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Lançado no ano de 1964 e dirigido por Kobayashi Masaki, Kwaidan é aclamado pela crítica como uma das grandes obras clássicas do horror japonês, tanto por seu lirismo como pela sua estética.

Composto por quatro histórias independentes, esta antologia tem como material base alguns livros do escritor de origem grega Lafcadio Hearn, em especial a obra “Kwaidan: Histórias e Estudos sobre Coisas Estranhas”, lançado em 1904. Curioso destacar que Hearn se mudou para o Japão em 1890 como correspondente de um jornal e lá acabou se apaixonando não só pelo país como também pela filha de uma tradicional família de samurais com quem se casou. Após se naturalizar cidadão japonês, o escritor adota o nome Koizumi Yakumo e se dedica até o fim de sua vida a escrever sobre a cultura, as tradições e as peculiaridades da terra do sol nascente.

Os contos selecionados pelo diretor para integrar seu filme são: O Cabelo Negro (黒髪, Kurokami), que conta a trajetória de um samurai que abandona sua mulher em busca de fama e riqueza e que se arrepende anos depois; A Mulher da Neve (雪女, Yukionna), que trata do encontro de um lenhador com uma entidade sobrenatural durante uma nevasca e do poder de uma promessa; Hoichi, o Sem Orelhas (耳無し芳一の話, Miminashi Hōichi no Hanashi), sobre um monge cego que é convocado para entreter uma comitiva fantasmagórica cantando poemas sobre uma antiga batalha; e por fim Em uma Xícara de Chá (茶碗の中, Chawan no Naka), que descreve a estranha aparição de um rosto no reflexo de uma xícara e como isso pode conduzir um homem à loucura.

Apesar de serem histórias sem uma relação direta, todas trazem elementos sobrenaturais e de grande estranheza, elementos pertencentes a um mundo onde folclore e realidade se misturam e onde o fantástico está tão presente quanto em um conto de fadas.

Para criar um mundo tão belo quanto assustador, o diretor optou por gravar a maioria das cenas no interior de um hangar de aviões, reproduzindo céus, florestas e mares com cores fortes e vibrantes em cenários pintados com elementos surreais ao fundo, criando uma fotografia onírica e com pinceladas expressionistas, um complemento perfeito à temática do longa.

Com um tom lento e poético, a obra expõe pouco a pouco o interior de seus protagonistas, suas paixões, falhas e medos. A narrativa também se apoia no lirismo e no silêncio para preencher as mais de três horas de filme, ponto que pode incomodar alguns espectadores.

O filme foi lançado no Brasil como Kwaidan – As Quatro Faces do Medo, evidenciando, mais uma vez, a obsessão nacional por traduções e subtítulos que expliquem o conteúdo da obra.

Um fato curioso é que apesar de ter sido nomeado para o Oscar de melhor filme estrangeiro e de ter saído como ganhador do prêmio especial do júri em Cannes, a recepção por parte do público estrangeiro na época não foi das mais calorosas. A audiência esperava que um filme de horror japonês tivesse uma trama mais dinâmica e cheia de ação e efeitos especiais aos moldes de Godzilla, lançado em 1954.

Kwaidan é sem dúvida uma obra de arte em seu sentido mais literal, provocando nossos sentidos e nos levando à contemplação e à reflexão. Mais do que assustar, o filme nos conduz por uma experiência sensível e mágica pela cultura e folclore japonês.

Trailer

Ficha técnica

• 怪談: Kaidan
• Título Literal : Histórias de Fastasma
• Título Internacional: Kwaidan
• Direção : Kobayashi Masaki
• Info: Japão, 1964 Cor – 183 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0058279/

Nota

7.0/10

7/10

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Contos da Lua Vaga é um romance histórico de fantasia que se passa no período Azuchi-Momoyama (1573-1600) onde o Japão, imerso no caos, passava por uma profunda transformação buscando a unificação política.

A guerra civil começava a ameaçar mesmo os pequenos vilarejos e à população aflita só restava fugir ou sucumbir ante as hordas de guerreiros famintos e cruéis.

Talvez um dos mais conhecidos filmes de Mizoguchi no ocidente, Contos da Lua Vaga é uma história de fantasmas e também um exemplo do gênero jidaigeki, que são os dramas de época japoneses. Além disso, é também o único exemplo em sua filmografia em que o sobrenatural tem papel central e age de forma direta sobre o destino dos protagonistas.

