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Dentre os inúmeros subgêneros presentes quando o assunto é cinema de horror, existe um que, invariavelmente, acaba sendo mais perturbador do que assustador: O found footage, ou aquele que simula gravações obtidas através de filmadoras, telefones celulares, fitas de segurança e afins.

Ao aproximar, nós espectadores, do cotidiano dos protagonistas e nos colocar como observadores de algo privado e muitas vezes proibido, esse estilo acaba por aumentar nossa imersão na trama ao mesmo tempo em que diminui nossa capacidade de descrença.

Depois de um enorme boom de filmes do gênero alguns anos atrás, o mercado ficou saturado de obras esquecíveis e de baixíssima qualidade. Justamente por isso é que me surpreendi positivamente ao assistir a nova aposta da Netflix, Marcas da Maldição.

Dirigido por Kevin Ko, o longa taiwanês segue a história de Li Ronan (Tsai Hsuan-yen) enquanto ela luta para proteger sua filha Dodo (Huang Sin-ting) de uma antiga maldição. Com uma atmosfera misteriosa e repleta de situações escabrosas, o filme entrega ainda ótimas performances de seu elenco e uma história que, apesar de previsível, é construída de forma descente e interessante.

Marcas da Maldição mescla de forma primorosa os entraves que uma mãe precisa enfrentar para recuperar a guarda de sua filha ao mesmo tempo em que se vê às voltas com um mal crescente à espreita. Embora o conflito inicial decorra de um encontro sobrenatural, é a necessidade de fornecer um lar estável em meio à turbulência pessoal que ancora o filme tematicamente.

Sobre o estilo de filmagem, o longa se utiliza de uma variedade de recursos para justificar os diferentes tipos de gravações, o que funciona em muitas situações, mas chega a cansar em outras, principalmente quando as explicações e as decisões tomadas pelos personagens não se sustentam.

Outro ponto que pode prejudicar a experiência do filme são as infinitas quebras na linha temporal, com a história ora se passando no passado, ora no presente o que acaba por esfriar o clima de tensão gerado em momentos cruciais da história.

Apesar disso, as ótimas atuações, em especial das atrizes que interpretam mãe e filha, conseguem sustentar bem a trama e fazer com que o filme avance. Outro ponto interessante que faz com que o filme se destaque, é a chamada à participação ativa do espectador, colocando-o como parte fundamental da narrativa enquanto é bombardeado por imagens inquietantes e grotescas.

Por fim, não podemos deixar de apontar a riquíssima iconografia religiosa que subverte o que conhecemos do budismo ao apresentar rituais e costumes tão bizarros quanto fascinantes.

Marcas da Maldição é bem sucedido em trazer um frescor a esse subgênero de terror já tão desgastado. Com uma atmosfera inquietante e perturbadora, esse é o tipo de filme que consegue deixar uma impressão duradoura em quem se atrever a pronunciar: HOU-HO-XIU-YI, SI-SEI-WU-MA …

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Ficha técnica

• 咒 : Zhou
• Título Literal : Maldição
• Título Internacional: Incantation
• Direção : Kevin Ko
• Info: Taiwan 2022 Cor – 110 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt18968540/

Nota

7.0/10

7/10

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Lançado no ano de 1964 e dirigido por Kobayashi Masaki, Kwaidan é aclamado pela crítica como uma das grandes obras clássicas do horror japonês, tanto por seu lirismo como pela sua estética.

Composto por quatro histórias independentes, esta antologia tem como material base alguns livros do escritor de origem grega Lafcadio Hearn, em especial a obra “Kwaidan: Histórias e Estudos sobre Coisas Estranhas”, lançado em 1904. Curioso destacar que Hearn se mudou para o Japão em 1890 como correspondente de um jornal e lá acabou se apaixonando não só pelo país como também pela filha de uma tradicional família de samurais com quem se casou. Após se naturalizar cidadão japonês, o escritor adota o nome Koizumi Yakumo e se dedica até o fim de sua vida a escrever sobre a cultura, as tradições e as peculiaridades da terra do sol nascente.

Os contos selecionados pelo diretor para integrar seu filme são: O Cabelo Negro (黒髪, Kurokami), que conta a trajetória de um samurai que abandona sua mulher em busca de fama e riqueza e que se arrepende anos depois; A Mulher da Neve (雪女, Yukionna), que trata do encontro de um lenhador com uma entidade sobrenatural durante uma nevasca e do poder de uma promessa; Hoichi, o Sem Orelhas (耳無し芳一の話, Miminashi Hōichi no Hanashi), sobre um monge cego que é convocado para entreter uma comitiva fantasmagórica cantando poemas sobre uma antiga batalha; e por fim Em uma Xícara de Chá (茶碗の中, Chawan no Naka), que descreve a estranha aparição de um rosto no reflexo de uma xícara e como isso pode conduzir um homem à loucura.

Apesar de serem histórias sem uma relação direta, todas trazem elementos sobrenaturais e de grande estranheza, elementos pertencentes a um mundo onde folclore e realidade se misturam e onde o fantástico está tão presente quanto em um conto de fadas.

