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Dentre os inúmeros subgêneros presentes quando o assunto é cinema de horror, existe um que, invariavelmente, acaba sendo mais perturbador do que assustador: O found footage, ou aquele que simula gravações obtidas através de filmadoras, telefones celulares, fitas de segurança e afins.

Ao aproximar, nós espectadores, do cotidiano dos protagonistas e nos colocar como observadores de algo privado e muitas vezes proibido, esse estilo acaba por aumentar nossa imersão na trama ao mesmo tempo em que diminui nossa capacidade de descrença.

Depois de um enorme boom de filmes do gênero alguns anos atrás, o mercado ficou saturado de obras esquecíveis e de baixíssima qualidade. Justamente por isso é que me surpreendi positivamente ao assistir a nova aposta da Netflix, Marcas da Maldição.

Dirigido por Kevin Ko, o longa taiwanês segue a história de Li Ronan (Tsai Hsuan-yen) enquanto ela luta para proteger sua filha Dodo (Huang Sin-ting) de uma antiga maldição. Com uma atmosfera misteriosa e repleta de situações escabrosas, o filme entrega ainda ótimas performances de seu elenco e uma história que, apesar de previsível, é construída de forma descente e interessante.

Marcas da Maldição mescla de forma primorosa os entraves que uma mãe precisa enfrentar para recuperar a guarda de sua filha ao mesmo tempo em que se vê às voltas com um mal crescente à espreita. Embora o conflito inicial decorra de um encontro sobrenatural, é a necessidade de fornecer um lar estável em meio à turbulência pessoal que ancora o filme tematicamente.

Sobre o estilo de filmagem, o longa se utiliza de uma variedade de recursos para justificar os diferentes tipos de gravações, o que funciona em muitas situações, mas chega a cansar em outras, principalmente quando as explicações e as decisões tomadas pelos personagens não se sustentam.

Outro ponto que pode prejudicar a experiência do filme são as infinitas quebras na linha temporal, com a história ora se passando no passado, ora no presente o que acaba por esfriar o clima de tensão gerado em momentos cruciais da história.

Apesar disso, as ótimas atuações, em especial das atrizes que interpretam mãe e filha, conseguem sustentar bem a trama e fazer com que o filme avance. Outro ponto interessante que faz com que o filme se destaque, é a chamada à participação ativa do espectador, colocando-o como parte fundamental da narrativa enquanto é bombardeado por imagens inquietantes e grotescas.

Por fim, não podemos deixar de apontar a riquíssima iconografia religiosa que subverte o que conhecemos do budismo ao apresentar rituais e costumes tão bizarros quanto fascinantes.

Marcas da Maldição é bem sucedido em trazer um frescor a esse subgênero de terror já tão desgastado. Com uma atmosfera inquietante e perturbadora, esse é o tipo de filme que consegue deixar uma impressão duradoura em quem se atrever a pronunciar: HOU-HO-XIU-YI, SI-SEI-WU-MA …

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Ficha técnica

• 咒 : Zhou
• Título Literal : Maldição
• Título Internacional: Incantation
• Direção : Kevin Ko
• Info: Taiwan 2022 Cor – 110 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt18968540/

Nota

7.0/10

7/10

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Dirigido por Takita Yôjirô, A Partida é um drama japonês que aborda uma questão tão natural quanto incômoda: a morte e também a maneira como lidamos com os mortos.

O filme acompanha Daigo, um violoncelista que fracassou em sua carreira de músico em Tóquio e que se vê obrigado a retornar para sua cidade natal em busca de uma vida melhor junto de sua esposa.

Inusitadamente, a procura por uma nova ocupação acaba transformando nosso protagonista no aprendiz de um nôkanshi – uma espécie de agente mortuário que, de forma ritualística e tradicional, prepara um corpo para seu funeral.

