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Lançado em 2017, Os Escravos de Satanás é um filme indonésio dirigido por Joko Anwar e cujo enredo gira em torno de uma família atormentada pela doença misteriosa de sua matriarca, pelo luto e por segredos passados que vão culminar em eventos sobrenaturais e aterrorizantes.

Baseado em uma obra de mesmo nome do início da década de 80, este foi um projeto especialmente requisitado pelo diretor, já que o filme original marcou sua infância e foi um dos títulos que o motivou a trabalhar com cinema.

Ambientado em 1981, o longa explora aspectos da religiosidade local e também o clima de superstição que ronda pequenos vilarejos rurais onde o isolamento e o cenário pitoresco contribuem para a criação de um ambiente inquietante, em especial para os filhos da família.

Apesar da história central manter elementos do original, o diretor buscou adicionar mais complexidade à trama e também emular algumas tendências de filmes de horror ocidentais, o que talvez não tenha sido uma escolha tão acertada, ainda mais levando-se em conta que a versão anterior ganhou ares de filme cult dentro do gênero.

Entrando mais especificamente na trama, é inegável que a figura da mãe moribunda e posteriormente sua morte criam uma atmosfera sinistra na casa, o que é potencializado pelas aparições e eventos sobrenaturais que começam a atormentar os mais jovens. Contudo, quando as explicações sobre a origem da maldição e as formas para se combater o mal são abordadas, o filme perde tanto em ritmo quanto na capacidade de assustar. Aliás, o “especialista” sobre os assuntos diabólicos com seus artigos publicados em uma revista duvidosa chegam a ser risíveis. Já no clímax, é impressionante como de uma hora para outra todos resolvem abandonar o que parecia ser o objetivo principal do filme e seguir adiante como se nada de fato tivesse importado. Apesar disso, a tensão criada, a excelente fotografia e alguns sustos certeiros fazem com que a experiência não seja arruinada.

Sobre as intepretações, nada muito especial. Tara Basro está ok em sua atuação no papel de Rini, mas o destaque fica mesmo para o carismático ator mirim que vive o filho mudo da família, M. Adhiyat.

Para finalizar, Os Escravos de Satanás oferece uma visão interessante do horror sobrenatural e da cultura indonésia, mas alguns tropeços prejudicam a integridade da obra, especialmente em seu terceiro ato. Felizmente Anwar parece ter aprendido a lição, já que em sua próxima incursão pelo terror temos o ótimo Impetigore (2019) e também a continuação O Escravos de Satanás 2 (2022), que foi mais bem recebido pela crítica, mas isso é assunto para outra resenha.

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Ficha técnica

• Pengabdi Setan
• Título Literal : “Servos de Satanás”
• Título Internacional: Satan’s Slaves
• Direção : Joko Anwar
• Info: Indonésia, 2017 Cor – 107 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt7076834/

Nota

6.0/10

6/10

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Dias Perfeitos, dirigido por Win Wenders, é uma jornada contemplativa através da rotina meticulosa e reflexiva de Hirayama, um limpador de banheiros públicos em Tóquio, interpretado de forma sensível e comedida por Yakusho Kōji.

Enquanto executa suas tarefas diárias com foco e uma serenidade quase ritualística, Hirayama pouco interage e praticamente não fala com aqueles que o cercam. Seja no ambiente de trabalho ou nos locais que ele visita regularmente, todas suas ações são protegidas pela previsibilidade e pela austeridade com que leva sua vida.

Contudo, encontros fortuitos e pequenos contratempos surgem para quebrar esse ciclo e são justamente nesses pontos de ruptura (explicitados nos sonhos em preto e branco do protagonista) que vemos as nuances de sua personalidade, seus desejos e preocupações.

Complexo em sua simplicidade, Hirayama é um personagem que cultiva a solidão, mas que anseia por conexão humana, que trabalha almejando a perfeição, mas se enternece pelas falhas dos que o cercam, que abandonou, talvez, uma existência confortável e de sucesso para atenuar sua dor e redescobrir a felicidade em meio às coisas mais simples e corriqueiras da vida.

Tocante e delicado, o longa aposta em uma fotografia de tons suaves e composições cuidadosamente elaboradas, criando uma atmosfera de calma e contemplação que permeia toda a obra.

Dias Perfeitos é recheado, como é de praxe nas obras de Wenders, com músicas primorosamente selecionadas de artistas como Van Morrison, The Velvet Underground e Rolling Stones, acrescentando uma camada adicional de emoção e servindo de contraponto ao silêncio do personagem principal. Aliás, a música tem papel fundamental na vida de Hirayama, juntamente com a literatura e a fotografia: a arte expressando aquilo que palavras talvez não possam.

O filme também nos convida a prestar atenção às sombras que permeiam a vida do protagonista, assim como às árvores que ele tanto admira. Esses elementos visuais se tornam metáforas poderosas da jornada emocional do protagonista e da beleza serena encontrada nas pequenas coisas.

Infelizmente nem tudo funciona dentro dessa estética tão minimalista e singela, especialmente em duas situações: primeiramente, o mutismo de Hirayama é aceitável e reflete seu caráter mais estoico e contemplativo, mas em alguns momentos soa forçado e caricato criando situações pouco críveis. Ok ficar em silêncio, mas ficar mudo de forma injustificada beira o constrangedor.

Já no sentido contrário, temos a caracterização de seu colega de trabalho, que ao tentar servir de contraponto ao protagonista acaba falando demais e agindo bizarramente, numa interpretação que acaba gerando ruído e desviando o foco de coisas mais importantes em cena.

Por fim, não poderia deixar de comentar sobre a cena em que nosso protagonista dirige seu furgão ouvindo “Feeling Good” de Nina Simone: um momento de pura revelação. A letra da música, que fala sobre apreciar as pequenas coisas da vida e encontrar liberdade e renovação em cada novo dia, ecoa as próprias experiências e reflexões de Hirayama ao longo da narrativa. É um lembrete poderoso de que a verdadeira felicidade muitas vezes reside nos momentos mais simples e nas conexões humanas genuínas.

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Ficha técnica

• 完璧な日々 : Kanpekina Hibi
• Título Literal : Dias Perfeitos
• Título Internacional: Perfect Days
• Direção : Wim Wenders
• Info: Japão 2023 Cor – 124 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt27503384/

Nota

7.0/10

7/10

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Dentre os inúmeros subgêneros presentes quando o assunto é cinema de horror, existe um que, invariavelmente, acaba sendo mais perturbador do que assustador: O found footage, ou aquele que simula gravações obtidas através de filmadoras, telefones celulares, fitas de segurança e afins.

Ao aproximar, nós espectadores, do cotidiano dos protagonistas e nos colocar como observadores de algo privado e muitas vezes proibido, esse estilo acaba por aumentar nossa imersão na trama ao mesmo tempo em que diminui nossa capacidade de descrença.

Depois de um enorme boom de filmes do gênero alguns anos atrás, o mercado ficou saturado de obras esquecíveis e de baixíssima qualidade. Justamente por isso é que me surpreendi positivamente ao assistir a nova aposta da Netflix, Marcas da Maldição.