Para criar um mundo tão belo quanto assustador, o diretor optou por gravar a maioria das cenas no interior de um hangar de aviões, reproduzindo céus, florestas e mares com cores fortes e vibrantes em cenários pintados com elementos surreais ao fundo, criando uma fotografia onírica e com pinceladas expressionistas, um complemento perfeito à temática do longa.

Com um tom lento e poético, a obra expõe pouco a pouco o interior de seus protagonistas, suas paixões, falhas e medos. A narrativa também se apoia no lirismo e no silêncio para preencher as mais de três horas de filme, ponto que pode incomodar alguns espectadores.

O filme foi lançado no Brasil como Kwaidan – As Quatro Faces do Medo, evidenciando, mais uma vez, a obsessão nacional por traduções e subtítulos que expliquem o conteúdo da obra.

Um fato curioso é que apesar de ter sido nomeado para o Oscar de melhor filme estrangeiro e de ter saído como ganhador do prêmio especial do júri em Cannes, a recepção por parte do público estrangeiro na época não foi das mais calorosas. A audiência esperava que um filme de horror japonês tivesse uma trama mais dinâmica e cheia de ação e efeitos especiais aos moldes de Godzilla, lançado em 1954.

Kwaidan é sem dúvida uma obra de arte em seu sentido mais literal, provocando nossos sentidos e nos levando à contemplação e à reflexão. Mais do que assustar, o filme nos conduz por uma experiência sensível e mágica pela cultura e folclore japonês.

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Ficha técnica

• 怪談: Kaidan
• Título Literal : Histórias de Fastasma
• Título Internacional: Kwaidan
• Direção : Kobayashi Masaki
• Info: Japão, 1964 Cor – 183 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0058279/

Nota

7.0/10

7/10

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No limiar entre a realidade e o mundo da fantasia, A Floresta é um intrigante drama que explora experiências universais da infância, assim como dilemas morais da vida adulta.

Escrito e dirigido por Paul Spurrier, cineasta britânico fluente em tailandês e o primeiro ocidental a fazer um filme nesta língua, A Floresta conta a história de Preecha, um professor novato que decide vivenciar a realidade fora dos muros de um templo após ter dedicado dez anos de sua existência como monge.

Acreditando no poder transformador da educação e do comprometimento, ele logo tem seus métodos e sonhos colocados à prova num ambiente estagnado e fadado a sucumbir devido à falência moral e econômica.

Acolhedor, Preecha tenta combater o bullying sofrido por Ja, garota aparentemente muda que é alvo de constantes ataques por parte de outras alunas. Seu esforço em instruir e levar as crianças a praticar o bem acaba entrando em conflito com os interesses do diretor e causando a ira do chefe comunitário, o que pode por fim à sua carreira. Ambos, professor e aluna, são figuras sensíveis que tentam lutar contra as adversidades que encontram pelo caminho, mas que sozinhos não parecem ter forças para prosseguir.

Nesse ponto, a trama passa a dar mais enfoque à rotina de Ja. Solitária e vivendo num local ermo junto ao pai pobre e alcoólatra, a garota não parece receber afeto de nenhuma das pessoas que cruzam seu caminho. A vida de Ja começa a mudar quando, ao pegar um atalho pelo interior da floresta, se depara com um menino intimidante e de hábitos selvagens. De início a intenção do garoto é afugentar Ja de seus domínios, mas com o tempo eles estabelecem uma relação de confiança e amizade que faz com que passem cada vez mais tempo juntos.

Vale a pena destacar aqui a atuação dos pequenos protagonistas, que conseguem transmitir suas emoções sem descambar para a caricatura.

Spurrier trabalha de forma alegórica e nos faz questionar a real existência do garoto e suas motivações num primeiro momento do filme. Utiliza também a beleza das locações e a força arrebatadora da natureza para criar um contraponto entre inocência, instinto, amor e morte.

A Floresta é um filme que nos faz refletir sobre o real peso de nossas ações e também levanta a questão do karma pela ótica do budismo. É uma obra que aborda de forma sensível a perda e o luto e que por fim abraça a inevitabilidade de acertos e erros como forma de seguir adiante.

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Ficha técnica

• ป่า : Pa
• Título Literal : “Floresta”
• Título Internacional: The Forest
• Direção : Paul Spurrier
• Info: Tailândia, 2016 Cor – 109 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt4982356/

Nota

7.0/10

7/10

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Neste longa, que é considerado por muitos como o primeiro filme gore da história da sétima arte, acompanhamos um conto moral de culpa e punição onde a passividade pode ser tão nociva quanto as más ações.

Na trama, Shiro, um estudante de teologia, envolve-se em um acidente de carro onde um homem é atropelado. Influenciado por seu companheiro Tamura, ambos fogem sem prestar socorro. Atormentado pela culpa, Shiro resolve procurar a polícia junto de sua noiva, mas repetindo sua sina, é assolado por novas tragédias. Angustiado, ele ruma para a casa de descanso onde sua debilitada mãe reside. Ali ele encontra um antro de iniquidades, repleto de infidelidade, excessos e corrupção.

