcadio Hearn, em especial a obra “Kwaidan: Histórias e Estudos sobre Coisas Estranhas”, lançado em 1904. Curioso destacar que Hearn se mudou para o Japão em 1890 como correspondente de um jornal e lá acabou se apaixonando não só pelo país como também pela filha de uma tradicional família de samurais com quem se casou. Após se naturalizar cidadão japonês, o escritor adota o nome Koizumi Yakumo e se dedica até o fim de sua vida a escrever sobre a cultura, as tradições e as peculiaridades da terra do sol nascente.

Os contos selecionados pelo diretor para integrar seu filme são: O Cabelo Negro (黒髪, Kurokami), que conta a trajetória de um samurai que abandona sua mulher em busca de fama e riqueza e que se arrepende anos depois; A Mulher da Neve (雪女, Yukionna), que trata do encontro de um lenhador com uma entidade sobrenatural durante uma nevasca e do poder de uma promessa; Hoichi, o Sem Orelhas (耳無し芳一の話, Miminashi Hōichi no Hanashi), sobre um monge cego que é convocado para entreter uma comitiva fantasmagórica cantando poemas sobre uma antiga batalha; e por fim Em uma Xícara de Chá (茶碗の中, Chawan no Naka), que descreve a estranha aparição de um rosto no reflexo de uma xícara e como isso pode conduzir um homem à loucura.

Apesar de serem histórias sem uma relação direta, todas trazem elementos sobrenaturais e de grande estranheza, elementos pertencentes a um mundo onde folclore e realidade se misturam e onde o fantástico está tão presente quanto em um conto de fadas.

Para criar um mundo tão belo quanto assustador, o diretor optou por gravar a maioria das cenas no interior de um hangar de aviões, reproduzindo céus, florestas e mares com cores fortes e vibrantes em cenários pintados com elementos surreais ao fundo, criando uma fotografia onírica e com pinceladas expressionistas, um complemento perfeito à temática do longa.

Com um tom lento e poético, a obra expõe pouco a pouco o interior de seus protagonistas, suas paixões, falhas e medos. A narrativa também se apoia no lirismo e no silêncio para preencher as mais de três horas de filme, ponto que pode incomodar alguns espectadores.

O filme foi lançado no Brasil como Kwaidan – As Quatro Faces do Medo, evidenciando, mais uma vez, a obsessão nacional por traduções e subtítulos que expliquem o conteúdo da obra.

Um fato curioso é que apesar de ter sido nomeado para o Oscar de melhor filme estrangeiro e de ter saído como ganhador do prêmio especial do júri em Cannes, a recepção por parte do público estrangeiro na época não foi das mais calorosas. A audiência esperava que um filme de horror japonês tivesse uma trama mais dinâmica e cheia de ação e efeitos especiais aos moldes de Godzilla, lançado em 1954.

Kwaidan é sem dúvida uma obra de arte em seu sentido mais literal, provocando nossos sentidos e nos levando à contemplação e à reflexão. Mais do que assustar, o filme nos conduz por uma experiência sensível e mágica pela cultura e folclore japonês.

Trailer

Ficha técnica

• 怪談: Kaidan
• Título Literal : Histórias de Fastasma
• Título Internacional: Kwaidan
• Direção : Kobayashi Masaki
• Info: Japão, 1964 Cor – 183 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0058279/

Nota

7.0/10

7/10

O post Kwaidan – As Quatro Faces do Medo apareceu primeiro em Eiga desu!.

Comentários

Conhecido por dramas históricos e grandiosos, como o aclamado Adeus, Minha Concubina de 1993, o diretor chinês Chen Kaige aposta em uma temática repleta de magia para compor uma narrativa tão surreal quanto misteriosa.

Na trama, acompanhamos uma investigação encabeçada pelo perspicaz monge japonês Kûkai (Sometani Shôta), que havia sido chamado à China para tratar o imperador de um estranho mal, e pelo carismático escrivão e poeta, Bai Letian (Huang Xuan).

A inusitada dupla inicia uma jornada em busca da verdade em um cenário repleto de assassinatos violentos e eventos sobrenaturais, frutos de uma maldição lançada por um gato demoníaco em busca de vingança. Com o desenrolar da investigação, os eventos acabam se mostrando ligados ao destino da belíssima concubina do Imperador que havia morrido 30 anos antes.