Explorando temas como cobiça, a busca pela glória, a diferença entre castas e a negligência familiar, o filme traça um retrato agridoce do período ao mesmo tempo em que funciona como uma propaganda anti guerra, tema ainda sensível ao Japão pós segunda guerra mundial.

Sobre a trama, temos Genjurô, um camponês que almeja fazer fortuna vendendo utensílios de cerâmica, e seu cunhado, Tôbei, que sonha se tornar um renomado samurai e alcançar a glória. Após uma primeira incursão bem sucedida, ambos decidem atravessar o lago Biwa e tentar a fortuna em um novo mercado, mesmo que suas famílias e a própria integridade estejam em risco.

Mizoguchi compôs a história de Genjurô baseando-se em dois contos presentes no livro Ugestu Monogatari escrito por Akinari Ueda. Já a saga de Tôbei tem seu cerne extraído de Décoré!, escrito por Guy de Maupassant.

Em ambos os casos, temos o peso das escolhas dos personagens afetando suas respectivas esposas e um amadurecimento causado pela falência de seus sonhos e ambições. Vale destacar que os pesares e desafios enfrentados pelas mulheres nesse período de guerra tornaram-se o tema mais proeminente dentro do longa, refletindo talvez um arrependimento do diretor em enaltecer o militarismo e as campanhas de guerra em seus filmes que antecederam a derrota japonesa em 1945.

Com relação à temática sobrenatural, Contos da Lua Vaga virou referência para inúmeras obras japonesas e mesmo ocidentais no gênero do horror ao abordar o relacionamento proibido entre vivos e espíritos, além de utilizar elementos da religião e da mitologia integrados ao cotidiano, mostrando a barreira entre os mundos como uma tênue linha que pode ser atravessada caso alguém se deixe levar pela cobiça ou pelo desejo.

Contos da Lua Vaga é um clássico entre as produções japonesas e um dos principais filmes de Mizoguchi, tendo ganho o Leão de Prata no Festival de Veneza de 1953 e sendo responsável por colocar o cinema nipônico em evidência ainda maior no ocidente.

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Ficha técnica

• 雨月物語: Ugetsu Monogatari
• Título Literal : Contos da Chuva e da Lua
• Título Internacional: Ugetsu
• Direção : Mizoguchi Kenji
• Info: Japão, 1953 Preto e Branco – 96 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0046478/

Nota

7.0/10

7/10

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O diretor Zhang Yimou vem cada vez mais testando seus limites na maneira de trabalhar simbolismos, utilizar as cores e expressar emoções de maneira sinestésica, muitas vezes no limiar do excesso.

Com A Maldição da Flor Dourada ele atinge o ápice dessa experimentação, criando uma tragédia melodramática cuja estrutura, visual e temática, é tanto delirante quanto arrebatadora.

A obra adota um tom teatral onde intrigas palacianas são apresentadas em uma intrincada cadeia de eventos onde nenhum dos personagens apresentados saíra sem mácula. Relações incestuosas, amores proibidos, traições, a busca pelo poder e a rivalidade entre irmãos fazem parte do extenso conjunto de elementos encobertos por segredos e mortes em uma trama cujos interesses do imperador colidem de frente com a figura da imperatriz e suas aspirações, ao ponto de cada um conspirar para a destruição do outro.

Chow Yun-Fat entrega uma mescla de serenidade e crueldade à sua interpretação do imperador, criando uma aura de poder que envolve e sufoca a todos que o rodeiam. Já a imperatriz tem na interpretação de Gong Li uma força latente, misto de revolta e desejo aprisionados pelas obrigações de sua posição no palácio. Todo este peso depositado no casal de protagonistas encontra alegoricamente uma correspondência com suas vestimentas e adereços onde os espectadores quase conseguem sentir a carga sobre seus ombros nas cenas em que os extensos corredores são atravessados.

