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Nestes últimos anos o mundo tem voltado seus olhos com mais atenção para o mercado de entretenimento sul-coreano, em especial pelo sucesso que o K-pop e os Dramas tem feito no ocidente. Este movimento se tornou ainda mais evidente depois que Parasita levou 4 oscares para casa, incluindo o de melhor filme, além de outras premiações de peso pelos festivais que passou.

Apostando nessa tendência a Netflix tem expandido seu catálogo com ótimas produções coreanas, entre elas um suspense carregado de mistério e estilo que tem impressionado o público: trata-se do filme A Ligação.

Dirigido pelo estreante Lee Chung-hyun, o longa nos apresenta a história de Seo-Yeon que acaba de retornar para sua antiga casa para visitar a mãe doente que está internada. A relação entre ambas é fria, pois a garota culpa a mãe pela morte de seu pai anos antes em um incêndio. Na casa ela encontra um antigo telefone sem fio e passa a receber ligações de uma estranha chamada Young Sook. Aos poucos ambas percebem que estão de fato vivendo na mesma casa, mas em épocas diferentes. As implicações desta conexão temporal irão alterar de forma imprevisível e perigosa a vida das duas garotas e das pessoas ao seu redor.

A princípio a trama não apresenta nenhuma novidade para o gênero, aliás o filme é o remake de uma produção britânica / porto-riquenha de 2011, contudo, as escolhas feitas pelo diretor acabam elevando a experiência e transformando o longa em algo instigante e melhor que seu antecessor.

Com um enredo bem amarrado e inteligente, a história prende desde o início e consegue manter a atenção ao longo de suas quase duas horas de suspense, drama e também terror.

A fotografia acerta com uma ambientação caprichada cujo jogo de cores e luzes valorizam os sentimentos de cada cena. Além disso, os efeitos especiais que representam as mudanças na linha do tempo são carregados de estilo com alterações físicas intrincadas e até poéticas que trazem certa inovação para os filmes do gênero.

Outro ponto forte é a atuação das protagonistas que conseguem passar, cada uma à sua maneira, a fragilidade, o desespero e também a loucura de suas personagens. O destaque vai para a jovem atriz Jun Jong-seo, que atuou anteriormente no ótimo Em Chamas e que aqui interpreta de forma intensa a assustadora Young Sook.

De qualquer forma, nem tudo é perfeito em A Ligação. Seja por algumas decisões pouco críveis dos personagens ou pela ineficácia investigativa da polícia, é preciso fechar os olhos para alguns pontos da trama para que o filme flua sem causar frustração. Além disso, o final também não é uma unanimidade, em especial algumas cenas pós-créditos que muitos preferem ignorar para não ter a experiência arruinada.

Dito isto, A Ligação continua sendo um ótimo filme de crime e mistério que de forma gradual e empolgante vai revelando este quebra-cabeça capaz de transcender o tempo.

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Ficha técnica

• 콜 : Kol
• Título Literal : “A Ligação”
• Título Internacional: The Call
• Direção : Lee Chung-hyun
• Info: Coréia do Sul, 2020 Cor – 112 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt10530176/

Nota

7.0/10

7/10

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Diretamente da Indonésia, A Noite nos Persegue é um thriller de ação escrito e dirigido por Timo Tjahjanto, diretor que vem desenvolvendo de maneira consistente sua carreira dentro deste nicho do cinema, além de inúmeras incursões pelo terror.

Abraçada pela Netflix, a produção se destaca no catálogo da empresa de streaming dentro de um estilo frenético e violento que certamente irá agradar aos fãs do gênero.

No longa, acompanhamos a história de Ito (Joe Taslim), um dos “seis mares” responsáveis por manter a ordem e o funcionamento das atividades de uma organização mafiosa chinesa. Sua jornada de violência e redenção tem início quando ele resolve poupar a vida de uma garotinha durante o massacre de um vilarejo, virando-se contra seus companheiros e aniquilando sua própria equipe.

A partir desse ponto, o que vemos é uma perseguição desenfreada pelas ruas e becos de Jacarta e o aparecimento de outras importantes peças nesse tabuleiro banhado de sangue.

Com grande parte dos atores tendo trabalhado em obras como os aclamados Operação Invasão 1 e 2, o elenco mostra que a experiência faz a diferença ao entregar lutas e embates de uma plasticidade e fluidez incríveis. Tudo foi muito bem treinado e coreografado para que cada facada desferida, cada osso quebrado e membro decepado sejam compreendidos (e sentidos) pelo espectador. Não apenas o protagonista, mas todo o elenco de apoio faz um bom trabalho, valendo destacar a participação pontual, mas certeira, do astro Iko Uwais no papel de Arian e da talentosa Julie Estelle, como uma misteriosa assassina.

Além da ação, o cuidado com a fotografia também merece ser elogiado, com alguns momentos de inspiração sublime criando cenas de se encher os olhos e que merecem ser apreciadas.

Apesar disso, inconsistências na trama e um roteiro que não se preocupa em apresentar seus personagens fazem com que toda essa plasticidade soe vazia. Temos um conjunto de motivações simplistas, ações sem sentido e consequências descabidas na já batida história do anti-herói que busca expiar seus pecados com uma última boa ação.