Dirigido por Kevin Ko, o longa taiwanês segue a história de Li Ronan (Tsai Hsuan-yen) enquanto ela luta para proteger sua filha Dodo (Huang Sin-ting) de uma antiga maldição. Com uma atmosfera misteriosa e repleta de situações escabrosas, o filme entrega ainda ótimas performances de seu elenco e uma história que, apesar de previsível, é construída de forma descente e interessante.

Marcas da Maldição mescla de forma primorosa os entraves que uma mãe precisa enfrentar para recuperar a guarda de sua filha ao mesmo tempo em que se vê às voltas com um mal crescente à espreita. Embora o conflito inicial decorra de um encontro sobrenatural, é a necessidade de fornecer um lar estável em meio à turbulência pessoal que ancora o filme tematicamente.

Sobre o estilo de filmagem, o longa se utiliza de uma variedade de recursos para justificar os diferentes tipos de gravações, o que funciona em muitas situações, mas chega a cansar em outras, principalmente quando as explicações e as decisões tomadas pelos personagens não se sustentam.

Outro ponto que pode prejudicar a experiência do filme são as infinitas quebras na linha temporal, com a história ora se passando no passado, ora no presente o que acaba por esfriar o clima de tensão gerado em momentos cruciais da história.

Apesar disso, as ótimas atuações, em especial das atrizes que interpretam mãe e filha, conseguem sustentar bem a trama e fazer com que o filme avance. Outro ponto interessante que faz com que o filme se destaque, é a chamada à participação ativa do espectador, colocando-o como parte fundamental da narrativa enquanto é bombardeado por imagens inquietantes e grotescas.

Por fim, não podemos deixar de apontar a riquíssima iconografia religiosa que subverte o que conhecemos do budismo ao apresentar rituais e costumes tão bizarros quanto fascinantes.

Marcas da Maldição é bem sucedido em trazer um frescor a esse subgênero de terror já tão desgastado. Com uma atmosfera inquietante e perturbadora, esse é o tipo de filme que consegue deixar uma impressão duradoura em quem se atrever a pronunciar: HOU-HO-XIU-YI, SI-SEI-WU-MA …

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Ficha técnica

• 咒 : Zhou
• Título Literal : Maldição
• Título Internacional: Incantation
• Direção : Kevin Ko
• Info: Taiwan 2022 Cor – 110 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt18968540/

Nota

7.0/10

7/10

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Com a promessa de que poderia repetir os incríveis feitos de Parasita no Oscar, Drive My Car foi a aposta do Japão para a cerimônia de 2022, onde acabou levando apenas a estatueta de melhor filme estrangeiro dentre as quatro categorias disputadas.

Baseado em um conto escrito por Haruki Murakami, o filme explora de maneira intimista a vida de um diretor e ator de teatro e a relação de cumplicidade e apego que ele desenvolveu com sua esposa. Na trama, todos os personagens possuem questões internas e sentimentos reprimidos que aos poucos vão emergindo enquanto uma adaptação da peça Tio Vanya, do dramaturgo Anton Tchécov, vai tomando forma.

Dirigido por Hamaguchi Ryusuke, o filme aborda temas tão cotidianos como delicados como o luto, a traição e a obsessão, além de nos chamar à reflexão sobre quando e como deixar certos aspectos de nossas vidas para trás e seguir adiante.

Com duração de aproximadamente três horas, Drive My Car aproveita cada minuto desta longa exposição para criar uma atmosfera que funde amor, perda e rancor em igual medida, o que torna a experiência do espectador um tanto quanto pesada, mas nunca monótona. Talvez o corte final do filme pudesse ter sido encurtado, mas neste caso o impacto gerado provavelmente não seria o mesmo.

Neste sentido, o tempo é um elemento essencial para a trama pois ajuda a construir um panorama mais profundo de cada um dos envolvidos além de evidenciar como traumas e desejos podem perdurar e mesmo assombrar a vida dos protagonistas ao longo dos anos.

Sobre as atuações (contidas mas eficazes), um ponto curioso merece ser destacado: a babel linguística criada por atores de diferentes nacionalidades, cada um interpretando seu papel em sua língua natal dentro do contexto da peça de teatro. Um recurso a princípio bizarro, mas que demonstra como a entrega entre os atores pode superar mesmo a barreira do entendimento.

Vale enaltecer aqui a incrível atuação de Park Yu-rim no papel de Lee Yoon-a, que apesar de se comunicar apenas através da língua de sinais coreana consegue, através de sua interpretação e sensibilidade, ser a personagem mais expressiva da trama.

Com uma narrativa ao mesmo tempo simples e poderosa, Drive My Car é uma obra contemplativa e profunda sobre a culpa, mas sobretudo sobre o amor e sobre o poder transformador da empatia.

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Ficha técnica

• ドライブ・マイ・カー : Doraibu mai kā
• Título Literal : “Dirija meu carro”
• Título Internacional: Drive My Car
• Direção : Hamaguchi Ryusuke
• Info: Japão, 2021 Cor – 179 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt14039582/

Nota

7.0/10

7/10

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A representação de pessoas com algum tipo de deficiência no cinema é algo pouquíssimo explorado. São raros os projetos em que a pauta da inclusão e da representatividade é levada em conta sem escorregar para algo estereotipado e romantizado.

Por isso, ver uma obra que minimamente se preocupa em mostrar interações mais complexas e humanas dentro deste universo é algo tão louvável quanto necessário em nosso momento atual.

Em seu longa de estreia, a diretora Hikari busca construir um retrato sensível mas também provocativo das relações vividas por uma jovem com necessidades especiais no Japão contemporâneo, precisando lidar com os desafios e expectativas de uma sociedade altamente competitiva, machista e ainda mergulhada no capacitismo.

No filme acompanhamos Yuma, uma jovem de 23 anos que está lutando para conseguir sua autonomia e reconhecimento profissional como desenhista, uma jovem cheia de sonhos, dúvidas e desejos como qualquer outra garota de sua idade. O que torna Yuma diferente é que ela está presa em uma cadeira de rodas, consequência de uma paralisia cerebral ao nascer.

Ciente de suas limitações, Yuma num primeiro momento se mostra frágil e condescendente, mas ao mesmo tempo ela nutre dentro de si o desejo de alçar novos vôos em busca de experiências que de fato preencham e deem sentido a sua vida.

Seja no cuidado sufocante e na carência de sua mãe, na relação abusiva com sua amiga, que não a valoriza e se aproveita de seu talento, ou nas vazias e estranhas interações com o sexo oposto, Yuma sabe que sua condição física não deveria ser a única característica que a define como filha, como profissional ou como mulher.

A trama, apesar de previsível e inconsistente em certos momentos, consegue emocionar, divertir e trazer ao espectador uma mensagem mais humana e reflexiva. Não se trata apenas da história de uma cadeirante que vence desafios e preconceitos e vive feliz para sempre. Não se trata de um filme de superação, como poderíamos imaginar num primeiro momento, mas sim de descobertas.

Descobertas através de novas amizades, de experiências inusitadas, de se expor a riscos, de explorar novos sentimentos, da própria sexualidade e também dos erros e frustrações.