A primeira coisa a se notar em O Mistério do Gato Chinês é, sem dúvida, sua estética, com fotografia e figurinos que impressionam. Além disso, merece destaque também a ambientação, em especial na recriação da capital imperial de Chang’an, cuja construção do cenário demorou cinco anos devido ao grande número de detalhes, empreitada que consumiu uma enorme fatia do dinheiro de produção. Contudo, é em sua parte visual que o filme também derrapa, ora com efeitos especiais duvidosos para compor as cenas de magia e interação com o gato, ora no exagero carnavalesco de certas cenas.

O foco da história é na extravagante união entre um monge especializado em exorcismo e um poeta, ambos versões ficcionais de figuras históricas, abordadas com mais profundidade no romance que deu origem ao filme. A dupla possui uma boa química em cena e sua interação é um acerto dentro da trama investigativa, com não raros momentos de humor.

O longa começa a adotar tons mais sombrios e dramáticos conforme o mistério que envolve o antigo imperador e sua concubina favorita vai sendo desvendado. Amor e sacrifício passam a ser os motes de uma tragédia anunciada, repleta de reviravoltas e revelações.

O grande numero de flashbacks e personagens pode confundir espectadores desatentos ou que não estão acostumados ao estilo. Além disso, alguns elementos visuais acabam por enfraquecer a trama, distraindo e causando desconforto em momentos variados ao longo do filme.

No geral, o filme consegue se sustentar com sua dose de fantasia mesclada a mistério, mas poderia ter sido mais consistente em suas escolhas, principalmente por ter entre seus personagens um gato preto falante.

Trailer

Ficha técnica

• 妖猫传 : Yāo Māo Zhuàn
• Título Literal : “A História do Gato Demoníaco”
• Título Internacional: Legend of the Demon Cat
• Direção : Chen Kaige
• Info: China, Japão 2017 Cor – 129 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt6157626/

Nota

6.0/10

6/10

O post O Mistério do Gato Chinês apareceu primeiro em Eiga desu!.

Comentários

O diretor Jia Zhangke, nascido na China na década de 70, tem acompanhando ao longo de sua carreira as inúmeras mudanças sociais e econômicas pelas quais seu país tem passado. Isso se reflete em sua obra, cuja temática recorrente apresenta a transformação inexorável por que passa sua terra natal e o inevitável choque entre o passado e presente.

Em seu mais novo filme, Amor até as Cinzas, observamos ao longo de quase duas décadas o embate entre realidades divergentes e o conflito de gerações, mas desta vez sob o olhar de um casal cuja vida está imersa na Jianghu, o submundo do crime, com seus rituais, regras e particularidades correndo à margem da sociedade.

Nas palavras do próprio diretor durante uma entrevista no Festival de Cannes, “A Jianghu é uma subcultura que desafia o ‘mainstream’ no meu país. E hoje se transformou em algo que pouco tem a ver com o passado. É a alegoria perfeita para se falar de certa perda da memória coletiva na China”.

A trama tem seu início em 2001, onde um pequeno mafioso de nome Bin exerce seu poder e influência ao lado de sua namorada, Qiao, uma mulher cuja determinação e lealdade são tão grandes quanto sua devoção por Bin.

Esta devoção é posta a prova quando, em um ataque de gangues rivais, Qiao é obrigada a agir para defender seu amado, disparando uma arma para conter os agressores. Como consequência ela é presa ao assumir a propriedade da pistola e acaba por ficar cinco anos encarcerada.

Depois de cumprir sua pena, ela começa uma jornada em busca de Bin, que ao longo de todos esses anos não deu nenhuma notícia sequer. Em sua busca ela terá de enfrentar a rejeição e as armadilhas de um mundo que já não apresenta a familiaridade de outrora, que ao se modernizar e se abrir para o ocidente trouxe o distanciamento e a quebra de certas relações humanas além de relativizar conceitos como respeito, lealdade e gratidão.