Dito isso, é obvio que o diretor apostou suas fichas na crueza da violência e no bom trabalho da equipe de efeitos práticos. Poucos filmes entregam uma experiência tão brutal e explícita, principalmente quando não estamos falando de uma obra de horror. A inventividade e as escolhas estéticas nas lutas são definitivamente a alma de A Noite nos Persegue.

Em resumo, este não é apenas mais um filme de ação. Ou melhor, é, mas esteja preparado para ver pernas e dedos sendo arrancados em closes demorados de uma câmera que tende ao sadismo.

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Ficha técnica

• Malam Datang Untuk Kita
• Título Literal : “A Noite Vem para Nós”
• Título Internacional: The Night Comes for Us
• Direção : Timo Tjahjanto
• Info: Indonésia, 2018 Cor – 121 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt6116856/

Nota

8.0/10

8/10

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O diretor Bong Joon-ho possui uma filmografia variada e com alguns altos e baixos. No entanto, é inegável que o tom inventivo e provocador de suas obras o coloque num patamar diferenciado.

Em Parasita, vemos um de seus melhores trabalhos, onde o humor aliado a uma crítica social mordaz vai conduzindo o espectador por zonas de um desconforto crescente e atroz, onde ninguém – personagens ou público – sai ileso.

Acompanhamos as desventuras e a miséria diária da família Kim em uma Coréia de sociedade cada vez mais estratificada, onde o desemprego e a falta de perspectiva, mesmo entre os jovens, são aspectos corriqueiros.

O contraponto vem com a apresentação da riquíssima família Park, cuja frivolidade e afetação são reflexos diretos de quem nunca passou por privações ou dificuldades.

Mas a trama está longe de ser maniqueísta e vai construindo um perfil muito rico de cada um de seus personagens, fazendo com que compaixão e desprezo se misturem enquanto os objetivos e ações de cada um são apresentados.

O diretor é muito eficiente em criar situações cômicas que pouco a pouco vão tomando ares mais tensos e desagradáveis. As risadas arrancadas do público vão dando lugar ao constrangimento e por fim ao completo estarrecimento, quando o incidente final se apresenta.

Com um elenco afiado e muito expressivo, as atuações estão na medida para que o enredo, em muitos momentos mergulhado no absurdo, seja crível e gere a empatia necessária para se conectar com os protagonistas.

Forte candidato ao Oscar de melhor filme estrangeiro, Parasita deve ainda concorrer em outras categorias, sendo aclamado em todos os festivais por onde já passou.

Neste momento em que a humanidade segue cada vez mais endurecida, extremista e desigual, o papel de um filme que nos faz enxergar os absurdos de nossas escolhas enquanto sociedade é primordial. Fica a pergunta: os parasitas sempre estiveram lá, ou nós os criamos?

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Ficha técnica

• 기생충 : Gisaengchung
• Título Literal : “Parasita”
• Título Internacional: Parasite
• Direção : Bong Joon-ho
• Info: Coréia do Sul, 2019 Cor – 132 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt6751668/

Nota

8.0/10

8/10

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Conhecido por dramas históricos e grandiosos, como o aclamado Adeus, Minha Concubina de 1993, o diretor chinês Chen Kaige aposta em uma temática repleta de magia para compor uma narrativa tão surreal quanto misteriosa.

Na trama, acompanhamos uma investigação encabeçada pelo perspicaz monge japonês Kûkai (Sometani Shôta), que havia sido chamado à China para tratar o imperador de um estranho mal, e pelo carismático escrivão e poeta, Bai Letian (Huang Xuan).

A inusitada dupla inicia uma jornada em busca da verdade em um cenário repleto de assassinatos violentos e eventos sobrenaturais, frutos de uma maldição lançada por um gato demoníaco em busca de vingança. Com o desenrolar da investigação, os eventos acabam se mostrando ligados ao destino da belíssima concubina do Imperador que havia morrido 30 anos antes.

A primeira coisa a se notar em O Mistério do Gato Chinês é, sem dúvida, sua estética, com fotografia e figurinos que impressionam. Além disso, merece destaque também a ambientação, em especial na recriação da capital imperial de Chang’an, cuja construção do cenário demorou cinco anos devido ao grande número de detalhes, empreitada que consumiu uma enorme fatia do dinheiro de produção. Contudo, é em sua parte visual que o filme também derrapa, ora com efeitos especiais duvidosos para compor as cenas de magia e interação com o gato, ora no exagero carnavalesco de certas cenas.

O foco da história é na extravagante união entre um monge especializado em exorcismo e um poeta, ambos versões ficcionais de figuras históricas, abordadas com mais profundidade no romance que deu origem ao filme. A dupla possui uma boa química em cena e sua interação é um acerto dentro da trama investigativa, com não raros momentos de humor.

O longa começa a adotar tons mais sombrios e dramáticos conforme o mistério que envolve o antigo imperador e sua concubina favorita vai sendo desvendado. Amor e sacrifício passam a ser os motes de uma tragédia anunciada, repleta de reviravoltas e revelações.

O grande numero de flashbacks e personagens pode confundir espectadores desatentos ou que não estão acostumados ao estilo. Além disso, alguns elementos visuais acabam por enfraquecer a trama, distraindo e causando desconforto em momentos variados ao longo do filme.

