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Com a promessa de que poderia repetir os incríveis feitos de Parasita no Oscar, Drive My Car foi a aposta do Japão para a cerimônia de 2022, onde acabou levando apenas a estatueta de melhor filme estrangeiro dentre as quatro categorias disputadas.

Baseado em um conto escrito por Haruki Murakami, o filme explora de maneira intimista a vida de um diretor e ator de teatro e a relação de cumplicidade e apego que ele desenvolveu com sua esposa. Na trama, todos os personagens possuem questões internas e sentimentos reprimidos que aos poucos vão emergindo enquanto uma adaptação da peça Tio Vanya, do dramaturgo Anton Tchécov, vai tomando forma.

Dirigido por Hamaguchi Ryusuke, o filme aborda temas tão cotidianos como delicados como o luto, a traição e a obsessão, além de nos chamar à reflexão sobre quando e como deixar certos aspectos de nossas vidas para trás e seguir adiante.

Com duração de aproximadamente três horas, Drive My Car aproveita cada minuto desta longa exposição para criar uma atmosfera que funde amor, perda e rancor em igual medida, o que torna a experiência do espectador um tanto quanto pesada, mas nunca monótona. Talvez o corte final do filme pudesse ter sido encurtado, mas neste caso o impacto gerado provavelmente não seria o mesmo.

Neste sentido, o tempo é um elemento essencial para a trama pois ajuda a construir um panorama mais profundo de cada um dos envolvidos além de evidenciar como traumas e desejos podem perdurar e mesmo assombrar a vida dos protagonistas ao longo dos anos.

Sobre as atuações (contidas mas eficazes), um ponto curioso merece ser destacado: a babel linguística criada por atores de diferentes nacionalidades, cada um interpretando seu papel em sua língua natal dentro do contexto da peça de teatro. Um recurso a princípio bizarro, mas que demonstra como a entrega entre os atores pode superar mesmo a barreira do entendimento.

Vale enaltecer aqui a incrível atuação de Park Yu-rim no papel de Lee Yoon-a, que apesar de se comunicar apenas através da língua de sinais coreana consegue, através de sua interpretação e sensibilidade, ser a personagem mais expressiva da trama.

Com uma narrativa ao mesmo tempo simples e poderosa, Drive My Car é uma obra contemplativa e profunda sobre a culpa, mas sobretudo sobre o amor e sobre o poder transformador da empatia.

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Ficha técnica

• ドライブ・マイ・カー : Doraibu mai kā
• Título Literal : “Dirija meu carro”
• Título Internacional: Drive My Car
• Direção : Hamaguchi Ryusuke
• Info: Japão, 2021 Cor – 179 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt14039582/

Nota

7.0/10

7/10

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Diretamente da Indonésia, A Noite nos Persegue é um thriller de ação escrito e dirigido por Timo Tjahjanto, diretor que vem desenvolvendo de maneira consistente sua carreira dentro deste nicho do cinema, além de inúmeras incursões pelo terror.

Abraçada pela Netflix, a produção se destaca no catálogo da empresa de streaming dentro de um estilo frenético e violento que certamente irá agradar aos fãs do gênero.

No longa, acompanhamos a história de Ito (Joe Taslim), um dos “seis mares” responsáveis por manter a ordem e o funcionamento das atividades de uma organização mafiosa chinesa. Sua jornada de violência e redenção tem início quando ele resolve poupar a vida de uma garotinha durante o massacre de um vilarejo, virando-se contra seus companheiros e aniquilando sua própria equipe.

A partir desse ponto, o que vemos é uma perseguição desenfreada pelas ruas e becos de Jacarta e o aparecimento de outras importantes peças nesse tabuleiro banhado de sangue.

Com grande parte dos atores tendo trabalhado em obras como os aclamados Operação Invasão 1 e 2, o elenco mostra que a experiência faz a diferença ao entregar lutas e embates de uma plasticidade e fluidez incríveis. Tudo foi muito bem treinado e coreografado para que cada facada desferida, cada osso quebrado e membro decepado sejam compreendidos (e sentidos) pelo espectador. Não apenas o protagonista, mas todo o elenco de apoio faz um bom trabalho, valendo destacar a participação pontual, mas certeira, do astro Iko Uwais no papel de Arian e da talentosa Julie Estelle, como uma misteriosa assassina.