Livremente inspirado na biografia de Aoki Shinmon (Coffinman: O Diário de um agente mortuário budista – 納棺夫日記 Nōkanfu Nikki), o diretor explora em sua trama o preconceito enfrentado por um grupo de pessoas que tem de lidar com algo que é um enorme tabu no Japão, ainda hoje.

Taxados de intocáveis (部落民 Burakumin), profissionais que lidam com a morte sofrem com a discriminação e o ostracismo desde a era feudal japonesa, momento em que foram obrigados a viver em locais afastados do restante da população por serem considerados impuros.

Com um enredo poético e sensível, o longa mostra os desafios que Daigo terá de enfrentar, incluindo a rejeição de sua esposa, o afastamento dos amigos além de questões relacionadas à sua família e infância.

Além disso, o filme traz como contraponto um singelo convite à vida, mostrando que mesmo nas situações cotidianas cada pequeno momento pode ser desfrutado com plenitude e leveza.

A trilha sonora (toda orquestrada para violoncelo) também merece destaque, em especial nas partes em que se funde com a interpretação do protagonista, aumentando nosso vinculo e imersão em momentos de grande ternura e sensibilidade.

Sobre as atuações não há como deixar de citar a performance do veterano Yamazaki Tsutomu no papel do mestre de ofício, Sasaki: uma mistura de indiferença e solenidade com leves toques de humor que faz dele um dos personagens mais carismáticos da trama.

Alias é através de personagens cativantes e muito bom humor que A Partida consegue mostrar de maneira respeitosa e humana algo normalmente evitado e pouco discutido. Uma obra emocionante que certamente leva os espectadores a uma delicada reflexão.

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Ficha técnica

• おくりびと : Okuribito
• Título Literal : “Aquele que acompanha a partida/funeral”
• Título Internacional: Departures
• Direção : Takita Yôjirô
• Info: Japão, 2008 Cor – 130 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt1069238/

Nota

9.0/10

9/10

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Com diálogos dinâmicos e repletos de sarcasmo, aliados a uma estética de exageros, Querido Ex aposta na comédia para entregar um drama familiar com contornos sociais.

De um lado temos a explosiva e barulhenta Liu Sanlian, que tenta entender os motivos pelos quais seu falecido marido se envolveu com outro homem. Do outro, o extravagante e inconsequente Jay, amante de seu ex e futuro beneficiário de seu seguro de vida. No meio do caos temos Chengxi, um menino introvertido e silencioso que busca assimilar a morte do pai e que acaba se aproximando (para o desespero de sua mãe) de Jay.

A dinâmica do trio de protagonistas é pautada pelo tom cômico, tom este que é reafirmado pelas interpretações cartunescas, pelo nonsense de algumas situações e também pela sobreposição de animações sobre as cenas, o que diverte, mas pode causar certo estranhamento.

A trama não é complexa, mas ainda assim bem construída, o que garante algumas surpresas e reviravoltas, justamente nos momentos mais sensíveis e tristes do longa. Isto também se reflete nos personagens, que apesar de num primeiro momento se mostrarem como meras caricaturas de seus papéis na sociedade, ganham contornos mais sólidos e a empatia do público quando o desfecho se aproxima. Passado todo o ruído, surge uma tocante experiência que fala sobre aceitação, amor e sacrifício.

Por vezes absurdo, divertido e melancólico, Querido Ex explora a complexidade na vida de três pessoas que tem de lidar com o luto, seus sonhos e novas definições de amor para seguir em frente.

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Ficha técnica

• 誰先愛上他的 : Shei xian ai shang ta de
• Título Literal : “Quem se apaixonou por ele primeiro?”
• Título Internacional: Dear Ex
• Direção : Hsu Chih-Yen
• Info: Taiwan 2018 Cor – 100 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt8443704/

Nota

8.0/10

8/10

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Carregada de metáforas e também de alusões diretas à implacabilidade da natureza, A Balada de Narayama é uma obra que aborda de forma sensível, mas também mordaz, a dualidade entre o instinto e a racionalidade, os sentimentos e o dever, a vida e a morte.