No geral, o filme consegue se sustentar com sua dose de fantasia mesclada a mistério, mas poderia ter sido mais consistente em suas escolhas, principalmente por ter entre seus personagens um gato preto falante.

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Ficha técnica

• 妖猫传 : Yāo Māo Zhuàn
• Título Literal : “A História do Gato Demoníaco”
• Título Internacional: Legend of the Demon Cat
• Direção : Chen Kaige
• Info: China, Japão 2017 Cor – 129 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt6157626/

Nota

6.0/10

6/10

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Num ambiente de abuso constante e injustiça, até que ponto um ser humano consegue resistir antes de perder a sanidade?

Esta é uma das perguntas que o diretor Jang Cheol-soo busca decifrar em Bedevilled, longa sul-coreano que mescla drama, suspense e horror numa trama simples, mas forte e direta.

Acompanhamos a história de Kim Bok-nam, personagem que empresta seu nome ao título original, e que desde cedo se torna o alvo de abusos físicos e psicológicos dos poucos moradores de uma pequena ilha coreana. Por ser a única mulher jovem da comunidade, é tratada praticamente como uma escrava pelas outras mulheres e abusada pelos homens.

Suas únicas fontes de alegria são sua filha pequena e também as lembranças que guarda de sua amiga de infância, Hae-won. A esperança de alguma redenção surge justamente quando esta amiga, fugindo do stress de Seul, retorna à ilha para passar alguns dias.

As diferenças entre a vida de ambas as mulheres e a postura delas diante das situações cotidianas criam um enorme contraste e amplificam a sensação de injustiça e desespero que permeia toda a obra. É um embate entre dois mundos que parecem ser irreconciliáveis.

Diante de tantas atrocidades e desprezo, é com um recompensador sadismo que o espectador assiste ao último ato do longa, um momento de catarse e libertação banhado à sangue. É então que Bedevilled entrega um horror mais gráfico e violento que foi um dos responsáveis pelo sucesso do filme na época de seu lançamento.

No fim, apenas um gosto amargo persiste juntamente de outra pergunta: o que precisamos perder para seguir adiante?

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Ficha técnica

• 김복남 살인사건의 전말 : Kim Bok-nam salinsageonui jeonmal
• Título Literal : “A História Completa do Caso de Assassinato de Kim Bok-nam”
• Título Internacional: Bedevilled
• Direção : Jang Cheol-soo
• Info: Coréia do Sul, 2010 Cor – 115 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt1646959/

Nota

8.0/10

8/10

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Inspirado por um conto do folclore coreano, Medo (mais um título nacional medíocre para uma obra de arte) é um filme que consegue unir mistério, terror e drama de forma muito bem estruturada em uma história inquietante e surpreendente.

A trama tem seu início em um hospital psiquiátrico onde a jovem Su-mi, com um quadro de choque pós-traumático, está para receber alta de seu tratamento para psicose. Após sua saída, a garota retorna para a casa de sua família, uma residência isolada no campo, juntamente com seu pai e sua irmã mais nova, Su-yeon.

A tranquilidade do retorno e a cumplicidade e alegria das irmãs logo são abaladas pela presença aterradora de sua madrasta, além de sonhos e situações bizarras que começam a por em cheque a sanidade dos moradores da casa.

O enredo é muito hábil em criar situações extremamente desconfortáveis e intrigantes, onde o clima de tensão vai se intensificando à medida que um mistério vai sendo construído.

O clima de surrealismo e loucura é potencializado pela bela fotografia e também pelas atuações, em especial a madrasta, vivida pela atriz Yum Jung-ah.

Mas o que realmente faz do longa uma obra a ser revisitada é sua história, que consegue amarrar com muita elegância um conto de tragédia e vingança, sem escorregar pelos clichês do gênero. Claro que temos alguns jump scares e as tradicionais aparições com longos cabelos negros, mas nada disso é feito de forma gratuita, o que só evidencia a sagacidade do roteiro.

A história pode parecer confusa para alguns espectadores, e o drama e a cadência do filme talvez incomodem os fãs do terror main stream, mas esta obra, com certeza, merece um lugar de destaque dentro do prolífico cinema de horror oriental.

* Uma curiosidade final: o título original, Janghwa, Hongryeon (Rosa, Lótus Vermelha), é o nome das irmãs do conto que serviu de base para o filme. Tanto os nomes do conto como das personagens do longa (Su-mi, Su-yeon) trazem os caracteres de rosa e lótus.

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Ficha técnica

• 장화, 홍련 : Janghwa, Hongryeon
• Título Literal : “Rosa, Lotus Vermelha”
• Título Internacional: A Tale of Two Sisters
• Direção : Kim Jee-woon
• Info: Coréia do Sul, 2003 Cor – 114 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0365376/

Nota

9.0/10

9/10

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Baseado no conto Queimar Celeiros do autor japonês Haruki Murakami, esta desconfortante obra do sul coreano Lee Chang-dong cria uma atmosfera de dúvida e inquietação onde a sensação de que algo nefasto se esconde nas entrelinhas é quase tangível.