Dito isso, a escolha de uma atriz (Kayama Mei) que sofre da mesma condição que sua personagem é um ponto fundamental para trazer as dores e anseios de Yuma de forma mais verdadeira, focando não só em suas virtudes, mas também suas falhas e fraquezas, tornando a protagonista mais humana e fugindo da romantização estereotipada de outras produções.

Sobre o título do filme, não é nenhum spoiler explicar o porquê dos 37 segundos, mas ao menos para mim, a revelação nos momentos finais do longa foi algo que me impactou e me levou a pensar sobre como a vida é frágil e como devemos ser gratos por cada pequena conquista.

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Ficha técnica

• 37セカンズ : 37 sekanzu
• Título Literal : “37 Segundos”
• Título Internacional: 37 Seconds
• Direção : Hikari
• Info: Japão, 2019 Cor – 115 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt6156138/

Nota

7.0/10

7/10

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O cinema de horror é um terreno fértil capaz de produzir vilões e criaturas aterrorizantes, mas são poucos os que conseguem resistir à prova do tempo, superar o esquecimento e se fixar no imaginário coletivo do público.

Nesse aspecto, temos duas franquias japonesas que, após duas décadas de seus respectivos lançamentos e com mais de uma dúzia de filmes cada uma, conseguiram alcançar esse status: estou falando de O Chamado, lançado em 1998 e de O Grito, que já dava as caras nesse mesmo ano de forma experimental em alguns curtas.

Difícil encontrar alguém que não tenha assistido alguma das dezenas de filmes, remakes, reboots, paródias e séries ou que não conheça a assustadora imagem de Sadako saindo do poço com seus cabelos negros e compridos ou do pitoresco menininho azul, Toshio.

É natural, então, que após tanto tempo na ativa a inspiração e a criatividade comecem a fraquejar, abrindo espaço para produções sofríveis e de baixa qualidade, meramente interessadas em lucrar com esta prolongação.

Já faz tempo que não temos obras interessantes de ambas as franquias, salvo algumas coisas pontuais (como a série O Grito – Origens, de 2020) que até tentam, mas não chegam aos pés dos longas de meados dos anos 2000.

Tanto desgaste poderia significar o fim, mas eis que uma pegadinha de primeiro de abril e uma forte campanha dos fãs acabaria por unir os dois universos em um projeto no mínimo inusitado: Sadako enfrentando Kayako numa disputa para ver qual maldição prevalece.

Dirigido por Shiraishi Kōji, o longa de trama simples e previsível acompanha duas narrativas que eventualmente se cruzam para o confronto anunciado no título. De um lado temos duas amigas às voltas com uma fita de vídeo amaldiçoada, do outro uma garota atormentada por visões de uma casa abandonada de sua vizinhança.

Após mortes estranhas, exorcismos e a ajuda de especialistas que parecem não entender de fato coisa alguma, o enredo deixa claro que a única esperança é fazer com que as assombrações disputem entre si a alma das pobres meninas apostando que uma aniquile a outra no processo.

É justamente nesse absurdo que reside o trunfo do filme. Ao não se levar tanto a sério e nem tentar competir com as obras anteriores, a história consegue entregar tensão e sustos ao mesmo tempo em que abraça atuações medianas e efeitos visuais duvidosos que causam mais risos que medo. Para algo que surgiu como uma brincadeira no dia da mentira, não poderíamos esperar mais do que foi apresentado.

Depois que O Chamado vs O Grito foi lançado já saíram mais alguns filmes e séries de ambos os universos mostrando que a falta de bom senso dos roteiristas e diretores e a ganância dos estúdios talvez seja a verdadeira maldição a ser enfrentada.

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Ficha técnica

• 貞子vs伽椰子: Sadako vs. Kayako
• Título Literal : Sadako vs. Kayako
• Título Internacional: Sadako vs. Kayako
• Direção : Shiraishi Kōji
• Info: Japão, 2016 Cor – 98 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt5309954/

Nota

5.0/10

5/10

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Nestes últimos anos o mundo tem voltado seus olhos com mais atenção para o mercado de entretenimento sul-coreano, em especial pelo sucesso que o K-pop e os Dramas tem feito no ocidente. Este movimento se tornou ainda mais evidente depois que Parasita levou 4 oscares para casa, incluindo o de melhor filme, além de outras premiações de peso pelos festivais que passou.

Apostando nessa tendência a Netflix tem expandido seu catálogo com ótimas produções coreanas, entre elas um suspense carregado de mistério e estilo que tem impressionado o público: trata-se do filme A Ligação.

Dirigido pelo estreante Lee Chung-hyun, o longa nos apresenta a história de Seo-Yeon que acaba de retornar para sua antiga casa para visitar a mãe doente que está internada. A relação entre ambas é fria, pois a garota culpa a mãe pela morte de seu pai anos antes em um incêndio. Na casa ela encontra um antigo telefone sem fio e passa a receber ligações de uma estranha chamada Young Sook. Aos poucos ambas percebem que estão de fato vivendo na mesma casa, mas em épocas diferentes. As implicações desta conexão temporal irão alterar de forma imprevisível e perigosa a vida das duas garotas e das pessoas ao seu redor.

A princípio a trama não apresenta nenhuma novidade para o gênero, aliás o filme é o remake de uma produção britânica / porto-riquenha de 2011, contudo, as escolhas feitas pelo diretor acabam elevando a experiência e transformando o longa em algo instigante e melhor que seu antecessor.

Com um enredo bem amarrado e inteligente, a história prende desde o início e consegue manter a atenção ao longo de suas quase duas horas de suspense, drama e também terror.

A fotografia acerta com uma ambientação caprichada cujo jogo de cores e luzes valorizam os sentimentos de cada cena. Além disso, os efeitos especiais que representam as mudanças na linha do tempo são carregados de estilo com alterações físicas intrincadas e até poéticas que trazem certa inovação para os filmes do gênero.

Outro ponto forte é a atuação das protagonistas que conseguem passar, cada uma à sua maneira, a fragilidade, o desespero e também a loucura de suas personagens. O destaque vai para a jovem atriz Jun Jong-seo, que atuou anteriormente no ótimo Em Chamas e que aqui interpreta de forma intensa a assustadora Young Sook.

De qualquer forma, nem tudo é perfeito em A Ligação. Seja por algumas decisões pouco críveis dos personagens ou pela ineficácia investigativa da polícia, é preciso fechar os olhos para alguns pontos da trama para que o filme flua sem causar frustração. Além disso, o final também não é uma unanimidade, em especial algumas cenas pós-créditos que muitos preferem ignorar para não ter a experiência arruinada.

Dito isto, A Ligação continua sendo um ótimo filme de crime e mistério que de forma gradual e empolgante vai revelando este quebra-cabeça capaz de transcender o tempo.

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Ficha técnica

• 콜 : Kol
• Título Literal : “A Ligação”
• Título Internacional: The Call
• Direção : Lee Chung-hyun
• Info: Coréia do Sul, 2020 Cor – 112 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt10530176/

Nota

7.0/10

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Lançado no ano de 1964 e dirigido por Kobayashi Masaki, Kwaidan é aclamado pela crítica como uma das grandes obras clássicas do horror japonês, tanto por seu lirismo como pela sua estética.