Baseado no romance homônimo escrito por Fukazawa Shichirō em 1956, o filme dirigido por Imamura Shōhei estreou em 1983 e foi o ganhador da Palma de Ouro no festival de Cannes do mesmo ano. Esta é a segunda adaptação do livro levada ao cinema, sendo a primeira dirigida por Kinoshita Keisuke em 1958.

A trama gira em torno da tradição presente em um vilarejo isolado nas montanhas, onde os idosos, ao completarem 70 anos, são levados ao topo do monte Nara e deixados lá para morrer. Tal medida garantia que os mais novos pudessem se dedicar aos seus afazeres diários ao invés de gastarem seu tempo e energia cuidando de seus idosos e também atenuar a escassez de alimentos durante o período de inverno.

Aliás esta não era a única prática adotada pelos moradores para garantir a sobrevivência da comunidade, sendo o aborto, a venda de recém-nascidos e mesmo o assassinato atitudes aceitáveis e até encorajadas.

Dentro deste ambiente extremo, a todo o momento somos confrontados com imagens de animais caçando, copulando, matando e sendo devorados, uma forma que o diretor encontrou de nos lembrar que o instinto de sobrevivência está acima da moralidade, e que o homem afinal é também parte da natureza.

Neste enredo temos Orin, uma senhora de 69 anos que apesar de plenamente ativa e lúcida começa com os preparativos para deixar a vila rumo ao seu fatídico destino, contrariando seu filho mais velho, Tatsuhei (Ogata Ken), que não consegue aceitar o fato da mãe querer se entregar à morte de forma tão determinada e serena.

Interpretada por Sakamoto Sumiko, a velha matriarca simboliza a renovação e o fechamento de um ciclo, na medida em que ela age para que nenhum assunto fique pendente antes de sua partida, seja dentro de sua família como também na comunidade em que está inserida.

O contraste entre a ternura e a dedicação de Orin para com seus filhos e as ações sórdidas perpetradas por todos ao longo do filme chegam a causar desconforto e nos fazem refletir sobre os limites entre o bem e o mal. A conduta do homem é posta em cheque e o sexo e a fome são alçados às verdadeiras motrizes da sociedade.

Com um olhar único sobre aspectos tão delicados de nossa existência, A Balada de Narayama é um filme duro e belo que certamente não deixará nenhum espectador indiferente ao cair dos inesperados e tardios flocos de neve.

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Ficha técnica

• 楢山節考 : Narayama bushikô
• Título Literal : “A Balada de Narayama”
• Título Internacional: The Ballad of Narayama
• Direção : Imamura Shôhei
• Info: Japão, 1983 Cor – 130 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0084390/

Nota

7.0/10

7/10

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Koreeda é um diretor que trabalha com maestria os aspectos simples do cotidiano e das relações pessoais, sempre com um tom de certa melancolia, mas também de esperança.

Em Depois da Tempestade essa fórmula é seguida à risca, criando um filme de extrema leveza e poesia, onde o espectador é posto a refletir sobre certos aspectos de sua vida, sobre o papel da família e também da importância de um legado para as gerações futuras.

É uma obra que apresenta a sabedoria e a complacência de quem já viveu muitos anos, os percalços e dificuldades da vida adulta e também os sonhos e a inocência das crianças. Ao combinar os desafios e alegrias de três gerações, o filme abre uma oportunidade ímpar de reflexão e envolvimento, feita de maneira singular e bela.

Temos a figura de um pai displicente e pouco engajado na criação de seu filho, lutando pelo reconhecimento profissional e vivendo à sombra da publicação de seu primeiro e único romance, tempos atrás, como escritor.

Sua ex-mulher, que representa a parte sensata e determinada do casal, é a responsável direta pela criação e educação de seu filho, e que opta por seguir em frente com sua vida pessoal apesar de seus sentimentos e de certa nostalgia romântica.