No filme acompanhamos o reencontro de Jong-soo, um jovem trabalhador compelido a cuidar da propriedade rural do pai, com uma antiga amiga, Hae-mi. No início, é ela quem se atreve a encurtar a distância que existe entre ambos, mas logo nosso protagonista começa a nutrir sentimentos pela sonhadora colega. Quando os contornos da relação prometem evoluir, surge o contraponto de um inusitado triângulo amoroso: Ben, um rapaz rico e sofisticado que exerce um fascínio quase magnético em todos ao seu redor.

A partir desse momento, as tensões vão aumentando e o espaço antes ocupado por amizade e admiração vai sendo ocupado por frustração, desejo, manipulação e inveja, culminando em um acontecimento que irá mudar por completo os rumos do jovem casal.

Utilizando de metáforas e de uma profunda carga imagética, o diretor cria de forma lenta, mas pungente, um clima de crueldade velada e de terror, onde o telespectador precisa abrir mão de suas certezas e se apoiar em suposições e elementos esparsos que apontam para algo terrível, mas nunca evidenciado de forma concreta.

É através destas pequenas pistas e desconfianças que o jogo vai tomando forma e impelindo os protagonistas a um desfecho catártico e inevitável.

Sobre isso, o diretor comenta: “ao contrário de um thriller de mistério convencional, que permite aos espectadores juntar as peças de um quebra-cabeça, Em Chamas faz você questionar o próprio quebra cabeça”.

“Há certa raiva que todos experimentamos vivendo nessa era, especialmente jovens que se sentem pressionados sobre seu valor próprio num ambiente hiper competitivo. Nessa era pós-moderna tudo se tornou ultra sofisticado, conveniente e cool, mas abaixo da superfície há dor, conflitos de classe e pressão por competir”, acrescenta.

Com longos planos-sequência e explorando a luz natural e a câmera na mão, o filme passa uma aparência de realismo, compondo cenas de uma beleza cruel e convincente. Além disso, a interpretação do elenco é outro ponto positivo, conseguindo demarcar bem a personalidade e a angústia vivida pelos personagens.

Com uma atmosfera única e peculiar, Em Chamas é sem dúvida um filme capaz de perturbar, não tanto pelo que mostra, mas pelo poder do que sugere.

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Ficha técnica

• 버닝 : Beoning
• Título Literal : “Queimando”
• Título Internacional: Burning
• Direção : Lee Chang-dong
• Info: Coréia do Sul, 2018 Cor – 148 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt7282468/

Nota

8.0/10

8/10

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Conhecido por seus dramas familiares e histórias que envolvem aspectos do cotidiano, Koreeda se arrisca neste suspense de tribunal repleto de cinismo e mistério.

Acompanhamos o envolvimento crescente do advogado Shigemori (Fukuyama Masaharu) em um caso de assassinato, onde a estratégia é comutar a provável pena de morte de um réu confesso em prisão perpétua. Contudo, o que à primeira vista parecia apenas mais um caso para o renomado defensor se transforma em uma busca intensa e desesperada pela verdade e sua real importância dentro de um julgamento.

O acusado, Misumi (Yakusho Kôji), através de depoimentos falaciosos e de versões que se contradizem, passa a enredar uma trama complexa onde fatos e mentiras se entrelaçam num jogo intenso à procura de suas reais motivações.

Com um desenvolvimento lento que pouco a pouco vai apresentando novas evidências e possibilidades, O Terceiro Assassinato é intrigante não pela investigação em si, mas pela discussão que levanta acerca da culpa, do que representam as leis e daqueles que deveriam assegurar seu cumprimento.

Apesar de se aventurar por novas temáticas e estilos, o diretor resgata uma de suas mais icônicas construções: o conflito entre figuras paternas falhas e seus filhos e os reflexos que esses relacionamentos trazem para o desenvolvimento da trama.

Com interpretações intensas, principalmente do veterano Yakusho Kôji, os personagens são figuras dúbias e dissimuladas, cada um deles escondendo uma miríade de segredos, arrependimentos e traumas.

O Terceiro Assassinato é um quebra-cabeça sobre um crime que parece se recusar a ser resolvido, recusa esta que mina toda a objetividade e afugenta resoluções fáceis. Isso pode frustrar alguns espectadores, seja por se afastar da temática padrão do diretor, seja por não entregar a ação e a catarse aos fãs do gênero.

Apesar dessa ressalva, esta é uma obra que merece ser apreciada, tanto por sua complexidade como por sua estética, uma verdadeira pérola no mar de obviedades em que o cinema atual luta para não afundar.

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Ficha técnica

• 三度目の殺人 : Sandome no satsujin
• Título Literal : “O Terceiro Assassinato”
• Título Internacional: The Third Murder
• Direção : Koreeda Hirokazu
• Info: Japão, 2017 Cor – 124 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt6410564/

Nota

8.0/10

8/10

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Carregada de metáforas e também de alusões diretas à implacabilidade da natureza, A Balada de Narayama é uma obra que aborda de forma sensível, mas também mordaz, a dualidade entre o instinto e a racionalidade, os sentimentos e o dever, a vida e a morte.

