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Após a atenção conquistada com o curta de mesmo nome lançado em 2014, Oh Lucy! é um longa que expande e aprofunda a história escrita e dirigida por Hirayanagi Atsuko.

Abordando de forma sensível o cotidiano de uma mulher solteira e de meia idade, infeliz com seu trabalho e com os rumos de sua vida, a obra se utiliza muito do humor para mostrar os absurdos de uma sociedade onde as pessoas estão se perdendo em meio à solidão e à frustração.

O peso existencial suportado pela protagonista, Setsuko, é momentaneamente retirado de suas costas quando ela entra em contato com o expansivo professor de inglês, John, e passa a experimentar uma gama de novos sentimentos e possibilidades, protegida pela fachada de seu alter ego, Lucy.

Esta nova faceta faz com que ela expanda seus horizontes e passe a correr atrás de seus sonhos, mesmo que estes agora estejam do outro lado do mundo.

Numa jornada de autoconhecimento e aceitação, barreiras serão rompidas e relações familiares e amorosas serão postas à prova.

É admirável a maneira como a diretora consegue balancear com suavidade os momentos cômicos com as situações onde emoções mais fortes e viscerais surgem durante o desenrolar da trama.

Aliás, apesar de se enquadrar como comédia, esta é uma obra trágica e complexa em seu desenvolvimento, onde um olhar mais detalhado pode revelar muito mais coisas do que uma simples peruca loira pode esconder.

Sobre as atuações, o destaque vai para a performance marcante de Terajima Shinobu, que consegue com naturalidade e de forma realista capturar a essência de Lucy, compondo uma personagem cuja aura de amargura e inocência somada a certa ingenuidade torna-se plausível aos nossos olhos.

O restante do elenco também desempenha um papel primoroso, seja nos momentos mais dramáticos como também naqueles mais lúdicos e leves.

Oh Lucy! é um filme que consegue de forma honesta abordar as conexões humanas mas sem uma visão demasiadamente romantizada da vida. Seu trunfo reside em mostrar diferenças e sentimentos complexos sem ser condescendente e muito menos se apegando a estereótipos.

Apesar dos erros causados por sua impulsividade e das decisões arbitrárias tomadas por Lucy, ela é essencialmente humana e, portanto, merecedora de empatia e de uma oportunidade de redenção. É uma mensagem clara de esperança num mundo carente de contato e amor.

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Ficha técnica

• オー・ルーシー! : Ō rūshī!
• Título Literal : “Oh Lucy!”
• Título Internacional: Oh Lucy!
• Direção : Hirayanagi Atsuko
• Info: Japão, 2017 Cor – 95 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt6343058/

Nota

8.0/10

8/10

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Contos da Lua Vaga é um romance histórico de fantasia que se passa no período Azuchi-Momoyama (1573-1600) onde o Japão, imerso no caos, passava por uma profunda transformação buscando a unificação política.

A guerra civil começava a ameaçar mesmo os pequenos vilarejos e à população aflita só restava fugir ou sucumbir ante as hordas de guerreiros famintos e cruéis.

Talvez um dos mais conhecidos filmes de Mizoguchi no ocidente, Contos da Lua Vaga é uma história de fantasmas e também um exemplo do gênero jidaigeki, que são os dramas de época japoneses. Além disso, é também o único exemplo em sua filmografia em que o sobrenatural tem papel central e age de forma direta sobre o destino dos protagonistas.

Explorando temas como cobiça, a busca pela glória, a diferença entre castas e a negligência familiar, o filme traça um retrato agridoce do período ao mesmo tempo em que funciona como uma propaganda anti guerra, tema ainda sensível ao Japão pós segunda guerra mundial.

Sobre a trama, temos Genjurô, um camponês que almeja fazer fortuna vendendo utensílios de cerâmica, e seu cunhado, Tôbei, que sonha se tornar um renomado samurai e alcançar a glória. Após uma primeira incursão bem sucedida, ambos decidem atravessar o lago Biwa e tentar a fortuna em um novo mercado, mesmo que suas famílias e a própria integridade estejam em risco.

Mizoguchi compôs a história de Genjurô baseando-se em dois contos presentes no livro Ugestu Monogatari escrito por Akinari Ueda. Já a saga de Tôbei tem seu cerne extraído de Décoré!, escrito por Guy de Maupassant.

Em ambos os casos, temos o peso das escolhas dos personagens afetando suas respectivas esposas e um amadurecimento causado pela falência de seus sonhos e ambições. Vale destacar que os pesares e desafios enfrentados pelas mulheres nesse período de guerra tornaram-se o tema mais proeminente dentro do longa, refletindo talvez um arrependimento do diretor em enaltecer o militarismo e as campanhas de guerra em seus filmes que antecederam a derrota japonesa em 1945.