É em meio a estas agruras que a personagem tem de se desafiar e criar forças para seguir em frente, buscando se apoiar nos ensinamentos de sua época de marginalidade. Mas isso talvez não seja o bastante quando tudo à sua volta parece estar diferente. Confrontada com esse sentimento de não pertencimento, até que ponto é possível se reinventar?

Com uma bela fotografia e explorando várias regiões da China, o diretor usa a grandiosidade de certos cenários e o deslocamento entre localidades como metáfora para a expansão dos horizontes de sua protagonista.

Os personagens são ricos em suas representações e o ritmo do filme, apesar de lento, apresenta uma cadência que casa perfeitamente com a proposta do roteiro. Destaque para Zhao Tao, esposa e musa de longa data do diretor que dá vida à Qiao.

O arco final do filme se passa em 2017 e podemos perceber que depois de todo o amargor, orgulho e sofrimento, certas coisas não mudaram, certos compromissos não puderam ser esquecidos, certas relações ainda perduram. Mas, até quando?

Trailer

Ficha técnica

• 江湖儿女 : Jiang hu er nü
• Título Literal : “Crianças da Jianghu”
• Título Internacional: Ash is Purest White
• Direção : Jia Zhangke
• Info: China 2018 Cor – 137 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt7298400/

Nota

7.0/10

7/10

O post Amor até as cinzas apareceu primeiro em Eiga desu!.

Comentários

Com diálogos dinâmicos e repletos de sarcasmo, aliados a uma estética de exageros, Querido Ex aposta na comédia para entregar um drama familiar com contornos sociais.

De um lado temos a explosiva e barulhenta Liu Sanlian, que tenta entender os motivos pelos quais seu falecido marido se envolveu com outro homem. Do outro, o extravagante e inconsequente Jay, amante de seu ex e futuro beneficiário de seu seguro de vida. No meio do caos temos Chengxi, um menino introvertido e silencioso que busca assimilar a morte do pai e que acaba se aproximando (para o desespero de sua mãe) de Jay.

A dinâmica do trio de protagonistas é pautada pelo tom cômico, tom este que é reafirmado pelas interpretações cartunescas, pelo nonsense de algumas situações e também pela sobreposição de animações sobre as cenas, o que diverte, mas pode causar certo estranhamento.

A trama não é complexa, mas ainda assim bem construída, o que garante algumas surpresas e reviravoltas, justamente nos momentos mais sensíveis e tristes do longa. Isto também se reflete nos personagens, que apesar de num primeiro momento se mostrarem como meras caricaturas de seus papéis na sociedade, ganham contornos mais sólidos e a empatia do público quando o desfecho se aproxima. Passado todo o ruído, surge uma tocante experiência que fala sobre aceitação, amor e sacrifício.

Por vezes absurdo, divertido e melancólico, Querido Ex explora a complexidade na vida de três pessoas que tem de lidar com o luto, seus sonhos e novas definições de amor para seguir em frente.

Trailer

Ficha técnica

• 誰先愛上他的 : Shei xian ai shang ta de
• Título Literal : “Quem se apaixonou por ele primeiro?”
• Título Internacional: Dear Ex
• Direção : Hsu Chih-Yen
• Info: Taiwan 2018 Cor – 100 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt8443704/

Nota

8.0/10

8/10

O post Querido Ex apareceu primeiro em Eiga desu!.

Comentários

Baseado no conto Queimar Celeiros do autor japonês Haruki Murakami, esta desconfortante obra do sul coreano Lee Chang-dong cria uma atmosfera de dúvida e inquietação onde a sensação de que algo nefasto se esconde nas entrelinhas é quase tangível.

No filme acompanhamos o reencontro de Jong-soo, um jovem trabalhador compelido a cuidar da propriedade rural do pai, com uma antiga amiga, Hae-mi. No início, é ela quem se atreve a encurtar a distância que existe entre ambos, mas logo nosso protagonista começa a nutrir sentimentos pela sonhadora colega. Quando os contornos da relação prometem evoluir, surge o contraponto de um inusitado triângulo amoroso: Ben, um rapaz rico e sofisticado que exerce um fascínio quase magnético em todos ao seu redor.

A partir desse momento, as tensões vão aumentando e o espaço antes ocupado por amizade e admiração vai sendo ocupado por frustração, desejo, manipulação e inveja, culminando em um acontecimento que irá mudar por completo os rumos do jovem casal.