Baseado no romance homônimo escrito por Fukazawa Shichirō em 1956, o filme dirigido por Imamura Shōhei estreou em 1983 e foi o ganhador da Palma de Ouro no festival de Cannes do mesmo ano. Esta é a segunda adaptação do livro levada ao cinema, sendo a primeira dirigida por Kinoshita Keisuke em 1958.

A trama gira em torno da tradição presente em um vilarejo isolado nas montanhas, onde os idosos, ao completarem 70 anos, são levados ao topo do monte Nara e deixados lá para morrer. Tal medida garantia que os mais novos pudessem se dedicar aos seus afazeres diários ao invés de gastarem seu tempo e energia cuidando de seus idosos e também atenuar a escassez de alimentos durante o período de inverno.

Aliás esta não era a única prática adotada pelos moradores para garantir a sobrevivência da comunidade, sendo o aborto, a venda de recém-nascidos e mesmo o assassinato atitudes aceitáveis e até encorajadas.

Dentro deste ambiente extremo, a todo o momento somos confrontados com imagens de animais caçando, copulando, matando e sendo devorados, uma forma que o diretor encontrou de nos lembrar que o instinto de sobrevivência está acima da moralidade, e que o homem afinal é também parte da natureza.

Neste enredo temos Orin, uma senhora de 69 anos que apesar de plenamente ativa e lúcida começa com os preparativos para deixar a vila rumo ao seu fatídico destino, contrariando seu filho mais velho, Tatsuhei (Ogata Ken), que não consegue aceitar o fato da mãe querer se entregar à morte de forma tão determinada e serena.

Interpretada por Sakamoto Sumiko, a velha matriarca simboliza a renovação e o fechamento de um ciclo, na medida em que ela age para que nenhum assunto fique pendente antes de sua partida, seja dentro de sua família como também na comunidade em que está inserida.

O contraste entre a ternura e a dedicação de Orin para com seus filhos e as ações sórdidas perpetradas por todos ao longo do filme chegam a causar desconforto e nos fazem refletir sobre os limites entre o bem e o mal. A conduta do homem é posta em cheque e o sexo e a fome são alçados às verdadeiras motrizes da sociedade.

Com um olhar único sobre aspectos tão delicados de nossa existência, A Balada de Narayama é um filme duro e belo que certamente não deixará nenhum espectador indiferente ao cair dos inesperados e tardios flocos de neve.

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Ficha técnica

• 楢山節考 : Narayama bushikô
• Título Literal : “A Balada de Narayama”
• Título Internacional: The Ballad of Narayama
• Direção : Imamura Shôhei
• Info: Japão, 1983 Cor – 130 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0084390/

Nota

7.0/10

7/10

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Lançado em 2014, Carvão Negro é um filme de crime e mistério que explora a dualidade humana e as consequências extremas de suas ações e escolhas.

Apesar de apresentar uma fotografia simples e pouco acentuada pela utilização de luzes e sombras, resgata de maneira peculiar muitos elementos marcantes do cinema noir das décadas de 40 e 50.

Com uma ambientação urbana que explora primordialmente os interiores, a obra cria um clima de desolação e decadência onde personagens falhos, imersos em seus dilemas e paixões, lutam para dar algum sentido às suas vidas.

Dentro dessa atmosfera de pessimismo, temos nosso protagonista, um ex-policial obstinado que passa a investigar de forma independente novas pistas de um assassinato não resolvido. Enfrentando problemas com a bebida e atormentado por seu passado, ele é um personagem consumido pelo fracasso que vê na nova onda de crimes uma chance de redenção.

Outro elemento da estética noir utilizado é a presença de uma femme fatale, que esconde muitos segredos e que acaba por se envolver com o protagonista. No filme ela é vivida pela auxiliar de uma lavanderia que de alguma forma está ligada a todas as mortes relacionadas ao caso.

A trama é conduzida num ritmo lento que tende a acentuar o clima de suspense e também valoriza o silencio dentro das cenas, obrigando o espectador a buscar nos olhares e gestos as pistas para se desvendar a real intenção dos personagens.

O roteiro entrega entre outras coisas uma crítica à brutalidade e à eficácia da policia chinesa e também à frieza das relações interpessoais, tema esse que encontra uma correspondência direta com o gelado inverno em que a história se passa.

Egoísmo, desejo, cinismo e solidão. Esta é uma obra onde o contraste entre o carvão e a neve serve para ilustrar toda a ambivalência dos envolvidos, mostrando que, ao fim do dia, não existem heróis nem vilões, apenas seres humanos.

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Ficha técnica

• 白日焰火 : Bai ri yan huo
• Título Literal : “Fogos de Artifício à Luz do Dia”
• Título Internacional: Black Coal, Thin Ice
• Direção : Diao Yinan
• Info: China 2014 Cor – 110 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt3469910/

Nota

7.0/10

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Baseado no mangá de mesmo nome escrito por Yamamoto Hideo, o filme nos transporta a um cenário frequentemente visitado pelo diretor Miike Takashi: a Yakuza.

Nesse longa, lealdade e violência são mostradas de forma extrema, grotesca e de certa maneira cartunesca, em situações que podem incomodar mesmo os fãs do gênero que não estejam habituados às excentricidades do diretor.