Com relação à temática sobrenatural, Contos da Lua Vaga virou referência para inúmeras obras japonesas e mesmo ocidentais no gênero do horror ao abordar o relacionamento proibido entre vivos e espíritos, além de utilizar elementos da religião e da mitologia integrados ao cotidiano, mostrando a barreira entre os mundos como uma tênue linha que pode ser atravessada caso alguém se deixe levar pela cobiça ou pelo desejo.

Contos da Lua Vaga é um clássico entre as produções japonesas e um dos principais filmes de Mizoguchi, tendo ganho o Leão de Prata no Festival de Veneza de 1953 e sendo responsável por colocar o cinema nipônico em evidência ainda maior no ocidente.

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Ficha técnica

• 雨月物語: Ugetsu Monogatari
• Título Literal : Contos da Chuva e da Lua
• Título Internacional: Ugetsu
• Direção : Mizoguchi Kenji
• Info: Japão, 1953 Preto e Branco – 96 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0046478/

Nota

7.0/10

7/10

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Apostando em uma elegante composição de cena ao mesmo tempo em que mescla erotismo e segredo aos desvios e ambições de seus personagens, Park Chan-wook está de volta com um filme que celebra a ambiguidade, o desejo e o sentimento mais explorado pelo diretor sul coreano: a vingança.

A trama acompanha a tentativa de golpe de um falso conde e de sua comparsa, uma ladra apresentada como camareira a uma rica e jovem herdeira.

A melancólica herdeira de nome Hideko, interpretada de forma sensacional por Kim Min-he, vive com seu tio, o tirano Kouzuki (Cho Jin-woong), um colecionador de arte e negociante de livros raros com temática erótica.

Criada por seu tio desde a infância, Hideko foi isolada do mundo e tratada como uma simples marionete por seu sádico tutor, cuja intenção sempre fora se casar com ela para desfrutar da fortuna a que ela tinha direito.

É nesse contexto que aparece Fujiwara, o “conde” elegantemente interpretado por Ha Jung-woo, que habilmente começa a frequentar a casa do tio e se insinuar para Hideko. Para alcançar esse intuito ele apresenta à casa uma nova criada, Sook-hee (vivida por Kim Tae-ri) cuja tarefa é se tornar a confidente da jovem dama e facilitar o acesso a seu coração.

No entanto o plano pode estar ameaçado pela crescente intimidade entre Hideko e sua camareira.

Escrito em parceria com Jeong Seo-kyeong, a obra é inspirada no livro Fingersmith, da escritora galesa Sarah Walters, lançado em 2002 e que aborda um romance entre duas mulheres, cuja ambientação foi alterada da Londres da era vitoriana para a Coreia dos anos 30, sob ocupação japonesa.

Grande parte do fervor causado pelo filme em festivais e exibições, alias, é justificado pela temática erótica e pela interação sexual entre suas duas protagonistas, em cenas longas e repletas de closes que entregam o lado voyeurístico do diretor. Apesar disso, esses momentos não soam gratuitos dentro da história e são de uma plasticidade ímpar, nunca descambando para o mau gosto ou vulgaridade, apesar do teor quase explícito dos enquadramentos.

Park Chan-wook é um diretor virtuoso, cuja filmografia anterior é notória pelo emprego da violência e por apresentar personagens em situações limite geralmente motivados pela vingança. Em A Criada, esta violência é mais contida e sutil, apresentando-se de forma mais psicológica, apesar de algumas cenas onde somos confrontados com o lado obscuro e perverso de Kouzuki.

A Criada é um filme visualmente belíssimo em todos os seus aspectos, desde os figurinos e elementos cenográficos até a fotografia exuberante de Chung Chung-hoon. É também uma obra repleta de reviravoltas e suspense que prendem o espectador em seus 144 minutos de exibição.

Apesar das controvérsias, A Criada vem acumulando indicações e premiações pelo mundo e é mais uma recomendadíssima obra deste inventivo e corajoso diretor.

Ps. O título original, Agassi, é traduzido como senhorita ou dama e se refere à Hideko. Já o título internacional e também o brasileiro, A Criada, foca sua atenção na figura de Sook-hee.

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Ficha técnica

• 아가씨: Agassi
• Título Literal : “A Dama”
• Título Internacional: The Handmaiden
• Direção : Park Chan-wook
• Info: Coréia do Sul, 2016 Cor – 144 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt4016934/

Nota

8.0/10

8/10

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Um reino sensorial, primitivo, um reino onde o toque dos dedos se tornou tão aguçado e sensível que pode ser comparado às antenas dos insetos ou o bigode dos animais, como as formas mais simples de vida, sem olhos, capazes apenas de sentir.