Além da ação, o cuidado com a fotografia também merece ser elogiado, com alguns momentos de inspiração sublime criando cenas de se encher os olhos e que merecem ser apreciadas.

Apesar disso, inconsistências na trama e um roteiro que não se preocupa em apresentar seus personagens fazem com que toda essa plasticidade soe vazia. Temos um conjunto de motivações simplistas, ações sem sentido e consequências descabidas na já batida história do anti-herói que busca expiar seus pecados com uma última boa ação.

Dito isso, é obvio que o diretor apostou suas fichas na crueza da violência e no bom trabalho da equipe de efeitos práticos. Poucos filmes entregam uma experiência tão brutal e explícita, principalmente quando não estamos falando de uma obra de horror. A inventividade e as escolhas estéticas nas lutas são definitivamente a alma de A Noite nos Persegue.

Em resumo, este não é apenas mais um filme de ação. Ou melhor, é, mas esteja preparado para ver pernas e dedos sendo arrancados em closes demorados de uma câmera que tende ao sadismo.

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Ficha técnica

• Malam Datang Untuk Kita
• Título Literal : “A Noite Vem para Nós”
• Título Internacional: The Night Comes for Us
• Direção : Timo Tjahjanto
• Info: Indonésia, 2018 Cor – 121 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt6116856/

Nota

8.0/10

8/10

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Em seu segundo longa metragem, o diretor natural de Singapura, Anthony Chen, apresenta mais um drama que evidencia a fragilidade, os desafios e também as surpresas das relações humanas.

Com um marido cada vez mais distante e frio e tendo de lidar com alunos desmotivados e o baixo reconhecimento profissional, Ling é uma professora de Mandarim que vê sua vida ruindo aos poucos.

Sem filhos, ela acredita que uma gravidez, além da realização de um sonho, seria a solução de grande parte de seus problemas, mas após tratamento médico e inúmeras tentativas fracassadas este objetivo parece estar cada vez mais longe de se concretizar.

É nesse cenário que um de seus alunos passa a se destacar e interagir com ela em vários aspectos de sua vida, suprindo suas angústias e preenchendo os vazios de sua rotina.

O filme apresenta uma cadência que acentua a rotina e evidencia as frustrações, onde as chuvas constantes são também um reflexo metafórico do íntimo dos personagens, em especial dos protagonistas, que parecem isolados em seus abrigos esperando que o tempo se abra para enfim poderem tocar suas vidas.

O longa expande sua discussão ao abordar aspectos da velhice e seus cuidados e também das obrigações e pressões que uma mulher sofre numa cultura tradicional e machista, tanto em sua vida pessoal quanto na profissional.

Contudo, é a relação entre professora e aluno o ponto central da trama, uma relação que vai tomando proporções perigosas quando sentimentos e expectativas começam a mesclar seus contornos. Vale mencionar que no primeiro filme do diretor (Quando Meus Pais Não Estão em Casa), o casal de protagonistas interpretava mãe e filho, e agora, seis anos depois, Koh Jia Ler (Weilun) e Yeo Yann Yann (Professora Ling) se entregam a bem mais que carinhos maternos.

Esta é uma obra singela que apesar de sofrer um pouco com seu ritmo moroso e com a previsibilidade de seu enredo apresenta a sinceridade necessária para fazer deste um filme despretensioso mas reconfortante, como um fim de tarde após as chuvas de verão.

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Ficha técnica

• 热带雨 : Redai yu
• Título Literal : “Chuva Tropical”
• Título Internacional: Wet Season
• Direção : Anthony Chen
• Info: Singapura, Taiwan 2019 Cor – 103 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt9822706/

Nota

7.0/10

7/10

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O diretor Jia Zhangke, nascido na China na década de 70, tem acompanhando ao longo de sua carreira as inúmeras mudanças sociais e econômicas pelas quais seu país tem passado. Isso se reflete em sua obra, cuja temática recorrente apresenta a transformação inexorável por que passa sua terra natal e o inevitável choque entre o passado e presente.

Em seu mais novo filme, Amor até as Cinzas, observamos ao longo de quase duas décadas o embate entre realidades divergentes e o conflito de gerações, mas desta vez sob o olhar de um casal cuja vida está imersa na Jianghu, o submundo do crime, com seus rituais, regras e particularidades correndo à margem da sociedade.