Apesar do título, o grande destaque dessa obra é Kakihara, vivido por Asano Tadanobu em uma interpretação pitoresca e com certeza memorável. O sadismo com que conduz suas ações e sua busca pessoal pelo sofrimento pleno dão o tom ao filme e fazem dele o centro das atenções. Alias, outra coisa que chama a atenção é o figurino do personagem.

A trama segue pautada na busca pelo paradeiro do chefe Anjo, causa de tanta brutalidade para se conseguir informações, e também pelas maquinações do manipulador Jijii(Tsukamoto Shinya), que é a mente por trás de Ichi e de todo o caos que assola os clãs Yakuza.

O filme é de alguma maneira reticente ao não mostrar as reais intenções de Jijii o que torna alguns trechos obscuros e sujeitos à livre interpretação do público. O uso de flash-backs também não serve para elucidar esses trechos, visto que, no filme, mesmo as memórias são passíveis de manipulação.

Contudo, numa obra como esta, o espectador não deve esperar por tudo mastigado, afinal, o cinema de Miike é assim: provocativo e bizarro.

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Ficha técnica

• 殺し屋1 : Koroshiya Ichi
• Título Literal : “Assassino 1”
• Título Internacional: Ichi, The Killer
• Direção : Miike Takashi
• Info: Japão, 2001 Cor – 129 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0296042/

Nota

7.0/10

7/10

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O diretor Zhang Yimou vem cada vez mais testando seus limites na maneira de trabalhar simbolismos, utilizar as cores e expressar emoções de maneira sinestésica, muitas vezes no limiar do excesso.

Com A Maldição da Flor Dourada ele atinge o ápice dessa experimentação, criando uma tragédia melodramática cuja estrutura, visual e temática, é tanto delirante quanto arrebatadora.

A obra adota um tom teatral onde intrigas palacianas são apresentadas em uma intrincada cadeia de eventos onde nenhum dos personagens apresentados saíra sem mácula. Relações incestuosas, amores proibidos, traições, a busca pelo poder e a rivalidade entre irmãos fazem parte do extenso conjunto de elementos encobertos por segredos e mortes em uma trama cujos interesses do imperador colidem de frente com a figura da imperatriz e suas aspirações, ao ponto de cada um conspirar para a destruição do outro.

Chow Yun-Fat entrega uma mescla de serenidade e crueldade à sua interpretação do imperador, criando uma aura de poder que envolve e sufoca a todos que o rodeiam. Já a imperatriz tem na interpretação de Gong Li uma força latente, misto de revolta e desejo aprisionados pelas obrigações de sua posição no palácio. Todo este peso depositado no casal de protagonistas encontra alegoricamente uma correspondência com suas vestimentas e adereços onde os espectadores quase conseguem sentir a carga sobre seus ombros nas cenas em que os extensos corredores são atravessados.

O elenco de apoio é responsável e seus papéis são convincentes, mas os verdadeiros trunfos do filme são a fotografia, a exuberante cenografia e os figurinos de época, todos muito bem elaborados e apoiados em cores quentes e vívidas. O interior do palácio é um ambiente quase onírico em sua variedade de cores e formas e as enormes quantidades de serviçais sincronizados em suas tarefas cotidianas contribuem com esta aura de surreal perfeição. Sobre as roupas utilizadas em cena, cada uma delas composta de 4 ou mais camadas caprichosamente sobrepostas, evocam a riqueza e o papel das tradições e ritos dentro da realeza.

Abraçando a tragédia e apoiando a história numa estética de deslumbramento visual, Zhang Yimou nos entrega mais uma obra prima neste drama pincelado de artes marciais, onde o brilho dourado do ouro só é ofuscado (em curtos momentos) pelo vermelho do sangue.

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Ficha técnica

• 满城尽带黄金甲 : Man cheng jin dai huang jin jia
• Título Literal : “A Cidade Inteira Está Vestida em uma Armadura Dourada”
• Título Internacional: The Curse of the Golden Flower
• Direção : Zhang Yimou
• Info: China, Hong Kong 2006 Cor – 111 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0473444/

Nota

8.0/10

8/10

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Filmado em preto e branco em uma estética que utiliza alto contraste entre luz e sombra, Rubber’s Lover explora em seus 91 minutos uma seleção de imagens grotescas, uma trilha sonora perturbadora, juntamente com atuações que beiram a insanidade e estabelecem o filme como um expoente dentro da temática cyberpunk japonesa.

Por si só, isso já deve afastar grande parte do público, mesmo aqueles afeitos à ficção científica e ao horror. Porém, para os amantes de cinema extremo e experimental, a obra se sobressai como um dos mais inventivos filmes do gênero.

O enredo, apesar de simples, levanta questões sobre os limites da ciência, da ética e da sociedade além de trazer algumas sequências particularmente crípticas, que acabam por contribuir com o clima de estranheza que permeia cada momento do longa. Na trama, cobaias humanas são submetidas a experimentos onde a angústia mental deve exceder a tolerância física, para que o cérebro manifeste um poder psíquico latente.

Alguns momentos evocam comparações com o clássico de Cronenberg, Scanners, mas Rubber’s Lover é construído de forma perturbadora e peculiar, principalmente na questão estética e sonora. Com cenas de estupro, tortura e sofrimento, o filme incomoda não só por ser gráfico demais nesses momentos, mas também pelos gritos e berros lancinantes que ecoam por quase toda a exibição.