O elenco de apoio é responsável e seus papéis são convincentes, mas os verdadeiros trunfos do filme são a fotografia, a exuberante cenografia e os figurinos de época, todos muito bem elaborados e apoiados em cores quentes e vívidas. O interior do palácio é um ambiente quase onírico em sua variedade de cores e formas e as enormes quantidades de serviçais sincronizados em suas tarefas cotidianas contribuem com esta aura de surreal perfeição. Sobre as roupas utilizadas em cena, cada uma delas composta de 4 ou mais camadas caprichosamente sobrepostas, evocam a riqueza e o papel das tradições e ritos dentro da realeza.

Abraçando a tragédia e apoiando a história numa estética de deslumbramento visual, Zhang Yimou nos entrega mais uma obra prima neste drama pincelado de artes marciais, onde o brilho dourado do ouro só é ofuscado (em curtos momentos) pelo vermelho do sangue.

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Ficha técnica

• 满城尽带黄金甲 : Man cheng jin dai huang jin jia
• Título Literal : “A Cidade Inteira Está Vestida em uma Armadura Dourada”
• Título Internacional: The Curse of the Golden Flower
• Direção : Zhang Yimou
• Info: China, Hong Kong 2006 Cor – 111 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0473444/

Nota

8.0/10

8/10

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Do mesmo diretor de Confissão de Assassinato (내가 살인범이다 Nae-ga sal-in-beom-i-da) de 2012, o coreano Byung-gil Jung volta com mais um thriller de ação repleto de cenas inventivas e uma trama cheia de reviravoltas que se apoia em um sem número de flashbacks para surpreender o espectador.

Com uma abertura empolgante, filmada sob o ponto de vista da protagonista (emulando aqui alguns videogames de gênero), já é possível perceber que A Vilã será um filme de ritmo frenético e violento em que as motivações por trás de cada morte só serão plenamente compreendidas ao longo das 2 horas dessa jornada de vingança.

O quebra-cabeça da tragetória de Sook-hee (Ok-bin Kim) vai sendo montado aos poucos e sua evolução como uma assassina altamente treinada e focada é crível dentro do mundo apresentado no filme.

Órfã e criada pela máfia, Sook-hee busca ao longo dos anos vingança pela morte brutal do pai. Já como adulta tem de lidar com a segurança e bem estar da própria filha enquanto é obrigada a executar missões por um período de 10 anos para uma associação onde mulheres são moldadas para se tornar assassinas infalíveis.

Tentando dosar a vida simples em família com suas obrigações sombrias a protagonista em certo ponto da trama acredita ter encontrado a felicidade e a redenção frente a seu conturbado passado, mas num filme com tantas surpresas, ninguém escapa ileso por muito tempo.

Apresentando cenas de ação excelentes, com destaque para a perseguição num ônibus no último ato do longa, A Vilã traz algumas das melhores sequências de embate produzidas nos últimos anos, apostando numa variedade de locações, armas e estilos de luta que com certeza irá agradar os fãs do gênero.

Apesar de o roteiro derrapar em determinados momentos e a falta de uma cronologia linear deixar a trama confusa em algumas partes, temos uma história que prende a atenção por intercalar em meio a seu ritmo frenético uma dose instigante de drama e mistério que tem nas boas atuações de seu elenco principal um suporte sólido e convincente.

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Ficha técnica

• 악녀: Aknyeo
• Título Literal : “Garota Má”
• Título Internacional: The Villainess
• Direção : Byung-gil Jung
• Info: Coréia do Sul, 2017 Cor – 129 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt6777338/

Nota

7.0/10

7/10

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Buscando seguir a mesma linha explorada em alguns de seus filmes anteriores, o diretor Prachya Pinkaew aposta mais uma vez em lutas excepcionalmente coreografadas numa abordagem mais crua e realista dentro do gênero de artes marciais.

O filme trata da história de Zen (Yanin “Jeeja” Vismitananda), fruto de um relacionamento proibido entre uma das garotas do chefe da máfia tailandesa e um yakuza do alto escalão. Ainda pequenina Zen começa a apresentar traços de autismo que mais tarde compõem a figura de uma adolescente introvertida e reclusa em seu próprio universo, universo esse que é composto por seus filmes de artes marciais, balas de chocolate e pelos cuidados de sua mãe, Zin (Ammara Siripong) e do amigo de infância Moon(Taphon Phopwandee).