Utilizando de metáforas e de uma profunda carga imagética, o diretor cria de forma lenta, mas pungente, um clima de crueldade velada e de terror, onde o telespectador precisa abrir mão de suas certezas e se apoiar em suposições e elementos esparsos que apontam para algo terrível, mas nunca evidenciado de forma concreta.

É através destas pequenas pistas e desconfianças que o jogo vai tomando forma e impelindo os protagonistas a um desfecho catártico e inevitável.

Sobre isso, o diretor comenta: “ao contrário de um thriller de mistério convencional, que permite aos espectadores juntar as peças de um quebra-cabeça, Em Chamas faz você questionar o próprio quebra cabeça”.

“Há certa raiva que todos experimentamos vivendo nessa era, especialmente jovens que se sentem pressionados sobre seu valor próprio num ambiente hiper competitivo. Nessa era pós-moderna tudo se tornou ultra sofisticado, conveniente e cool, mas abaixo da superfície há dor, conflitos de classe e pressão por competir”, acrescenta.

Com longos planos-sequência e explorando a luz natural e a câmera na mão, o filme passa uma aparência de realismo, compondo cenas de uma beleza cruel e convincente. Além disso, a interpretação do elenco é outro ponto positivo, conseguindo demarcar bem a personalidade e a angústia vivida pelos personagens.

Com uma atmosfera única e peculiar, Em Chamas é sem dúvida um filme capaz de perturbar, não tanto pelo que mostra, mas pelo poder do que sugere.

Trailer

Ficha técnica

• 버닝 : Beoning
• Título Literal : “Queimando”
• Título Internacional: Burning
• Direção : Lee Chang-dong
• Info: Coréia do Sul, 2018 Cor – 148 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt7282468/

Nota

8.0/10

8/10

O post Em Chamas apareceu primeiro em Eiga desu!.

Comentários

Baseado livremente na vida do próprio diretor do filme (Park Bum-Soo), no início de sua carreira, Red Carpet é uma comédia romântica que usa como pano de fundo a indústria da pornografia para entregar uma história despretensiosa mas também divertida.

Acompanhamos a trajetória de Jung-woo, cineasta que sonha em se tornar um diretor de cinema renomado, mas que por falta de oportunidades acaba dirigindo filmes adultos para uma pequena produtora.

Sua vida se transforma quando a estrela de comerciais Eun-soo acaba indo morar em seu apartamento e aos poucos reaviva sua aspiração de dirigir filmes que não sejam exclusivamente voltados para o mercado erótico. O empurrão que faltava vem quando ela aceita ser a protagonista de seu projeto paralelo.

A partir daí, uma série de reviravoltas e mal entendidos vão marcando o ritmo do longa, que segue apresentando situações inusitadas e muitas vezes forçadas, enquanto a relação entre diretor e atriz vai tomando forma. Essa miscelânea, contudo, deve agradar os fãs do gênero.

Como não poderia deixar de ser, o filme aproveita o contexto de sua trama como desculpa para as inúmeras piadinhas e cenas carregadas de duplo sentido. Entretanto, apesar de certo erotismo latente, o filme é bem comportado e apenas insinua uma ou outra situação mais picante. No geral, tudo serve mais para causar riso e desconforto.

Os atores que dão vida aos personagens, mesmo que mergulhados em estereótipos e clichês, são carismáticos e escolhidos a dedo para seus papeis. Existe uma boa química entre o casal de protagonistas e é isto o que se espera, afinal, de uma comédia romântica.

Apesar de situações absurdas e de um desenvolvimento que não traz nada de novo para este estilo de filme, Red Carpet consegue nos fazer rir e se emocionar na medida certa, além de trazer uma tímida, mas reconfortante lição de perseverança e otimismo. Um filme leve e ótimo pra se passar o tempo.

Trailer

Ficha técnica

• 레드카펫 : Ledeu Kapes
• Título Literal : “Red Carpet”
• Título Internacional: Red Carpet
• Direção : Park Bum-Soo
• Info: Coréia do Sul, 2014 Cor – 117 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt4219354/

Nota

7.0/10

7/10

O post Red Carpet apareceu primeiro em Eiga desu!.