Nas palavras do próprio diretor durante uma entrevista no Festival de Cannes, “A Jianghu é uma subcultura que desafia o ‘mainstream’ no meu país. E hoje se transformou em algo que pouco tem a ver com o passado. É a alegoria perfeita para se falar de certa perda da memória coletiva na China”.

A trama tem seu início em 2001, onde um pequeno mafioso de nome Bin exerce seu poder e influência ao lado de sua namorada, Qiao, uma mulher cuja determinação e lealdade são tão grandes quanto sua devoção por Bin.

Esta devoção é posta a prova quando, em um ataque de gangues rivais, Qiao é obrigada a agir para defender seu amado, disparando uma arma para conter os agressores. Como consequência ela é presa ao assumir a propriedade da pistola e acaba por ficar cinco anos encarcerada.

Depois de cumprir sua pena, ela começa uma jornada em busca de Bin, que ao longo de todos esses anos não deu nenhuma notícia sequer. Em sua busca ela terá de enfrentar a rejeição e as armadilhas de um mundo que já não apresenta a familiaridade de outrora, que ao se modernizar e se abrir para o ocidente trouxe o distanciamento e a quebra de certas relações humanas além de relativizar conceitos como respeito, lealdade e gratidão.

É em meio a estas agruras que a personagem tem de se desafiar e criar forças para seguir em frente, buscando se apoiar nos ensinamentos de sua época de marginalidade. Mas isso talvez não seja o bastante quando tudo à sua volta parece estar diferente. Confrontada com esse sentimento de não pertencimento, até que ponto é possível se reinventar?

Com uma bela fotografia e explorando várias regiões da China, o diretor usa a grandiosidade de certos cenários e o deslocamento entre localidades como metáfora para a expansão dos horizontes de sua protagonista.

Os personagens são ricos em suas representações e o ritmo do filme, apesar de lento, apresenta uma cadência que casa perfeitamente com a proposta do roteiro. Destaque para Zhao Tao, esposa e musa de longa data do diretor que dá vida à Qiao.

O arco final do filme se passa em 2017 e podemos perceber que depois de todo o amargor, orgulho e sofrimento, certas coisas não mudaram, certos compromissos não puderam ser esquecidos, certas relações ainda perduram. Mas, até quando?

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Ficha técnica

• 江湖儿女 : Jiang hu er nü
• Título Literal : “Crianças da Jianghu”
• Título Internacional: Ash is Purest White
• Direção : Jia Zhangke
• Info: China 2018 Cor – 137 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt7298400/

Nota

7.0/10

7/10

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Com diálogos dinâmicos e repletos de sarcasmo, aliados a uma estética de exageros, Querido Ex aposta na comédia para entregar um drama familiar com contornos sociais.

De um lado temos a explosiva e barulhenta Liu Sanlian, que tenta entender os motivos pelos quais seu falecido marido se envolveu com outro homem. Do outro, o extravagante e inconsequente Jay, amante de seu ex e futuro beneficiário de seu seguro de vida. No meio do caos temos Chengxi, um menino introvertido e silencioso que busca assimilar a morte do pai e que acaba se aproximando (para o desespero de sua mãe) de Jay.

A dinâmica do trio de protagonistas é pautada pelo tom cômico, tom este que é reafirmado pelas interpretações cartunescas, pelo nonsense de algumas situações e também pela sobreposição de animações sobre as cenas, o que diverte, mas pode causar certo estranhamento.

A trama não é complexa, mas ainda assim bem construída, o que garante algumas surpresas e reviravoltas, justamente nos momentos mais sensíveis e tristes do longa. Isto também se reflete nos personagens, que apesar de num primeiro momento se mostrarem como meras caricaturas de seus papéis na sociedade, ganham contornos mais sólidos e a empatia do público quando o desfecho se aproxima. Passado todo o ruído, surge uma tocante experiência que fala sobre aceitação, amor e sacrifício.

Por vezes absurdo, divertido e melancólico, Querido Ex explora a complexidade na vida de três pessoas que tem de lidar com o luto, seus sonhos e novas definições de amor para seguir em frente.