O cenário só tende a piorar quando o malévolo Tamura surge revelando as falhas morais de todos. É nesse ponto que os pecados e desvios de conduta dos presentes acabam por, literalmente, condena-los ao inferno.

Tamura representa, de certa forma, a personificação do lado obscuro de Shiro, um duplo diabólico que de maneira inexplicável parece conhecer o íntimo de cada um dos personagens do filme, como se fosse um emissário sobrenatural, um arauto da danação.

A partir daqui o filme muda de tom e passa a se destacar das obras feitas até essa época, com uma fotografia inovadora e com representações extremamente gráficas das torturas e tormentos das massas que vagam pelos círculos infernais.

Nesse ambiente onde a agonia e o sofrimento atingem tanto a parte física quanto emocional dos personagens, o diretor utiliza de criatividade e maestria para criar cenas marcantes e perturbadoras. Vale observar com atenção como luz, cores e sombras foram empregadas para criar um ambiente surreal e estranhamente belo.

É curioso destacar que o diretor Nakagawa Nobuo não esperava que o filme fosse bem recebido pelo público, pois o estúdio Shintoho (新東宝株式会社 Shintoho kabushiki kaisha), responsável pelas filmagens, era também responsável por produções ruins e de baixo orçamento.

Jigoku foi um filme feito às pressas, e foi também a última produção do estúdio antes de declarar falência. Em um documentário disponível na edição lançada pela Criterion, o ator que interpreta Tamura, Numata Youichi, contou que, normalmente, apenas o pessoal de suporte era responsável pela montagem e manutenção dos sets, mas por se tratar da última produção do estúdio, houve comoção e comprometimento por parte de todos, inclusive de atores e figurantes, que também passaram a ajudar na montagem.

Talvez por isso o filme tenha sido tão inovador para a época, já que a falta de recursos fez com que o diretor usasse de toda sua habilidade e inventividade para compor este que hoje é considerado um clássico do terror japonês.

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Ficha técnica

• 地獄 : Jigoku
• Título Literal : “Inferno”
• Título Internacional: The Sinners of Hell
• Direção : Nakagawa Nobuo
• Info: Japão, 1960 Cor – 101 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0154683/

Nota

6.0/10

6/10

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Assistido em uma mostra de cinema oriental extremo na região central de São Paulo, definitivamente Gozu foi a grande sensação dentre os filmes exibidos, trazendo um misto de terror, violência e humor dentro de uma trama surreal que agradou (estarreceu?) o público presente.

A princípio, o filme apresenta o que seria mais uma obra sobre a Yakuza, mas logo o diretor Miike Takashi desvela suas reais intenções e confirma mais uma vez sua excentricidade filmográfica.

Na trama, um dos altos membros do grupo Azamawari, Ozaki, começa a dar mostras de loucura obsessiva. Preocupado com o que poderia acontecer, o chefe do grupo secretamente passa uma ordem a um de seus subordinados, Minami: conduzir Ozaki a um lixão em Nagoya e elimina-lo. Minami acata a missão, mas, interiormente, se encontra hesitante, pois nutri por Ozaki uma enorme gratidão e um sentimento fraternal já que este havia salvo sua vida tempos atrás.

Iniciada a viagem, um acontecimento fatídico muda todo o rumo da história e Minami começa então uma jornada em busca de seu Aniki (irmão) em meio a um mundo regido por uma realidade paralela e assombrado por personagens igualmente surreais.

Com forte influência da religião budista, grande parte das passagens do filme só são plenamente entendidas por aqueles que possuem um conhecimento de tal tradição, alias o próprio título do filme (Gozu) é o nome de uma entidade da mitologia Shinto que guarda a entrada do inferno budista.

A busca empreendida por Minami pode ser interpretada também como a busca por sua própria sexualidade. A cumplicidade e a admiração que nutria por Ozaki, aliadas à sua inexperiência e pureza fazem com que o filme seja um espelho dos sentimentos e descobertas do protagonista. Apesar de, em termos técnicos, não termos homossexualismo explicitado no filme, fica clara a intenção de Miike em explorar o tema.

Contudo, apesar das possíveis interpretações metafóricas e sexuais da obra, não devemos nos esquecer do que Ozaki (talvez incorporando o próprio Miike) nos diz no começo do filme: “Tudo o que irei dizer a partir de agora é uma piada”- um convite para assistir este incrível teatro do absurdo de forma descontraída e almejando no fim somente o riso (alias, não é a toa que o filme se encerra com um dos personagens do restaurante em meio a inebriante gargalhada – a homologação de uma piada, piada esta brilhantemente contada).

Trailer

Ficha técnica

• 極道恐怖大劇場: 牛頭: Gokudô kyôfu dai-gekijô: Gozu
• Título Literal : “Grande Teatro de Horror Yakuza: Gozu”
• Título Internacional: Gozu
• Direção : Miike Takashi
• Info: Japão, 2003 Cor – 130 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0361668/

Nota

8.0/10

8/10

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