Comentários

No limiar entre a realidade e o mundo da fantasia, A Floresta é um intrigante drama que explora experiências universais da infância, assim como dilemas morais da vida adulta.

Escrito e dirigido por Paul Spurrier, cineasta britânico fluente em tailandês e o primeiro ocidental a fazer um filme nesta língua, A Floresta conta a história de Preecha, um professor novato que decide vivenciar a realidade fora dos muros de um templo após ter dedicado dez anos de sua existência como monge.

Acreditando no poder transformador da educação e do comprometimento, ele logo tem seus métodos e sonhos colocados à prova num ambiente estagnado e fadado a sucumbir devido à falência moral e econômica.

Acolhedor, Preecha tenta combater o bullying sofrido por Ja, garota aparentemente muda que é alvo de constantes ataques por parte de outras alunas. Seu esforço em instruir e levar as crianças a praticar o bem acaba entrando em conflito com os interesses do diretor e causando a ira do chefe comunitário, o que pode por fim à sua carreira. Ambos, professor e aluna, são figuras sensíveis que tentam lutar contra as adversidades que encontram pelo caminho, mas que sozinhos não parecem ter forças para prosseguir.

Nesse ponto, a trama passa a dar mais enfoque à rotina de Ja. Solitária e vivendo num local ermo junto ao pai pobre e alcoólatra, a garota não parece receber afeto de nenhuma das pessoas que cruzam seu caminho. A vida de Ja começa a mudar quando, ao pegar um atalho pelo interior da floresta, se depara com um menino intimidante e de hábitos selvagens. De início a intenção do garoto é afugentar Ja de seus domínios, mas com o tempo eles estabelecem uma relação de confiança e amizade que faz com que passem cada vez mais tempo juntos.

Vale a pena destacar aqui a atuação dos pequenos protagonistas, que conseguem transmitir suas emoções sem descambar para a caricatura.

Spurrier trabalha de forma alegórica e nos faz questionar a real existência do garoto e suas motivações num primeiro momento do filme. Utiliza também a beleza das locações e a força arrebatadora da natureza para criar um contraponto entre inocência, instinto, amor e morte.

A Floresta é um filme que nos faz refletir sobre o real peso de nossas ações e também levanta a questão do karma pela ótica do budismo. É uma obra que aborda de forma sensível a perda e o luto e que por fim abraça a inevitabilidade de acertos e erros como forma de seguir adiante.

Trailer

Ficha técnica

• ป่า : Pa
• Título Literal : “Floresta”
• Título Internacional: The Forest
• Direção : Paul Spurrier
• Info: Tailândia, 2016 Cor – 109 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt4982356/

Nota

7.0/10

7/10

O post A Floresta apareceu primeiro em Eiga desu!.

Comentários

Primeiro trabalho da diretora Huang Fei, Missing Johnny conta a história de três jovens moradores de Taipei cujas vidas se cruzam em um condomínio de apartamentos através de pequenos incidentes e coincidências do cotidiano.

Hsu Zi Qi é uma garota que adora pássaros e que cria alguns em seu apartamento como animais de estimação. É nesse apartamento, alugado por seu namorado que mora em outra cidade, em que ela vive sozinha e melancólica.

O filho da dona do imóvel, Lee Lee, é um garoto autista que acaba se aproximando de Zi Qi devido ao fascínio causado por seus pássaros e também pelo fato da moça lhe tratar com carinho e de forma atenciosa.

Já Ah Feng trabalha com obras e reformas e é contratado pela senhora Lee para fazer alguns reparos em um novo apartamento e também no condomínio. O envolvimento com os dois outros protagonistas acontece quando um dos papagaios de Zi Qi foge e ela pede a ajuda dos dois rapazes para conseguir achar sua querida mascote.

A partir desse inusitado encontro vamos conhecendo os pormenores da vida do trio e percebendo como a solidão e o arrependimento são sentimentos que guiam os destinos de cada um deles.

Zi Qi está insatisfeita em sua solidão e nos raros momentos em que está junto de seu namorado, ambos não conseguem se conectar de fato. A falta de amor e as diferenças do casal fazem com que seu relacionamento esteja fadado ao fracasso. Ela também carrega um segredo que faz com que sempre se questione sobre os rumos que escolheu para sua vida.