Com mais pros do que contras, este é um filme essencial para aqueles que desejam conhecer mais desse sub-gênero japonês, onde o homem moderno é assolado pela frieza da sociedade, por um corporativismo opressor e por pesadelos de um mundo industrial e cibernético, em que, não raro, o próprio homem acaba por se transformar em algo pior do que seus sonhos mais obscuros.

Invariáveis comparações com Tetsuo – O Homem de Ferro, outro título de mesma temática,  são frequentes. Contudo a tão aclamada (ou deveria dizer fraca e mal elaborada?) obra de Tsukamoto Shinya não se compara à vibrante e aterradora gema extraída da mente de Fukui.

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Ficha técnica

• ラバーズ・ラヴァー : Rabaazu Ravaa
• Título Literal : “Amante de Borracha”
• Título Internacional: Rubber’s Lover
• Direção : Fukui Shozin
• Info: Japão, 1996 Preto e Branco – 91 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0227408/

Nota

7.0/10

7/10

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Batalha Real é a adaptação do livro de mesmo nome escrito por Takami Kôshun e publicado no Japão em Abril de 1999, um dos mais vendidos e controversos romances do país. O filme, que é um dos últimos dirigidos pelo lendário cineasta japonês Fukasaku Kinji, figura na lista das maiores bilheterias do cinema nipônico, mesmo com um enredo polêmico e repleto de violência.

A trama se passa em um futuro próximo, onde o governo impõem um ato extremo para conter a delinquência e descaso juvenil que passam a assolar as escolas: anualmente uma turma de estudantes é selecionada e levada para uma ilha, onde os jovens devem matar um ao outro em uma disputa brutal envolvendo armas de todos os tipos, com o objetivo de que apenas um permaneça vivo. Se ao fim do primeiro dia ninguém morrer, todos serão mortos e o teste acaba sem nenhum vencedor. Se três dias se passarem sem que haja apenas um sobrevivente, todos serão eliminados.

A ampla variedade de personalidades e a diversidade de tipos torna fácil a identificação do público com os alunos selecionados para o “jogo”, o que induz a uma reflexão mais intimista acerca das ações e consequências que são desencadeadas nesse cenário extremo. Muitos dos jovens, pressionados pelo terror psicológico e pelas atitudes dos colegas, deixam de lado seus princípios e partem para a mais básica forma de preservação da vida; a violência. No entanto, alguns deles conseguem manter sua humanidade, controlando seus impulsos bestiais e tentando pensar em maneiras de superar aquela situação desesperadora.

O filme traz uma crítica mordaz à sociedade atual, ao crescimento da violência e ao papel da escola e da família na educação dos jovens. Apesar do niilismo e da brutalidade, a obra aponta, mesmo que com certa timidez, que é possível manter a integridade em busca da sobrevivência e superação das adversidades.

Destaque para o “vídeo de boas-vindas” que apresenta as regras da disputa e para o papel de Kitano com suas tiradas cartunescas e seus tiques inconfundíveis.

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Ficha técnica

• バトルロワイアル : Batoru Rowaiaru
• Título Literal : “Batalha Real”
• Título Internacional: Battle Royale
• Direção : Fukasaku Kinji
• Info: Japão, 2000 Cor – 122 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0266308/

Nota

8.0/10

8/10

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Do mesmo diretor de Confissão de Assassinato (내가 살인범이다 Nae-ga sal-in-beom-i-da) de 2012, o coreano Byung-gil Jung volta com mais um thriller de ação repleto de cenas inventivas e uma trama cheia de reviravoltas que se apoia em um sem número de flashbacks para surpreender o espectador.

Com uma abertura empolgante, filmada sob o ponto de vista da protagonista (emulando aqui alguns videogames de gênero), já é possível perceber que A Vilã será um filme de ritmo frenético e violento em que as motivações por trás de cada morte só serão plenamente compreendidas ao longo das 2 horas dessa jornada de vingança.

O quebra-cabeça da tragetória de Sook-hee (Ok-bin Kim) vai sendo montado aos poucos e sua evolução como uma assassina altamente treinada e focada é crível dentro do mundo apresentado no filme.

Órfã e criada pela máfia, Sook-hee busca ao longo dos anos vingança pela morte brutal do pai. Já como adulta tem de lidar com a segurança e bem estar da própria filha enquanto é obrigada a executar missões por um período de 10 anos para uma associação onde mulheres são moldadas para se tornar assassinas infalíveis.

Tentando dosar a vida simples em família com suas obrigações sombrias a protagonista em certo ponto da trama acredita ter encontrado a felicidade e a redenção frente a seu conturbado passado, mas num filme com tantas surpresas, ninguém escapa ileso por muito tempo.

Apresentando cenas de ação excelentes, com destaque para a perseguição num ônibus no último ato do longa, A Vilã traz algumas das melhores sequências de embate produzidas nos últimos anos, apostando numa variedade de locações, armas e estilos de luta que com certeza irá agradar os fãs do gênero.