Sobre o menino, ele projeta no pai a figura de um herói, mas percebe que apesar do amor que um sente pelo outro, sua mãe tem plena razão nas escolhas que fez para ambos.

E por fim, a idosa matriarca da família, que com a recente morte do marido, tenta levar a vida de forma serena, buscando nas atividades de seu condomínio e na relação amistosa com os outros moradores uma maneira de continuar aprendendo e se maravilhando com a poesia encoberta pelo passar dos dias.

Com sua lucidez e tranquilidade, ela é o ponto de união entre todos desta trama e quem mais se preocupa com o destino de cada um dos membros da família. É através de seus conselhos, pequenas tiradas e lembranças que os personagens são postos a refletir.

Esta é uma obra que de forma singela mostra o poder e a importância de certos laços, e que aborda com ternura as angústias e dilemas que surgem com as mudanças culturais no Japão, as dinâmicas entre gerações e as reformulações dos costumes.

A tempestade que se aproxima e que só mostra sua força nos momentos finais do filme, nada mais é do que uma metáfora dos desafios e problemas que todos passam em algum momento de suas jornadas. A lição é simples, mas eficaz: Algumas coisas são levadas pelos fortes ventos e não podem ser recuperadas, outras são destruídas, mas passíveis de reconstrução ou de aperfeiçoamento, nada permanece igual após sua passagem, mas dias claros sempre surgem após a tormenta.

Assim é o mundo. Assim é a vida.

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Ficha técnica

• 海よりもまだ深く : Umi yori mo mada fukaku
• Título Literal : “Mais Profundo que o Mar”
• Título Internacional: After the Storm
• Direção : Koreeda Hirokazu
• Info: Japão, 2016 Cor – 118 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt5294966/

Nota

8.0/10

8/10

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Inspirado em encontros denominados “death cafés”, reuniões que tiveram origem na França e no Reino Unido, o evento, que ocorre sempre numa terça-feira de cada mês, consiste na exibição de um filme que tenha a morte como assunto principal seguida de um papo aberto com a plateia. Motivados pelo filme apresentado, todos os espectadores podem trocar experiências pessoais sobre a perda de entes queridos, com mediação da Dra. Ana Claudia Quintana Arantes, médica formada pela USP e pós-graduada em Intervenções em Luto pelo Instituto 4 Estações de Psicologia, autora do livro “A Morte é Um Dia que Vale a Pena Viver”. Ao lado da Dra. Ana Claudia, o evento tem a participação efetiva do consultor Tom Almeida, especializado em desenvolvimento humano, que, baseado em fatos transformadores em sua própria vida, contribui para que o tema possa fluir com a devida naturalidade.

Assim como os “death cafés”, o Cineclube da Morte nasceu com o intuito de ajudar as pessoas a compreenderem e aceitarem de forma menos dolorosa o inevitável e muitas vezes imprevisível fim da vida. Àqueles que ainda têm algum receio com o assunto, vale dizer que esta iniciativa vem despertando em seus frequentadores “insights” capazes de mudar definitivamente o conceito apenas negativo que, em geral, costuma-se ter da morte.

Mais informações podem ser encontradas no site do Belas Artes.

Serviço

• Cineclube da Morte
• Filme: A Balada de Narayama
• Quando : 10 de abril de 2018
• Ingressos: R$22 inteira | R$11 meia
• Contato: (11) 2894 5781
• Onde:  Caixa Belas Artes
• Endereço: R. da Consolação, 2423 – Consolação – São Paulo/SP
• Site: www.caixabelasartes.com.br

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Filmes de zumbi atravessam ciclos de popularidade, mas este subgênero nunca deixou seus fãs carentes de novos títulos. E talvez, por já terem sido explorados à exaustão, os roteiros que abordam essa temática já não sejam capazes de surpreender o público com tanta facilidade.