Enquanto isso, Lee tenta viver uma vida normal, apesar de suas limitações e da proteção excessiva da mãe. Ambos compartilham o trauma causado pela morte do irmão de Lee num acidente de carro, o que explica a atitude da mãe para com o filho que restou e também a necessidade que o jovem tem de, alguma forma, se reconectar com o irmão que partiu. Mãe e filho vivem imersos num misto de saudade e remorso, sempre buscando algo que, no fundo, já sabem estar fora de seus alcances.

Feng é outro personagem que também tem problemas com seu passado. O divorcio de seus pais quando ainda criança fez com que ele adotasse seu professor como figura paterna. É junto à família de seu antigo professor que ele ainda se reúne e onde percebemos que a relação entre pais e filhos pode ser conflituosa, estejam eles convivendo na mesma casa ou separados por incontáveis anos.

Missing Johnny é uma obra cujo foco não se atém à história propriamente dita, relegando às entrelinhas e aos sentimentos de seus personagens a verdadeira força do filme. Através de pequenas tramas que se conectam e que podem ou não ter uma resolução, a diretora monta um quadro mais amplo onde o que importam são os relacionamentos humanos e não necessariamente o lugar para onde nos levam.

Só é uma pena que, talvez pela inexperiência de Huang Fei à frente das câmeras, a história se mostre contemplativa demais, com um ritmo por diversas vezes arrastado que culmina num final abrupto, justamente quando os relacionamentos mostrados no filme começam a se estreitar.

O filme também é prejudicado pelo pouco peso imbuído aos protagonistas. Não que haja um problema de atuação, mas a falta de cuidado ao estruturar o passado dos principais personagens e a ausência de informações sobre certos acontecimentos e decisões tomadas (na história de Zi Qi, por exemplo) faz com que os espectadores não consigam estabelecer um vínculo e, por conseguinte, deixem de se importar com seus dramas.

E agora você pode se perguntar, quem é afinal o Johnny do título? Bem, por mais pueril que seja esta informação, melhor deixar para se descobrir durante o filme.

Trailer

Ficha técnica

• 強尼.凱克 : Qiang ni. Kai ke
• Título Literal : “Johnny. Papagaio”
• Título Internacional: Missing Johnny
• Direção : Huang Xi
• Info: Taiwan 2017 Cor – 104 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt7010456/

Nota

6.0/10

6/10

O post Missing Johnny apareceu primeiro em Eiga desu!.

Comentários

Contos da Lua Vaga é um romance histórico de fantasia que se passa no período Azuchi-Momoyama (1573-1600) onde o Japão, imerso no caos, passava por uma profunda transformação buscando a unificação política.

A guerra civil começava a ameaçar mesmo os pequenos vilarejos e à população aflita só restava fugir ou sucumbir ante as hordas de guerreiros famintos e cruéis.

Talvez um dos mais conhecidos filmes de Mizoguchi no ocidente, Contos da Lua Vaga é uma história de fantasmas e também um exemplo do gênero jidaigeki, que são os dramas de época japoneses. Além disso, é também o único exemplo em sua filmografia em que o sobrenatural tem papel central e age de forma direta sobre o destino dos protagonistas.

Explorando temas como cobiça, a busca pela glória, a diferença entre castas e a negligência familiar, o filme traça um retrato agridoce do período ao mesmo tempo em que funciona como uma propaganda anti guerra, tema ainda sensível ao Japão pós segunda guerra mundial.

Sobre a trama, temos Genjurô, um camponês que almeja fazer fortuna vendendo utensílios de cerâmica, e seu cunhado, Tôbei, que sonha se tornar um renomado samurai e alcançar a glória. Após uma primeira incursão bem sucedida, ambos decidem atravessar o lago Biwa e tentar a fortuna em um novo mercado, mesmo que suas famílias e a própria integridade estejam em risco.

Mizoguchi compôs a história de Genjurô baseando-se em dois contos presentes no livro Ugestu Monogatari escrito por Akinari Ueda. Já a saga de Tôbei tem seu cerne extraído de Décoré!, escrito por Guy de Maupassant.