Composto por quatro histórias independentes, esta antologia tem como material base alguns livros do escritor de origem grega Lafcadio Hearn, em especial a obra “Kwaidan: Histórias e Estudos sobre Coisas Estranhas”, lançado em 1904. Curioso destacar que Hearn se mudou para o Japão em 1890 como correspondente de um jornal e lá acabou se apaixonando não só pelo país como também pela filha de uma tradicional família de samurais com quem se casou. Após se naturalizar cidadão japonês, o escritor adota o nome Koizumi Yakumo e se dedica até o fim de sua vida a escrever sobre a cultura, as tradições e as peculiaridades da terra do sol nascente.

Os contos selecionados pelo diretor para integrar seu filme são: O Cabelo Negro (黒髪, Kurokami), que conta a trajetória de um samurai que abandona sua mulher em busca de fama e riqueza e que se arrepende anos depois; A Mulher da Neve (雪女, Yukionna), que trata do encontro de um lenhador com uma entidade sobrenatural durante uma nevasca e do poder de uma promessa; Hoichi, o Sem Orelhas (耳無し芳一の話, Miminashi Hōichi no Hanashi), sobre um monge cego que é convocado para entreter uma comitiva fantasmagórica cantando poemas sobre uma antiga batalha; e por fim Em uma Xícara de Chá (茶碗の中, Chawan no Naka), que descreve a estranha aparição de um rosto no reflexo de uma xícara e como isso pode conduzir um homem à loucura.

Apesar de serem histórias sem uma relação direta, todas trazem elementos sobrenaturais e de grande estranheza, elementos pertencentes a um mundo onde folclore e realidade se misturam e onde o fantástico está tão presente quanto em um conto de fadas.

Para criar um mundo tão belo quanto assustador, o diretor optou por gravar a maioria das cenas no interior de um hangar de aviões, reproduzindo céus, florestas e mares com cores fortes e vibrantes em cenários pintados com elementos surreais ao fundo, criando uma fotografia onírica e com pinceladas expressionistas, um complemento perfeito à temática do longa.

Com um tom lento e poético, a obra expõe pouco a pouco o interior de seus protagonistas, suas paixões, falhas e medos. A narrativa também se apoia no lirismo e no silêncio para preencher as mais de três horas de filme, ponto que pode incomodar alguns espectadores.

O filme foi lançado no Brasil como Kwaidan – As Quatro Faces do Medo, evidenciando, mais uma vez, a obsessão nacional por traduções e subtítulos que expliquem o conteúdo da obra.

Um fato curioso é que apesar de ter sido nomeado para o Oscar de melhor filme estrangeiro e de ter saído como ganhador do prêmio especial do júri em Cannes, a recepção por parte do público estrangeiro na época não foi das mais calorosas. A audiência esperava que um filme de horror japonês tivesse uma trama mais dinâmica e cheia de ação e efeitos especiais aos moldes de Godzilla, lançado em 1954.

Kwaidan é sem dúvida uma obra de arte em seu sentido mais literal, provocando nossos sentidos e nos levando à contemplação e à reflexão. Mais do que assustar, o filme nos conduz por uma experiência sensível e mágica pela cultura e folclore japonês.

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Ficha técnica

• 怪談: Kaidan
• Título Literal : Histórias de Fastasma
• Título Internacional: Kwaidan
• Direção : Kobayashi Masaki
• Info: Japão, 1964 Cor – 183 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0058279/

Nota

7.0/10

7/10

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O que é real e o que é sonho na vida de uma adolescente que se nega a aceitar o presente? E o passado, quando revisitado, continua da maneira como nos lembramos? Aliás, algo de fato muda em uma vida composta de ciclos? Estas são perguntas que surgem no primeiro longa metragem do diretor Zhang Qi.

No filme, acompanhamos a vida da jovem Ye em uma rotina repleta de pequenas tensões, abafada por sentimentos não expressos e palavras não ditas. Ye não consegue criar vínculos reais na cidade de Yinchuan, para onde se mudou com a mãe dez anos atrás após o divórcio dos pais.

Ela deseja saber mais sobre o pai que ficou para trás em sua cidade natal e cujo único vínculo é o dinheiro da pensão que chega mensalmente. Além disso, o fato do atual namorado de sua mãe ter se mudado para sua casa torna ainda mais difícil seu elo com o passado.

Ye sofre diante da postura ambígua de seu possível padrasto, culpa a mãe por ser lançada em uma realidade que ela não estava disposta a enfrentar e se sente confusa diante dos avanços de seu namorado, de quem visivelmente gosta, mas não se permite vivenciar uma conexão real. Esse turbilhão de emoções acaba por refletir em suas atitudes e percepções transformando suas noites em experiências repletas de sonho, saudade e solidão.

Aliás, não apenas a garota tem dificuldades em se estabelecer no presente. Hong, sua mãe, tenta construir uma nova vida junto de seu amado, projetando nele o que esperava do ex-companheiro. Já Liu não sabe como se portar junto da nova família ao passo que tenta se afastar de sua antiga profissão e rotina. Ambos acabam se decepcionando por não conseguirem se libertar de velhos hábitos e anseios remanescentes de suas vidas passadas.

O longa traz uma bela fotografia e boas interpretações, mas sua trama reticente acaba por nos distanciar de seus personagens. O clima inquietante e sua falta de linearidade também influenciam na percepção de que a história não evolui, curiosamente impedindo que os ciclos propostos se fechem. Apesar disso, entendo que este é um filme que deve ser mais sentido do que compreendido em sua totalidade. Sinestesia é a palavra chave desta obra cujo peso está majoritariamente nos sons e nas imagens e não nas palavras.

Com um clima onírico e apoiando-se mais nas sensações geradas por sua imagética do que na coesão de seu roteiro, Ciclo Solitário mostra como pode ser enganoso o resgate de um passado idealizado, principalmente quando estamos presos em espirais que se repetem e nos impedem de apreciar os desafios e surpresas do presente.

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Ficha Técnica

• 夜以继夜 : Ye yi ji ye
• Título Literal : “Noite após noite”
• Título Internacional: Single Cycle
• Direção : Zhang Qi
• Info: China 2019 Cor – 95 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt11151734/

Nota

7.0/10

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O ano de 2020 veio carregado de surpresas desagradáveis e obrigou a maior parte da população mundial a se reinventar. Isso não poderia deixar de refletir na indústria cinematográfica como um todo, afetando a produção, a distribuição e também o próprio consumo do audiovisual.

Em meio a esse cenário desafiador e movido por um misto de ansiedade e vulnerabilidade causada pelo isolamento, o diretor filipino-australiano Matthew Victor Pastor criou um filme que é fruto destes tempos difíceis em que vivemos.

Gravado em meio à pandemia, pouco antes de ser decretado o lockdown em Melbourne, na Austrália, O Neon Através do Oceano é um filme que se aproveita do silêncio e dos cenários urbanos praticamente vazios para criar uma sensação de desconforto e de solidão em um futuro próximo, logo após a crise gerada pelo Covid-19.