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Ficha técnica

• 誰先愛上他的 : Shei xian ai shang ta de
• Título Literal : “Quem se apaixonou por ele primeiro?”
• Título Internacional: Dear Ex
• Direção : Hsu Chih-Yen
• Info: Taiwan 2018 Cor – 100 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt8443704/

Nota

8.0/10

8/10

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O Dia Depois é um filme curioso.

Filmado em preto e branco e explorando de forma primorosa o contraste entre luz e sombra, o longa aposta numa fotografia intimista que valoriza interiores e que coloca os personagens numa posição quase voyeurística para o espectador. É inegável a qualidade visual e o cuidado ao se montar cada uma das cenas.

Essa estética intimista se estende para a interação entre os protagonistas, na medida em que longas conversas a dois são tecidas, sejam regadas pelo café da editora ou pelas doses de soju consumidas em quantidade nos restaurantes, onde os envolvidos buscam por aceitação, ao mesmo tempo em que se mostram dissimulados e frágeis.

O enredo aborda as manobras e revezes na vida do dono de uma pequena editora que utiliza seu prestígio e influência como vantagens no jogo da sedução. Acomodado em sua posição, ele tem de lidar com o rompimento recente com sua amante e, agora, ex-funcionária, sua esposa que passa a desconfiar de suas atitudes e da jovem novata que pretende ocupar o cargo vago da editora.

Nesse ponto, também não há como negar que os diálogos são bem trabalhados e trazem à tona questões reflexivas sobre a fina linha que separa a gentileza do assédio, a resignação da covardia.

Sobre as atuações, Kim Min-hee (do excelente A Criada) traz um misto de inocência e maravilhamento ao interpretar com sua leveza característica a nova colaboradora da editora. Sua personagem é delicada, inteligente e gentil e serve de contraponto ao papel de Kwon Hae-hyo que em sua interpretação do aclamado crítico e dono da editora entrega a figura de um homem imerso na apatia, indecisão e carência. Cho Yun-hee no papel da esposa ciumenta e descontrolada e Kim Sae-byuk como a antiga funcionária e amante também se esforçam em apresentar suas visões das personagens, e mais uma vez, o resultado é satisfatório.

Por que digo, então, que o filme é curioso? Pelo fato de que apesar da linda fotografia, de um enredo inteligente e perspicaz e de bons atores encarnando personagens interessantes, a obra se mostra plana beirando em certos momentos a chatice, como se fosse um recorte de algo maior e mais bem elaborado.

O Dia Depois peca por este clima de incompletude onde a monotonia das cenas e a falta de desenvolvimento dos protagonistas faz com que não criemos um vínculo com nenhum dos personagens apresentados. Alias, esta falta de identificação faz com que os longos diálogos gerem certo desinteresse e a sensação de que não estamos sendo conduzidos a lugar nenhum.

Essa sensação é intensificada pela repetitiva e bizarra trilha sonora, que a princípio se encaixa perfeitamente com as cenas, mas que vai perdendo sua força e passa a incomodar e distrair por sua utilização desmedida.

Esses pontos não chegam a estragar a experiência do longa e em grande parte são um reflexo do estilo de direção adotado por Hong Sang-soo, mas tivessem sido mais bem trabalhados, teríamos não apenas um vislumbre mas sim um belíssimo e completo ensaio sobre a fragilidade das relações em tempos de medo e egoísmo.

O Dia Depois é mesmo um filme curioso.

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Ficha técnica

• 그후 : Geu-hu
• Título Literal : “Depois Disso”
• Título Internacional: The Day After
• Direção : Hong Sang-soo
• Info: Coréia do Sul, 2017 Preto e Branco – 92 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt6462506/

Nota

6.0/10

6/10

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Lançado em 2014, Carvão Negro é um filme de crime e mistério que explora a dualidade humana e as consequências extremas de suas ações e escolhas.

Apesar de apresentar uma fotografia simples e pouco acentuada pela utilização de luzes e sombras, resgata de maneira peculiar muitos elementos marcantes do cinema noir das décadas de 40 e 50.

Com uma ambientação urbana que explora primordialmente os interiores, a obra cria um clima de desolação e decadência onde personagens falhos, imersos em seus dilemas e paixões, lutam para dar algum sentido às suas vidas.