Nesta obra o espectador é transportado para os domínios de um escultor cego, um ateliê subterrâneo que é a materialização de suas frustrações, sonhos e perversões. Neste local envolto pela escuridão em que uma nova forma de arte tátil está sendo criada, Michio (Funakoshi Eiji) decide aprisionar Aki (Midori Mako), modelo que será a peça fundamental para sua mais perfeita obra.

Obsessão, loucura, medo e submissão se fundem em uma relação em que os envolvidos vão adentrando pouco a pouco em locais cada vez mais sombrios de suas existências. A partir de certo ponto surge entre ambos uma relação doentia que permeia os campos da arte, da dor e do erotismo, desafiando os limiares do prazer e da morte.

A ambientação se destaca com seu cenário quase onírico e extremamente perturbador. Uma composição sombria que nos remete a uma caverna, ao útero primordial da humanidade, recheada por uma variedade de corpos e membros colossais dispostos como que num grande painel sensorial.

O filme é um drama de sofrimento e angustia, mas também de entrega e beleza. Beleza esta muito bem representada pela atriz Mako Midori neste clássico sem precedentes que une com perfeição o erotismo ao horror psicológico.

Uma curiosidade: Cega Obsessão foi baseado num conto de Edogawa Rampo, pai dos romances policiais e de mistério nipônicos entre os anos 1920 e 1960. Muitas de suas histórias eram recheadas de personagens obsessivos, desfigurados, atormentados por desvios sexuais e pela loucura, e por isso proibidas de circular no Japão durante a Segunda Guerra. Uma dessas histórias banidas foi “The Caterpillar” (芋虫 Imo Mushi), que ele havia publicado anos antes sem maiores problemas, e que no momento estava sendo reimpressa em uma compilação.  “The Caterpillar” é sobre um veterano de guerra que, tetraplégico e desfigurado, já não conseguia falar, se mover ou viver por si mesmo, tornando-se praticamente a lagarta humana que o título sugere. Censurada, a obra foi acusada de detratar e escarnecer dos esforços de guerra promovidos pelo Japão. (Esta pequena história serviu de inspiração para o diretor Wakamatsu Kōji para o seu filme Caterpillar (キャタピラー Kyatapirā) de 2010, que competiu pelo Urso de Ouro no 60° Festival internacional de Cinema de Berlim).

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Ficha técnica

• 盲獣: Môjû
• Título Literal : “Besta Cega”
• Título Internacional: Blind Beast
• Direção : Masumura Yasuzô
• Info: Japão, 1969 Cor – 86 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0140384/

Nota

7.0/10

7/10

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Em momentos de privação e desespero os instintos mais básicos do ser humano acabam por aflorar. Esse é o mote principal de Onibaba, uma obra que mostra as atitudes extremas de duas mulheres em meio à penúria de um período marcado por guerras e desolação. O longa mostra uma mulher e sua nora matando samurais feridos em guerra, que passavam pelos arredores da cabana onde moravam, para em seguida despojá-los de seus equipamentos e armas com o intuito de barganhar o espólio por comida e itens básicos de sobrevivência.

Tudo isso é mostrado sob uma ótica isenta de julgamento. O período onde a trama é ambientada impunha dificuldades extremas à população e sobreviver era por si só uma tarefa árdua. O isolamento e a miséria são reforçados pela bela fotografia em preto-e-branco e pela locação marcada pelos campos de ervas altas. A relação de ambas é guiada pela tradição, com uma postura subserviente por parte da nora. Ambas esperam o retorno de Kichi, mas em seus íntimos, mãe e esposa já perderam a esperança de que um dia ele retorne da guerra. O aparecimento do personagem de Kei Sato, traz a tona mais uma necessidade a ser saciada. A partir desse momento os ímpetos carnais passam a aflorar, potencializados pelas frustrações da mulher e pela solidão da jovem nora.

Onibaba é baseado em uma antiga fábula budista conhecida, em tradução livre, como “Uma máscara com carne assustou uma esposa”. A fábula conta a história de uma mulher que, enciumada de sua nora dotada de virtudes, passa a usar uma máscara horrenda com o intuito de assusta-la e impedi-la de ver seu amante. A mulher falha porque o amor de sua nora é superior ao medo que sente. Como punição, Buda faz com que a máscara grude permanentemente no rosto da mulher. Como na fábula, a jovem corre ao longo do campo para satisfazer seus desejos físicos, indiferente a tudo e resistindo a aparição da sogra em trajes demoníacos. Contudo, num mundo de miséria e violência, a saciedade dos instintos primários não deixa espaço para o amor. Ainda assim, o filme é revestido de uma aura de otimismo frente às adversidades humanas.

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Ficha técnica

• 鬼婆: Onibaba
• Título Literal : “Mulher-Demônio, Bruxa”
• Título Internacional: Onibaba
• Direção : Shindô Kaneto
• Info: Japão, 1964 Preto e Branco – 103 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0058430/

Nota

8.0/10

8/10

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