O longa nos apresenta duas histórias que se complementam. Uma é contada por uma narradora que descreve o abandono, os sonhos e as agruras da vida nas ruas de Manila, nas Filipinas, em especial a cena noturna e boêmia de uma avenida específica. A outra é vivenciada por Mandy, uma garota de 17 anos de Melbourne que prestes a terminar o ensino médio precisa lidar com o relacionamento difícil de seus pais, a saudade do irmão que foi morar fora, o cultivo de uma paixão secreta e uma crescente vontade de se reconectar com um país do outro lado do oceano. Dois destinos entrelaçados, porém distantes no espaço e no tempo.

Aliás, ponto chave dentro da obra, a distância é um tema que se repete e se ramifica em uma variedade de representações que transcendem o aspecto meramente geográfico e físico.

Agravado pelo isolamento, o sentimento de não pertencimento e de vazio faz a protagonista buscar o apoio e o conforto daqueles que a cercam. Contudo, sem conseguir se conectar de forma verdadeira com ninguém, apenas sua tutora consegue romper um pouco com as barreiras que a sufocam, talvez por se encontrar fora de seu complicado núcleo familiar.

Apesar da abordagem tímida, é louvável também que temas sociais como a diferença de classes, a xenofobia, a objetificação da mulher e a orientação sexual sejam incluídos no debate. No entanto, a simplicidade da trama aliada às atuações um pouco engessadas faz com que a história não avance nesse sentido tornando algumas cenas deslocadas.

Mesmo que esses aspectos acabem por contribuir com o clima de estranheza e desolação proposto pelo diretor, movimentação, diálogos e relacionamentos parecem contido demais.

Retrato de 2020, O Neon Através do Oceano abre espaço para diálogos essenciais e nos mostra que precisamos ser resilientes. Resta saber se as distâncias entre nós serão encurtadas ou se seremos engolidos pelo abismo de uma sociedade que é tão globalizada quanto frágil.

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Ficha técnica

• The Neon Across the Ocean
• Título Literal : O Neon Através do Oceano
• Título Internacional: The Neon Across the Ocean
• Direção : Matthew Victor Pastor
• Info: Filipinas, 2020 Cor – 91 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt13050758/

Nota

7.0/10

7/10

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Uma coprodução entre Mongólia e Alemanha, As Veias do Mundo é um filme essencial para o momento em que vivemos, especialmente por lançar luz sobre mais um aspecto das combalidas questões ambientais e culturais.

A história gira em torno do jovem Amra e sua família, criadores de cabras que habitam as estepes da Mongólia por inúmeras gerações e que agora veem sua subsistência e seu modo de vida ameaçados pela iminente chegada de grandes companhias de mineração.

Seu pai, Erdene, tenta frear o avanço das máquinas mobilizando os moradores da região e costurando melhores garantias e acordos para que sua terra ancestral e também seus moradores não sejam prejudicados. Já Zaya, sua mãe, está receosa com o enfrentamento das grandes corporações e insiste que o marido aceite a compensação financeira oferecida para que possam deixar as terras o quanto antes.

Amra, num primeiro momento, está mais preocupado em conseguir a autorização dos pais para participar de um show de talentos na capital, mas será obrigado a colocar seus sonhos de lado e passar por um amadurecimento precoce após um trágico acidente.

Idealizado pela diretora Byambasuren Davaa, o roteiro do longa surgiu após ela revisitar certas áreas de seu país natal para a escolha de locações para um novo projeto. Ao observar a degradação dos campos e a contaminação e desaparecimento de rios e mananciais causados por uma mineração desenfreada surgiu a ideia de fazer um filme que expusesse como essa exploração brutal estava alterando o ambiente e privando povos nômades de seus meios de sobrevivência.

O filme nos mostra como a ganância e o “progresso” podem se converter em uma força destrutiva capaz de apagar traços culturais e sociais que perduravam por séculos na região. Nesse cenário, o senso de comunidade é colocado em xeque e até mesmo as estruturas familiares podem ser abaladas diante da pressão de grandes companhias e do descaso dos governantes.

As Veias do Mundo é uma obra singela cujo espírito se concentra na canção folclórica escolhida por Amra para sua apresentação. Ao cantar sobre as belezas e riquezas da terra e sobre o poder corruptor do ouro, ele nos lembra como o ser humano vai pouco a pouco rompendo os laços com o planeta e apagando a ideia de unidade construída por nossos antepassados.

Ainda há tempo. Mas se nada for feito, só sobrarão as veias do mundo, expostas e secas, para uma geração que nem sequer sabe o que perdeu.

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Ficha técnica

• Алтан судал : Altan sudal
• Título Literal : “Veias de Ouro”
• Título Internacional: Veins of the World
• Direção : Byambasuren Davaa
• Info: Mongólia, 2020 Cor – 96 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt9077352/

Nota

8.0/10

8/10

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Em seu mais novo longa, a diretora Kawase Naomi traz em Mães de Verdade uma delicada discussão acerca das alegrias e também das muitas dores de um processo de adoção.

Acompanhamos, num primeiro momento, a rotina do sr. e sra. Kurihara cujos sonhos de maternidade são abalados pela descoberta de uma condição médica que impossibilita o casal de ter filhos.

Após uma série de exames e do fracasso diante do tratamento, marido e mulher já estão fragilizados e cogitando desistir da ideia de serem pais. É quando uma reportagem despretensiosa na televisão levanta a possibilidade de uma adoção como a solução de seus problemas.

Somos então apresentados à jovem e sonhadora Hikari que, ao se envolver amorosamente com um pretendente de sua escola, acaba por engravidar. A pressão social e a falta de apoio familiar fazem com que ela seja obrigada a colocar seu futuro bebê para adoção. Este é o gesto que irá entrelaçar seu destino com os Kurihara.

A história, seja por sua cadência ou pela forma como é apresentada, não traz novidades e poderia soar previsivelmente cansativa em sua abordagem. Contudo a sensibilidade da diretora, aliada a um senso de mistério que permeia todo o filme, sustentam a trama de forma muito eficiente em suas mais de duas horas de exibição.

Essa entrega lenta e gradual das respostas é em parte explicada pela adaptação do material fonte – o romance de mesmo nome escrito por Sujimura Mizuki, cuja especialidade é justamente as histórias de mistério.

Mas mais do que isso, o longa é um convite à reflexão onde somos a todo momento confrontados com as vivências, sofrimentos e perspectivas de diferentes mulheres, sejam elas mães de fato ou não, e suas atitudes (nem sempre acertadas mas cheias de realidade).

Tratando de temas recorrentes em sua filmografia, a diretora emprega todo seu lirismo ao abordar temas como família, maternidade e solidão, aqui emoldurados pela linda fotografia e pelas locações externas, em especial as belíssimas paisagens da região de Hiroshima.

Já as interpretações trazem nuances interessantes e diversas, seja na ingenuidade e dedicação da jovem Hikari, interpretada por Makita Aju, como no ar amoroso e sereno de Asami Shizue, a dona da instituição interpretada pela veterana Asada Miyoko. Até mesmo o desconforto gerado pela letargia e falta de pulso da sra. Kurihara é um acerto na interpretação contida de Nagasaku Hiromi.

E são justamente essas três mulheres que personificam o título. Três facetas de um arquétipo baseado na abnegação, na entrega e no amor incondicional – qualidades que transcendem laços biológicos, distância física e a própria vida. Cada uma à sua maneira, mães de verdade.