As peculiaridades de Zen, no entanto, não se fixam apenas nesse quadro, e logo descobrimos que a garota é dotada de reflexos sobre-humanos e uma capacidade surpreendente de aprender golpes dos mais variados estilos de luta apenas assistindo TV ou observando seus vizinhos treinando muay thai. Toda esta habilidade é posta à prova quando sua mãe, expulsa de sua facção e vivendo como mãe solteira, é diagnosticada com câncer e passa a precisar de grandes quantias em dinheiro para seu tratamento, o que conduz Zen e Moon numa jornada em meio ao crime organizado exigindo o pagamento das dívidas dos antigos credores de Zin.

Chocolate é um filme despretensioso e chega mesmo a ser relaxado em sua sub-trama romântica. O casal formado por Hiroshi Abe e Ammara Siripong não convence em momento algum, o que torna o banimento de ambos e toda a violência subseqüente algo deveras deslocado (para não dizer vazio). Uma trama mais bem elaborada evitaria que as crueldades e decisões do chefão não soassem como mera frivolidade caricata.

Dito isso, a trama principal segue de forma bem articulada e sincera, apoiada de forma sólida na habilidade e no carisma da dupla de amigos. As lutas são empolgantes e muito bem coreografadas e funcionam maravilhosamente bem na figura esguia e simpática de “Jeeja”.

O filme apresenta, sim, seus deslizes e exageros, mas sinceramente é uma obra recomendadíssima para os amantes do gênero de ação e artes marciais.

Vale lembrar também que, mesmo que de forma tímida, Chocolate possui uma mensagem de superação e aceitação onde o verdadeiro vilão a ser derrotado é o preconceito.

Ps. Não deixe de notar que num filme ambientado na Tailândia não poderia ficar de fora uma das joias de sua cultura: Transexuais (extravagantemente fatais)!

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Ficha técnica

• ช็อคโกแลต: Chokkolaet
• Título Literal : “Chocolate”
• Título Internacional: Chocolate
• Direção : Prachya Pinkaew
• Info: Tailândia, 2008 Cor – 110 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt1183252/

Nota

7.0/10

7/10

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Primeiro de uma trilogia de época adaptada dos livros do escritor Fujisawa Shuhei, O Samurai do Entardecer apresenta-se como uma obra introspectiva e poética, brilhantemente elaborada por Yamada Yoji. Indicado ao Oscar de melhor filme estrangeiro de 2004, o longa retrata a vida de Seibei Iguchi (Sanada Hiroyuki), um samurai de segundo escalão que, após a morte da mulher, assume os afazeres do lar além das obrigações inerentes de sua classe.

A figura de Seibei não é aquela geralmente retratada em filmes de samurais, e isto é um dos pontos fortes do filme. Apesar de ser pautado pelos ideais de honra e pela fidelidade ao seu clã, vemos aqui a figura de um homem sensível, preocupado com sua família e que se enternece com os pequenos momentos do cotidiano. É justamente por dar valor a essas coisas que, aos poucos, começa a se descuidar de sua aparência e de sua vida social.

O título “Samurai do Entardecer” reflete o hábito do protagonista de se dirigir para casa ao por do sol, tão logo o expediente de trabalho chegava ao fim. Faz alusão também ao fato de Seibei viver numa época de transformações, uma época onde a classe samurai começa a entrar em declínio e toda uma série de tradições atinge seu crepúsculo.

Yamada apresenta a figura de um guerreiro que passou a desempenhar serviços burocráticos, mais humano e menos estereotipado, cuja maior alegria é poder estar junto de suas filhas em casa. A história se estabelece como drama e valoriza a simplicidade ao fugir dos clichês de lutas sangrentas e batalhas coreografadas. Vale frisar que apesar do filme não priorizar a ação, as cenas de embate são profundas e realizadas com responsabilidade, o que acrescenta mais realismo à obra.

Ao contar a história de um guerreiro que escolhe a contemplação em detrimento da ação, o diretor não fez apenas um grande filme, como também um manifesto a favor de um cinema reflexivo. Lágrimas garantidas.

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Ficha técnica

• たそがれ清兵衛: Tasogare Seibei
• Título Literal : “Seibei do Entardecer”
• Título Internacional: The Twilight Samurai
• Direção : Yamada Yoji
• Info: Japão, 2002 Cor – 129 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0351817/

Nota

9.0/10

9/10

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