Dentro dessa atmosfera de pessimismo, temos nosso protagonista, um ex-policial obstinado que passa a investigar de forma independente novas pistas de um assassinato não resolvido. Enfrentando problemas com a bebida e atormentado por seu passado, ele é um personagem consumido pelo fracasso que vê na nova onda de crimes uma chance de redenção.

Outro elemento da estética noir utilizado é a presença de uma femme fatale, que esconde muitos segredos e que acaba por se envolver com o protagonista. No filme ela é vivida pela auxiliar de uma lavanderia que de alguma forma está ligada a todas as mortes relacionadas ao caso.

A trama é conduzida num ritmo lento que tende a acentuar o clima de suspense e também valoriza o silencio dentro das cenas, obrigando o espectador a buscar nos olhares e gestos as pistas para se desvendar a real intenção dos personagens.

O roteiro entrega entre outras coisas uma crítica à brutalidade e à eficácia da policia chinesa e também à frieza das relações interpessoais, tema esse que encontra uma correspondência direta com o gelado inverno em que a história se passa.

Egoísmo, desejo, cinismo e solidão. Esta é uma obra onde o contraste entre o carvão e a neve serve para ilustrar toda a ambivalência dos envolvidos, mostrando que, ao fim do dia, não existem heróis nem vilões, apenas seres humanos.

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Ficha técnica

• 白日焰火 : Bai ri yan huo
• Título Literal : “Fogos de Artifício à Luz do Dia”
• Título Internacional: Black Coal, Thin Ice
• Direção : Diao Yinan
• Info: China 2014 Cor – 110 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt3469910/

Nota

7.0/10

7/10

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O diretor Zhang Yimou vem cada vez mais testando seus limites na maneira de trabalhar simbolismos, utilizar as cores e expressar emoções de maneira sinestésica, muitas vezes no limiar do excesso.

Com A Maldição da Flor Dourada ele atinge o ápice dessa experimentação, criando uma tragédia melodramática cuja estrutura, visual e temática, é tanto delirante quanto arrebatadora.

A obra adota um tom teatral onde intrigas palacianas são apresentadas em uma intrincada cadeia de eventos onde nenhum dos personagens apresentados saíra sem mácula. Relações incestuosas, amores proibidos, traições, a busca pelo poder e a rivalidade entre irmãos fazem parte do extenso conjunto de elementos encobertos por segredos e mortes em uma trama cujos interesses do imperador colidem de frente com a figura da imperatriz e suas aspirações, ao ponto de cada um conspirar para a destruição do outro.

Chow Yun-Fat entrega uma mescla de serenidade e crueldade à sua interpretação do imperador, criando uma aura de poder que envolve e sufoca a todos que o rodeiam. Já a imperatriz tem na interpretação de Gong Li uma força latente, misto de revolta e desejo aprisionados pelas obrigações de sua posição no palácio. Todo este peso depositado no casal de protagonistas encontra alegoricamente uma correspondência com suas vestimentas e adereços onde os espectadores quase conseguem sentir a carga sobre seus ombros nas cenas em que os extensos corredores são atravessados.

O elenco de apoio é responsável e seus papéis são convincentes, mas os verdadeiros trunfos do filme são a fotografia, a exuberante cenografia e os figurinos de época, todos muito bem elaborados e apoiados em cores quentes e vívidas. O interior do palácio é um ambiente quase onírico em sua variedade de cores e formas e as enormes quantidades de serviçais sincronizados em suas tarefas cotidianas contribuem com esta aura de surreal perfeição. Sobre as roupas utilizadas em cena, cada uma delas composta de 4 ou mais camadas caprichosamente sobrepostas, evocam a riqueza e o papel das tradições e ritos dentro da realeza.

Abraçando a tragédia e apoiando a história numa estética de deslumbramento visual, Zhang Yimou nos entrega mais uma obra prima neste drama pincelado de artes marciais, onde o brilho dourado do ouro só é ofuscado (em curtos momentos) pelo vermelho do sangue.

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Ficha técnica

• 满城尽带黄金甲 : Man cheng jin dai huang jin jia
• Título Literal : “A Cidade Inteira Está Vestida em uma Armadura Dourada”
• Título Internacional: The Curse of the Golden Flower
• Direção : Zhang Yimou
• Info: China, Hong Kong 2006 Cor – 111 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0473444/

Nota

8.0/10

8/10

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