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Ficha técnica

• 朝が来る : Asa ga Kuru
• Título Literal : “A Manhã está Chegando”
• Título Internacional: True Mothers
• Direção : Kawase Naomi
• Info: Japão, 2020 Cor – 140 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt10418630/

Nota

7.0/10

7/10

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Um elefante sentado quieto é baseado no conto homônimo publicado no livro Huge Crack, de Hu Bo. Este é o primeiro e último longa metragem do diretor, que cometeu suicídio, aos 29 anos, pouco antes do filme ser lançado.

A história, que se passa ao longo de um único dia, acompanha quatro pessoas que se sentem encurraladas e sem perspectiva, cada uma delas buscando forças para existir em um mundo cada vez mais cinza e solitário.

A culpa pela morte de um amigo, a normalização da crueldade, a falta de amor familiar e o descaso pelos idosos – todos esses elementos influenciam na composição de um ambiente opressor, uma verdadeira prisão que testa os limites de nossos personagens ao longo de quase 4 horas de filme.

Com 230 minutos de duração, o longa utiliza sem pressa o tempo adequado para apresentar cada um dos protagonistas e seus núcleos, conferindo a individualidade e o realismo necessários para conectá-los com o público. Essa interação crescente é exatamente o que prende a atenção e faz com que a experiência não seja em momento algum maçante ou sem propósito.

Nesse aspecto, vale destacar a entrega de cada um dos atores, com interpretações honestas e transbordando humanidade, que faz com que vejamos ali pessoas reais, enfrentando problemas reais de uma sociedade que se deteriora.

São poucos os diretores que conseguem trabalhar temas tão profundos e reflexivos com tamanha fluidez e sinceridade. É esta sinceridade que cria o clima de cumplicidade e identificação que faz o espectador sentir de forma tão íntima o niilismo e a monotonia cotidiana apresentada na tela.

Sobre o título, sua alegoria transparece o desejo que cada um de nós tem de fugir dos problemas e, por um momento, contemplar com serenidade e quietude o real propósito de nossas vidas.

Com um olhar intimista e repleto de melancolia, Um Elefante Sentado Quieto é uma obra delicada e silenciosa. É um ensaio realista sobre a rotina e a estagnação, sobre a hostilidade e a decadência que aumentam mais e mais as barreiras entre as pessoas.

* O filme venceu o prêmio da crítica em Berlim em 2018, ganhou o prêmio do público no Festival de Hong Kong e os prêmios de melhor filme e roteiro no Golden Horse Award, o mais importante da China.

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Ficha Técnica

• 大象席地而坐 : Da xiang xi di er zuo
• Título Literal : “Um Elefante Sentado no Chão”
• Título Internacional: An Elephant Sitting Still
• Direção : Hu Bo
• Info: China 2018 Cor – 230 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt8020896/

Nota

8.0/10

8/10

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Diretamente da Indonésia, A Noite nos Persegue é um thriller de ação escrito e dirigido por Timo Tjahjanto, diretor que vem desenvolvendo de maneira consistente sua carreira dentro deste nicho do cinema, além de inúmeras incursões pelo terror.

Abraçada pela Netflix, a produção se destaca no catálogo da empresa de streaming dentro de um estilo frenético e violento que certamente irá agradar aos fãs do gênero.

No longa, acompanhamos a história de Ito (Joe Taslim), um dos “seis mares” responsáveis por manter a ordem e o funcionamento das atividades de uma organização mafiosa chinesa. Sua jornada de violência e redenção tem início quando ele resolve poupar a vida de uma garotinha durante o massacre de um vilarejo, virando-se contra seus companheiros e aniquilando sua própria equipe.

A partir desse ponto, o que vemos é uma perseguição desenfreada pelas ruas e becos de Jacarta e o aparecimento de outras importantes peças nesse tabuleiro banhado de sangue.

Com grande parte dos atores tendo trabalhado em obras como os aclamados Operação Invasão 1 e 2, o elenco mostra que a experiência faz a diferença ao entregar lutas e embates de uma plasticidade e fluidez incríveis. Tudo foi muito bem treinado e coreografado para que cada facada desferida, cada osso quebrado e membro decepado sejam compreendidos (e sentidos) pelo espectador. Não apenas o protagonista, mas todo o elenco de apoio faz um bom trabalho, valendo destacar a participação pontual, mas certeira, do astro Iko Uwais no papel de Arian e da talentosa Julie Estelle, como uma misteriosa assassina.

Além da ação, o cuidado com a fotografia também merece ser elogiado, com alguns momentos de inspiração sublime criando cenas de se encher os olhos e que merecem ser apreciadas.

Apesar disso, inconsistências na trama e um roteiro que não se preocupa em apresentar seus personagens fazem com que toda essa plasticidade soe vazia. Temos um conjunto de motivações simplistas, ações sem sentido e consequências descabidas na já batida história do anti-herói que busca expiar seus pecados com uma última boa ação.

Dito isso, é obvio que o diretor apostou suas fichas na crueza da violência e no bom trabalho da equipe de efeitos práticos. Poucos filmes entregam uma experiência tão brutal e explícita, principalmente quando não estamos falando de uma obra de horror. A inventividade e as escolhas estéticas nas lutas são definitivamente a alma de A Noite nos Persegue.

Em resumo, este não é apenas mais um filme de ação. Ou melhor, é, mas esteja preparado para ver pernas e dedos sendo arrancados em closes demorados de uma câmera que tende ao sadismo.

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Ficha técnica

• Malam Datang Untuk Kita
• Título Literal : “A Noite Vem para Nós”
• Título Internacional: The Night Comes for Us
• Direção : Timo Tjahjanto
• Info: Indonésia, 2018 Cor – 121 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt6116856/

Nota

8.0/10

8/10

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O diretor Bong Joon-ho possui uma filmografia variada e com alguns altos e baixos. No entanto, é inegável que o tom inventivo e provocador de suas obras o coloque num patamar diferenciado.

Em Parasita, vemos um de seus melhores trabalhos, onde o humor aliado a uma crítica social mordaz vai conduzindo o espectador por zonas de um desconforto crescente e atroz, onde ninguém – personagens ou público – sai ileso.

Acompanhamos as desventuras e a miséria diária da família Kim em uma Coréia de sociedade cada vez mais estratificada, onde o desemprego e a falta de perspectiva, mesmo entre os jovens, são aspectos corriqueiros.

O contraponto vem com a apresentação da riquíssima família Park, cuja frivolidade e afetação são reflexos diretos de quem nunca passou por privações ou dificuldades.

Mas a trama está longe de ser maniqueísta e vai construindo um perfil muito rico de cada um de seus personagens, fazendo com que compaixão e desprezo se misturem enquanto os objetivos e ações de cada um são apresentados.

O diretor é muito eficiente em criar situações cômicas que pouco a pouco vão tomando ares mais tensos e desagradáveis. As risadas arrancadas do público vão dando lugar ao constrangimento e por fim ao completo estarrecimento, quando o incidente final se apresenta.