Apesar de o roteiro derrapar em determinados momentos e a falta de uma cronologia linear deixar a trama confusa em algumas partes, temos uma história que prende a atenção por intercalar em meio a seu ritmo frenético uma dose instigante de drama e mistério que tem nas boas atuações de seu elenco principal um suporte sólido e convincente.

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Ficha técnica

• 악녀: Aknyeo
• Título Literal : “Garota Má”
• Título Internacional: The Villainess
• Direção : Byung-gil Jung
• Info: Coréia do Sul, 2017 Cor – 129 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt6777338/

Nota

7.0/10

7/10

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Audition é um filme singular. Mesmo estando inserida numa filmografia tão variada quanto provocante como a de Miike Takashi, esta é uma obra interessante por apresentar uma forte dicotomia estrutural que abrange desde o desenvolvimento de sua trama como a representação e postura dos personagens.

Num primeiro momento o filme se apresenta como um drama tênue sobre um viúvo que após anos de uma vida solitária e devotada ao filho, resolve se casar novamente. Aoyama (Ishibashi Ryo) é mostrado como um homem distante cujos desejos e emoções foram reprimidos pela ausência da esposa ao longo do tempo. O próprio processo para se encontrar uma nova mulher é despretensioso e quase mecânico: uma falsa audição para um filme armada por seu amigo Yoshikawa, interpretado por Kunimura Jun, com o único intuito de se conseguir analisar várias pretendentes, não ao papel de atriz mas sim de esposa.

Desse processo emerge a doce e etérea figura de Asami (Shiina Eihi), uma meiga ex-bailarina que encanta e desperta Aoyama de sua letargia. Ele acredita, então, ter encontrado a resposta para seus anseios e ignora o número crescente de sinais que depõem contra a representação quase angelical da misteriosa garota. A partir desse ponto o filme vai crescendo de forma sombria e angustiante e atinge seu auge com Asami expondo suas cruéis e perturbadoras habilidades.

Apesar do tom onírico atribuído à segunda metade deste filme, Miike apresenta uma postura clara em seus comentários e entrevistas, indicando que o desfecho deve ser abordado de forma literal. Contudo, esse parece ser um dos casos onde as lacunas deixadas dão vida própria à obra o que permite uma série de interpretações (tão ou mais instigantes quanto as sugeridas).

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Ficha técnica

• オーディション : Ôdishon
• Título Literal : “Entrevista”
• Título Internacional: Audition
• Direção : Miike Takashi
• Info: Japão, 1999 Cor – 115 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0235198/

Nota

7.0/10

7/10

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Assistido em uma mostra de cinema oriental extremo na região central de São Paulo, definitivamente Gozu foi a grande sensação dentre os filmes exibidos, trazendo um misto de terror, violência e humor dentro de uma trama surreal que agradou (estarreceu?) o público presente.

A princípio, o filme apresenta o que seria mais uma obra sobre a Yakuza, mas logo o diretor Miike Takashi desvela suas reais intenções e confirma mais uma vez sua excentricidade filmográfica.

Na trama, um dos altos membros do grupo Azamawari, Ozaki, começa a dar mostras de loucura obsessiva. Preocupado com o que poderia acontecer, o chefe do grupo secretamente passa uma ordem a um de seus subordinados, Minami: conduzir Ozaki a um lixão em Nagoya e elimina-lo. Minami acata a missão, mas, interiormente, se encontra hesitante, pois nutri por Ozaki uma enorme gratidão e um sentimento fraternal já que este havia salvo sua vida tempos atrás.

Iniciada a viagem, um acontecimento fatídico muda todo o rumo da história e Minami começa então uma jornada em busca de seu Aniki (irmão) em meio a um mundo regido por uma realidade paralela e assombrado por personagens igualmente surreais.

Com forte influência da religião budista, grande parte das passagens do filme só são plenamente entendidas por aqueles que possuem um conhecimento de tal tradição, alias o próprio título do filme (Gozu) é o nome de uma entidade da mitologia Shinto que guarda a entrada do inferno budista.

A busca empreendida por Minami pode ser interpretada também como a busca por sua própria sexualidade. A cumplicidade e a admiração que nutria por Ozaki, aliadas à sua inexperiência e pureza fazem com que o filme seja um espelho dos sentimentos e descobertas do protagonista. Apesar de, em termos técnicos, não termos homossexualismo explicitado no filme, fica clara a intenção de Miike em explorar o tema.

Contudo, apesar das possíveis interpretações metafóricas e sexuais da obra, não devemos nos esquecer do que Ozaki (talvez incorporando o próprio Miike) nos diz no começo do filme: “Tudo o que irei dizer a partir de agora é uma piada”- um convite para assistir este incrível teatro do absurdo de forma descontraída e almejando no fim somente o riso (alias, não é a toa que o filme se encerra com um dos personagens do restaurante em meio a inebriante gargalhada – a homologação de uma piada, piada esta brilhantemente contada).

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Ficha técnica

• 極道恐怖大劇場: 牛頭: Gokudô kyôfu dai-gekijô: Gozu
• Título Literal : “Grande Teatro de Horror Yakuza: Gozu”
• Título Internacional: Gozu
• Direção : Miike Takashi
• Info: Japão, 2003 Cor – 130 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0361668/

Nota

8.0/10

8/10

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