Em ambos os casos, temos o peso das escolhas dos personagens afetando suas respectivas esposas e um amadurecimento causado pela falência de seus sonhos e ambições. Vale destacar que os pesares e desafios enfrentados pelas mulheres nesse período de guerra tornaram-se o tema mais proeminente dentro do longa, refletindo talvez um arrependimento do diretor em enaltecer o militarismo e as campanhas de guerra em seus filmes que antecederam a derrota japonesa em 1945.

Com relação à temática sobrenatural, Contos da Lua Vaga virou referência para inúmeras obras japonesas e mesmo ocidentais no gênero do horror ao abordar o relacionamento proibido entre vivos e espíritos, além de utilizar elementos da religião e da mitologia integrados ao cotidiano, mostrando a barreira entre os mundos como uma tênue linha que pode ser atravessada caso alguém se deixe levar pela cobiça ou pelo desejo.

Contos da Lua Vaga é um clássico entre as produções japonesas e um dos principais filmes de Mizoguchi, tendo ganho o Leão de Prata no Festival de Veneza de 1953 e sendo responsável por colocar o cinema nipônico em evidência ainda maior no ocidente.

Trailer

Ficha técnica

• 雨月物語: Ugetsu Monogatari
• Título Literal : Contos da Chuva e da Lua
• Título Internacional: Ugetsu
• Direção : Mizoguchi Kenji
• Info: Japão, 1953 Preto e Branco – 96 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0046478/

Nota

7.0/10

7/10

O post Contos da Lua Vaga apareceu primeiro em Eiga desu!.

Comentários

O diretor Zhang Yimou vem cada vez mais testando seus limites na maneira de trabalhar simbolismos, utilizar as cores e expressar emoções de maneira sinestésica, muitas vezes no limiar do excesso.

Com A Maldição da Flor Dourada ele atinge o ápice dessa experimentação, criando uma tragédia melodramática cuja estrutura, visual e temática, é tanto delirante quanto arrebatadora.

A obra adota um tom teatral onde intrigas palacianas são apresentadas em uma intrincada cadeia de eventos onde nenhum dos personagens apresentados saíra sem mácula. Relações incestuosas, amores proibidos, traições, a busca pelo poder e a rivalidade entre irmãos fazem parte do extenso conjunto de elementos encobertos por segredos e mortes em uma trama cujos interesses do imperador colidem de frente com a figura da imperatriz e suas aspirações, ao ponto de cada um conspirar para a destruição do outro.

Chow Yun-Fat entrega uma mescla de serenidade e crueldade à sua interpretação do imperador, criando uma aura de poder que envolve e sufoca a todos que o rodeiam. Já a imperatriz tem na interpretação de Gong Li uma força latente, misto de revolta e desejo aprisionados pelas obrigações de sua posição no palácio. Todo este peso depositado no casal de protagonistas encontra alegoricamente uma correspondência com suas vestimentas e adereços onde os espectadores quase conseguem sentir a carga sobre seus ombros nas cenas em que os extensos corredores são atravessados.

O elenco de apoio é responsável e seus papéis são convincentes, mas os verdadeiros trunfos do filme são a fotografia, a exuberante cenografia e os figurinos de época, todos muito bem elaborados e apoiados em cores quentes e vívidas. O interior do palácio é um ambiente quase onírico em sua variedade de cores e formas e as enormes quantidades de serviçais sincronizados em suas tarefas cotidianas contribuem com esta aura de surreal perfeição. Sobre as roupas utilizadas em cena, cada uma delas composta de 4 ou mais camadas caprichosamente sobrepostas, evocam a riqueza e o papel das tradições e ritos dentro da realeza.

Abraçando a tragédia e apoiando a história numa estética de deslumbramento visual, Zhang Yimou nos entrega mais uma obra prima neste drama pincelado de artes marciais, onde o brilho dourado do ouro só é ofuscado (em curtos momentos) pelo vermelho do sangue.