Com um elenco afiado e muito expressivo, as atuações estão na medida para que o enredo, em muitos momentos mergulhado no absurdo, seja crível e gere a empatia necessária para se conectar com os protagonistas.

Forte candidato ao Oscar de melhor filme estrangeiro, Parasita deve ainda concorrer em outras categorias, sendo aclamado em todos os festivais por onde já passou.

Neste momento em que a humanidade segue cada vez mais endurecida, extremista e desigual, o papel de um filme que nos faz enxergar os absurdos de nossas escolhas enquanto sociedade é primordial. Fica a pergunta: os parasitas sempre estiveram lá, ou nós os criamos?

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Ficha técnica

• 기생충 : Gisaengchung
• Título Literal : “Parasita”
• Título Internacional: Parasite
• Direção : Bong Joon-ho
• Info: Coréia do Sul, 2019 Cor – 132 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt6751668/

Nota

8.0/10

8/10

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Em seu segundo longa metragem, o diretor natural de Singapura, Anthony Chen, apresenta mais um drama que evidencia a fragilidade, os desafios e também as surpresas das relações humanas.

Com um marido cada vez mais distante e frio e tendo de lidar com alunos desmotivados e o baixo reconhecimento profissional, Ling é uma professora de Mandarim que vê sua vida ruindo aos poucos.

Sem filhos, ela acredita que uma gravidez, além da realização de um sonho, seria a solução de grande parte de seus problemas, mas após tratamento médico e inúmeras tentativas fracassadas este objetivo parece estar cada vez mais longe de se concretizar.

É nesse cenário que um de seus alunos passa a se destacar e interagir com ela em vários aspectos de sua vida, suprindo suas angústias e preenchendo os vazios de sua rotina.

O filme apresenta uma cadência que acentua a rotina e evidencia as frustrações, onde as chuvas constantes são também um reflexo metafórico do íntimo dos personagens, em especial dos protagonistas, que parecem isolados em seus abrigos esperando que o tempo se abra para enfim poderem tocar suas vidas.

O longa expande sua discussão ao abordar aspectos da velhice e seus cuidados e também das obrigações e pressões que uma mulher sofre numa cultura tradicional e machista, tanto em sua vida pessoal quanto na profissional.

Contudo, é a relação entre professora e aluno o ponto central da trama, uma relação que vai tomando proporções perigosas quando sentimentos e expectativas começam a mesclar seus contornos. Vale mencionar que no primeiro filme do diretor (Quando Meus Pais Não Estão em Casa), o casal de protagonistas interpretava mãe e filho, e agora, seis anos depois, Koh Jia Ler (Weilun) e Yeo Yann Yann (Professora Ling) se entregam a bem mais que carinhos maternos.

Esta é uma obra singela que apesar de sofrer um pouco com seu ritmo moroso e com a previsibilidade de seu enredo apresenta a sinceridade necessária para fazer deste um filme despretensioso mas reconfortante, como um fim de tarde após as chuvas de verão.

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Ficha técnica

• 热带雨 : Redai yu
• Título Literal : “Chuva Tropical”
• Título Internacional: Wet Season
• Direção : Anthony Chen
• Info: Singapura, Taiwan 2019 Cor – 103 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt9822706/

Nota

7.0/10

7/10

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Conhecido por dramas históricos e grandiosos, como o aclamado Adeus, Minha Concubina de 1993, o diretor chinês Chen Kaige aposta em uma temática repleta de magia para compor uma narrativa tão surreal quanto misteriosa.

Na trama, acompanhamos uma investigação encabeçada pelo perspicaz monge japonês Kûkai (Sometani Shôta), que havia sido chamado à China para tratar o imperador de um estranho mal, e pelo carismático escrivão e poeta, Bai Letian (Huang Xuan).

A inusitada dupla inicia uma jornada em busca da verdade em um cenário repleto de assassinatos violentos e eventos sobrenaturais, frutos de uma maldição lançada por um gato demoníaco em busca de vingança. Com o desenrolar da investigação, os eventos acabam se mostrando ligados ao destino da belíssima concubina do Imperador que havia morrido 30 anos antes.

A primeira coisa a se notar em O Mistério do Gato Chinês é, sem dúvida, sua estética, com fotografia e figurinos que impressionam. Além disso, merece destaque também a ambientação, em especial na recriação da capital imperial de Chang’an, cuja construção do cenário demorou cinco anos devido ao grande número de detalhes, empreitada que consumiu uma enorme fatia do dinheiro de produção. Contudo, é em sua parte visual que o filme também derrapa, ora com efeitos especiais duvidosos para compor as cenas de magia e interação com o gato, ora no exagero carnavalesco de certas cenas.

O foco da história é na extravagante união entre um monge especializado em exorcismo e um poeta, ambos versões ficcionais de figuras históricas, abordadas com mais profundidade no romance que deu origem ao filme. A dupla possui uma boa química em cena e sua interação é um acerto dentro da trama investigativa, com não raros momentos de humor.

O longa começa a adotar tons mais sombrios e dramáticos conforme o mistério que envolve o antigo imperador e sua concubina favorita vai sendo desvendado. Amor e sacrifício passam a ser os motes de uma tragédia anunciada, repleta de reviravoltas e revelações.

O grande numero de flashbacks e personagens pode confundir espectadores desatentos ou que não estão acostumados ao estilo. Além disso, alguns elementos visuais acabam por enfraquecer a trama, distraindo e causando desconforto em momentos variados ao longo do filme.

No geral, o filme consegue se sustentar com sua dose de fantasia mesclada a mistério, mas poderia ter sido mais consistente em suas escolhas, principalmente por ter entre seus personagens um gato preto falante.

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Ficha técnica

• 妖猫传 : Yāo Māo Zhuàn
• Título Literal : “A História do Gato Demoníaco”
• Título Internacional: Legend of the Demon Cat
• Direção : Chen Kaige
• Info: China, Japão 2017 Cor – 129 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt6157626/

Nota

6.0/10

6/10

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Num ambiente de abuso constante e injustiça, até que ponto um ser humano consegue resistir antes de perder a sanidade?

Esta é uma das perguntas que o diretor Jang Cheol-soo busca decifrar em Bedevilled, longa sul-coreano que mescla drama, suspense e horror numa trama simples, mas forte e direta.

Acompanhamos a história de Kim Bok-nam, personagem que empresta seu nome ao título original, e que desde cedo se torna o alvo de abusos físicos e psicológicos dos poucos moradores de uma pequena ilha coreana. Por ser a única mulher jovem da comunidade, é tratada praticamente como uma escrava pelas outras mulheres e abusada pelos homens.

Suas únicas fontes de alegria são sua filha pequena e também as lembranças que guarda de sua amiga de infância, Hae-won. A esperança de alguma redenção surge justamente quando esta amiga, fugindo do stress de Seul, retorna à ilha para passar alguns dias.

As diferenças entre a vida de ambas as mulheres e a postura delas diante das situações cotidianas criam um enorme contraste e amplificam a sensação de injustiça e desespero que permeia toda a obra. É um embate entre dois mundos que parecem ser irreconciliáveis.

Diante de tantas atrocidades e desprezo, é com um recompensador sadismo que o espectador assiste ao último ato do longa, um momento de catarse e libertação banhado à sangue. É então que Bedevilled entrega um horror mais gráfico e violento que foi um dos responsáveis pelo sucesso do filme na época de seu lançamento.