Não é o caso de Invasão Zumbi que, apostando numa ambientação claustrofóbica e angustiante, consegue ao mesmo tempo impor um ritmo dinâmico com boas doses de ação e drama.

A trama é centrada em um administrador de investimentos divorciado cuja atenção é totalmente voltada para a própria carreira, o que acaba por deixar sua filha pequena em segundo plano. Para tentar corrigir essa situação, ele decide na véspera do aniversário da garota levá-la para visitar a mãe em outra cidade.

Ambos embarcam então num trem com destino à Busan, sem saber que uma epidemia começava a eclodir pelo país. A descoberta do que realmente está acontecendo só fica clara quando o caos já está instaurado nos vagões devido ao embarque de uma passageira infectada. A partir daí, todos devem lutar por suas vidas enquanto o trem busca uma parada segura e o número de zumbis aumenta.

Sobre os zumbis, alias, não há muito que comentar, mas é sempre bom ver diretores que buscam dar um novo enfoque à mitologia desses seres. Aqui os mortos-vivos não possuem aquela clássica lentidão e apatia, ao invés disso são seres selvagens e frenéticos totalmente focados em suas vítimas e guiados pelo estímulo visual.

Essa escolha rende excelentes cenas de perseguição quando a ação parte para os espaços abertos e confere uma enorme tensão no interior dos vagões.

Além de pai e filha, temos outros personagens de destaque no filme, e a atenção e o foco narrativo são bem distribuídos entre cada um dos núcleos. Abraçando figuras estereotipadas, como por exemplo, o empresário ganancioso, o esportista, e o cara durão com um bom coração, essas características servem bem à trama e fazem com que a identificação com os personagens seja eficiente dentro de uma estrutura que carece de tempo para maior desenvolvimento de seus protagonistas.

E graças a essa empatia gerada, o filme consegue se sustentar nos momentos de drama explorando situações comoventes de perda e até de certa poesia. Muito mais que um mero terror, é um filme capaz de emocionar e de fazer os espectadores refletirem sobre quem são os verdadeiros monstros da história.

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Ficha técnica

• 부산행 : Busanhaeng
• Título Literal : “Para Busan”
• Título Internacional: Train to Busan
• Direção : Yeon Sang-ho
• Info: Coréia do Sul, 2016 Cor – 118 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt5700672/

Nota

8.0/10

8/10

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No limiar entre a realidade e o mundo da fantasia, A Floresta é um intrigante drama que explora experiências universais da infância, assim como dilemas morais da vida adulta.

Escrito e dirigido por Paul Spurrier, cineasta britânico fluente em tailandês e o primeiro ocidental a fazer um filme nesta língua, A Floresta conta a história de Preecha, um professor novato que decide vivenciar a realidade fora dos muros de um templo após ter dedicado dez anos de sua existência como monge.

Acreditando no poder transformador da educação e do comprometimento, ele logo tem seus métodos e sonhos colocados à prova num ambiente estagnado e fadado a sucumbir devido à falência moral e econômica.

Acolhedor, Preecha tenta combater o bullying sofrido por Ja, garota aparentemente muda que é alvo de constantes ataques por parte de outras alunas. Seu esforço em instruir e levar as crianças a praticar o bem acaba entrando em conflito com os interesses do diretor e causando a ira do chefe comunitário, o que pode por fim à sua carreira. Ambos, professor e aluna, são figuras sensíveis que tentam lutar contra as adversidades que encontram pelo caminho, mas que sozinhos não parecem ter forças para prosseguir.

Nesse ponto, a trama passa a dar mais enfoque à rotina de Ja. Solitária e vivendo num local ermo junto ao pai pobre e alcoólatra, a garota não parece receber afeto de nenhuma das pessoas que cruzam seu caminho. A vida de Ja começa a mudar quando, ao pegar um atalho pelo interior da floresta, se depara com um menino intimidante e de hábitos selvagens. De início a intenção do garoto é afugentar Ja de seus domínios, mas com o tempo eles estabelecem uma relação de confiança e amizade que faz com que passem cada vez mais tempo juntos.