Trailer

Ficha técnica

• 满城尽带黄金甲 : Man cheng jin dai huang jin jia
• Título Literal : “A Cidade Inteira Está Vestida em uma Armadura Dourada”
• Título Internacional: The Curse of the Golden Flower
• Direção : Zhang Yimou
• Info: China, Hong Kong 2006 Cor – 111 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0473444/

Nota

8.0/10

8/10

O post A Maldição da Flor Dourada apareceu primeiro em Eiga desu!.

Comentários

Uma vez mais explorando a temática das artes marciais em um de seus filmes, o diretor Wong Kar-wai constrói uma obra visualmente deslumbrante, abusando de seu estilo e edição característicos e também de elementos de enredo que são recorrentes em sua aclamada carreira.

Sua única incursão nesse gênero havia sido com Cinzas do Passado (東邪西毒 Dung che sai duk), lançado em 1994. Posteriormente a obra passou por uma revisão e foi relançada em 2008 como Cinzas do Passado Redux.

Dezenove anos depois temos O Grande Mestre, um filme cuja premissa é retratar de forma biográfica pessoas e eventos marcantes na vida do lendário mestre de wing chun Ip Man, desde seus tempos em Foshan, cidade localizada na província de Guangdong, até eventualmente se estabelecer em Hong Kong após a segunda guerra.

Estranho constatar que é justamente nesta premissa básica que o filme apresenta sua estrutura mais frágil, o que acabou por desagradar muitos dos espectadores. Digo isto porque a obra carece de linearidade e em determinados momentos apresenta arcos onde o foco da trama recai sobre outros personagens e acaba por deixar a figura do protagonista totalmente de lado. Além disso, vale lembrar que muitos dos eventos e pessoas retratadas são ficcionais ou alterados de forma a melhor se encaixar na visão do diretor, o que certamente não contribuí para um entendimento mais profundo da figura de Ip Man.

Outro ponto que pode gerar frustração é a edição entrecortada que acaba por deixar alguns núcleos sem resolução ou com sua integração com o restante da obra prejudicada, como é o caso da mulher de Ip, que praticamente desaparece da metade do filme para frente e mais notoriamente a história do personagem Navalha, que deslocada do restante da trama aparece mais como um bônus.

Apontados os pontos falhos, podemos concordar que O Grande Mestre apresenta de forma maestral o estilo pelo qual o diretor ficou conhecido, com cenografia, figurino e trilha sonora impecáveis. Cada peça de mobília, cada gesto, cada olhar trocado é enaltecido por tomadas de câmera inventivas que ao mesmo tempo em que nos transportam para a intimidade da cena, também nos distânciam, criando certa aura de sonho e maravilhamento, como se estivéssemos diante de painéis pintados que por mágica parecem criar vida.

Outro elemento a ser aplaudido é a coreografia dos movimentos e a fluidez e dedicação que os atores empenham nos momentos de combate. Com vários mestres tendo de por suas habilidades à prova, o filme apresenta uma galeria de estilos e técnicas marciais que apoiados na plasticidade e na precisão criam cenas marcantes e de extrema beleza.

Sobre os personagens, Tony Leung Chiu-Wai oferece uma interpretação elegante e contida de Ip Man nos momentos de diálogo e de extrema entrega durante os duelos. Já Gong Er, interpretada por Zhang Ziyi, é verdadeiramente a grande estrela do filme, com uma atuação sólida e uma história trágica e sensível que amarra todos os acontecimentos da trama. Destaque também para a jornada de extrema poesia do velho mestre Gong Yutian e de seu poderoso mas descontrolado discípulo Ma San.

Mais do que um filme de luta, O Grande Mestre é uma obra que levanta situações delicadas como a acirrada disputa entre o Norte e o Sul da China, a questão da autonomia de Hong Kong e as mazelas com o Japão. Além disso, resgata temas chave da obra de Wong Kar-Wai, tais como sentimentos contidos, amores impossíveis, a honra e principalmente o arrependimento.

Trailer

Ficha técnica

• 一代宗師 : Yi dai zong shi
• Título Literal : “O Mestre de uma Geração”
• Título Internacional: The Grandmaster
• Direção : Wong Kar-Wai
• Info: Hong Kong, China 2013 Cor – 130 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt1462900/

Nota

8.0/10

8/10

O post O Grande Mestre apareceu primeiro em Eiga desu!.