Vale a pena destacar aqui a atuação dos pequenos protagonistas, que conseguem transmitir suas emoções sem descambar para a caricatura.

Spurrier trabalha de forma alegórica e nos faz questionar a real existência do garoto e suas motivações num primeiro momento do filme. Utiliza também a beleza das locações e a força arrebatadora da natureza para criar um contraponto entre inocência, instinto, amor e morte.

A Floresta é um filme que nos faz refletir sobre o real peso de nossas ações e também levanta a questão do karma pela ótica do budismo. É uma obra que aborda de forma sensível a perda e o luto e que por fim abraça a inevitabilidade de acertos e erros como forma de seguir adiante.

Trailer

Ficha técnica

• ป่า : Pa
• Título Literal : “Floresta”
• Título Internacional: The Forest
• Direção : Paul Spurrier
• Info: Tailândia, 2016 Cor – 109 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt4982356/

Nota

7.0/10

7/10

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Neste longa, que é considerado por muitos como o primeiro filme gore da história da sétima arte, acompanhamos um conto moral de culpa e punição onde a passividade pode ser tão nociva quanto as más ações.

Na trama, Shiro, um estudante de teologia, envolve-se em um acidente de carro onde um homem é atropelado. Influenciado por seu companheiro Tamura, ambos fogem sem prestar socorro. Atormentado pela culpa, Shiro resolve procurar a polícia junto de sua noiva, mas repetindo sua sina, é assolado por novas tragédias. Angustiado, ele ruma para a casa de descanso onde sua debilitada mãe reside. Ali ele encontra um antro de iniquidades, repleto de infidelidade, excessos e corrupção.

O cenário só tende a piorar quando o malévolo Tamura surge revelando as falhas morais de todos. É nesse ponto que os pecados e desvios de conduta dos presentes acabam por, literalmente, condena-los ao inferno.

Tamura representa, de certa forma, a personificação do lado obscuro de Shiro, um duplo diabólico que de maneira inexplicável parece conhecer o íntimo de cada um dos personagens do filme, como se fosse um emissário sobrenatural, um arauto da danação.

A partir daqui o filme muda de tom e passa a se destacar das obras feitas até essa época, com uma fotografia inovadora e com representações extremamente gráficas das torturas e tormentos das massas que vagam pelos círculos infernais.

Nesse ambiente onde a agonia e o sofrimento atingem tanto a parte física quanto emocional dos personagens, o diretor utiliza de criatividade e maestria para criar cenas marcantes e perturbadoras. Vale observar com atenção como luz, cores e sombras foram empregadas para criar um ambiente surreal e estranhamente belo.

É curioso destacar que o diretor Nakagawa Nobuo não esperava que o filme fosse bem recebido pelo público, pois o estúdio Shintoho (新東宝株式会社 Shintoho kabushiki kaisha), responsável pelas filmagens, era também responsável por produções ruins e de baixo orçamento.

Jigoku foi um filme feito às pressas, e foi também a última produção do estúdio antes de declarar falência. Em um documentário disponível na edição lançada pela Criterion, o ator que interpreta Tamura, Numata Youichi, contou que, normalmente, apenas o pessoal de suporte era responsável pela montagem e manutenção dos sets, mas por se tratar da última produção do estúdio, houve comoção e comprometimento por parte de todos, inclusive de atores e figurantes, que também passaram a ajudar na montagem.

Talvez por isso o filme tenha sido tão inovador para a época, já que a falta de recursos fez com que o diretor usasse de toda sua habilidade e inventividade para compor este que hoje é considerado um clássico do terror japonês.

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Ficha técnica

• 地獄 : Jigoku
• Título Literal : “Inferno”
• Título Internacional: The Sinners of Hell
• Direção : Nakagawa Nobuo
• Info: Japão, 1960 Cor – 101 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0154683/

Nota

6.0/10

6/10

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