No fim, apenas um gosto amargo persiste juntamente de outra pergunta: o que precisamos perder para seguir adiante?

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Ficha técnica

• 김복남 살인사건의 전말 : Kim Bok-nam salinsageonui jeonmal
• Título Literal : “A História Completa do Caso de Assassinato de Kim Bok-nam”
• Título Internacional: Bedevilled
• Direção : Jang Cheol-soo
• Info: Coréia do Sul, 2010 Cor – 115 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt1646959/

Nota

8.0/10

8/10

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Dirigido por Takita Yôjirô, A Partida é um drama japonês que aborda uma questão tão natural quanto incômoda: a morte e também a maneira como lidamos com os mortos.

O filme acompanha Daigo, um violoncelista que fracassou em sua carreira de músico em Tóquio e que se vê obrigado a retornar para sua cidade natal em busca de uma vida melhor junto de sua esposa.

Inusitadamente, a procura por uma nova ocupação acaba transformando nosso protagonista no aprendiz de um nôkanshi – uma espécie de agente mortuário que, de forma ritualística e tradicional, prepara um corpo para seu funeral.

Livremente inspirado na biografia de Aoki Shinmon (Coffinman: O Diário de um agente mortuário budista – 納棺夫日記 Nōkanfu Nikki), o diretor explora em sua trama o preconceito enfrentado por um grupo de pessoas que tem de lidar com algo que é um enorme tabu no Japão, ainda hoje.

Taxados de intocáveis (部落民 Burakumin), profissionais que lidam com a morte sofrem com a discriminação e o ostracismo desde a era feudal japonesa, momento em que foram obrigados a viver em locais afastados do restante da população por serem considerados impuros.

Com um enredo poético e sensível, o longa mostra os desafios que Daigo terá de enfrentar, incluindo a rejeição de sua esposa, o afastamento dos amigos além de questões relacionadas à sua família e infância.

Além disso, o filme traz como contraponto um singelo convite à vida, mostrando que mesmo nas situações cotidianas cada pequeno momento pode ser desfrutado com plenitude e leveza.

A trilha sonora (toda orquestrada para violoncelo) também merece destaque, em especial nas partes em que se funde com a interpretação do protagonista, aumentando nosso vinculo e imersão em momentos de grande ternura e sensibilidade.

Sobre as atuações não há como deixar de citar a performance do veterano Yamazaki Tsutomu no papel do mestre de ofício, Sasaki: uma mistura de indiferença e solenidade com leves toques de humor que faz dele um dos personagens mais carismáticos da trama.

Alias é através de personagens cativantes e muito bom humor que A Partida consegue mostrar de maneira respeitosa e humana algo normalmente evitado e pouco discutido. Uma obra emocionante que certamente leva os espectadores a uma delicada reflexão.

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Ficha técnica

• おくりびと : Okuribito
• Título Literal : “Aquele que acompanha a partida/funeral”
• Título Internacional: Departures
• Direção : Takita Yôjirô
• Info: Japão, 2008 Cor – 130 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt1069238/

Nota

9.0/10

9/10

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Inspirado por um conto do folclore coreano, Medo (mais um título nacional medíocre para uma obra de arte) é um filme que consegue unir mistério, terror e drama de forma muito bem estruturada em uma história inquietante e surpreendente.

A trama tem seu início em um hospital psiquiátrico onde a jovem Su-mi, com um quadro de choque pós-traumático, está para receber alta de seu tratamento para psicose. Após sua saída, a garota retorna para a casa de sua família, uma residência isolada no campo, juntamente com seu pai e sua irmã mais nova, Su-yeon.

A tranquilidade do retorno e a cumplicidade e alegria das irmãs logo são abaladas pela presença aterradora de sua madrasta, além de sonhos e situações bizarras que começam a por em cheque a sanidade dos moradores da casa.

O enredo é muito hábil em criar situações extremamente desconfortáveis e intrigantes, onde o clima de tensão vai se intensificando à medida que um mistério vai sendo construído.

O clima de surrealismo e loucura é potencializado pela bela fotografia e também pelas atuações, em especial a madrasta, vivida pela atriz Yum Jung-ah.

Mas o que realmente faz do longa uma obra a ser revisitada é sua história, que consegue amarrar com muita elegância um conto de tragédia e vingança, sem escorregar pelos clichês do gênero. Claro que temos alguns jump scares e as tradicionais aparições com longos cabelos negros, mas nada disso é feito de forma gratuita, o que só evidencia a sagacidade do roteiro.

A história pode parecer confusa para alguns espectadores, e o drama e a cadência do filme talvez incomodem os fãs do terror main stream, mas esta obra, com certeza, merece um lugar de destaque dentro do prolífico cinema de horror oriental.

* Uma curiosidade final: o título original, Janghwa, Hongryeon (Rosa, Lótus Vermelha), é o nome das irmãs do conto que serviu de base para o filme. Tanto os nomes do conto como das personagens do longa (Su-mi, Su-yeon) trazem os caracteres de rosa e lótus.

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Ficha técnica

• 장화, 홍련 : Janghwa, Hongryeon
• Título Literal : “Rosa, Lotus Vermelha”
• Título Internacional: A Tale of Two Sisters
• Direção : Kim Jee-woon
• Info: Coréia do Sul, 2003 Cor – 114 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0365376/

Nota

9.0/10

9/10

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Operação Manila, ou BuyBust no original, é um filme de ação e investigação dirigido por Erik Matti, diretor filipino com experiência em filmes policiais e de suspense.

Na trama acompanhamos a agente especial Nina, traumatizada por ser a única sobrevivente em uma operação comprometida por policiais corruptos, se preparando para uma missão junto de uma nova equipe para capturar um poderoso chefão das drogas.

Após o interrogatório de um traficante pelas autoridades, surge a oportunidade de se capturar Biggie Chen, o líder do cartel, mas para isso eles precisam adentrar na enorme favela de Gracia ni Maria, no distrito de Tondo em Manila.

O início do filme é promissor, com uma abordagem mais tática e com foco no treinamento dos agentes, estabelecendo a personalidade de cada membro do esquadrão assim como a importância do trabalho em equipe.

Após a entrada na favela, o que vemos é o caos crescente e cenas de ação e brutalidade numa verdadeira corrida pela sobrevivência.

O grande trunfo do filme reside justamente aí. Gracia ni Maria é um mundo à parte com suas vielas e barracos formando um verdadeiro labirinto, onde tanto traficantes como moradores representam um perigo real e traiçoeiro.

Claramente inspirado por filmes como Operação Invasão, o diretor se esforça em construir um universo aterrador e claustrofóbico, em que cada centímetro precisa ser conquistado para se alcançar a liberdade.

Uma pena que as cenas de ação e o enredo não consigam acompanhar a incrível ambientação e a belíssima fotografia, trazendo combates e lutas irregulares, ora muito bem arquitetadas, ora pobremente coreografadas, além de decisões absurdas por parte de um esquadrão tão bem treinado.

Outro ponto negativo são os vários exageros que comprometem a imersão do telespectador na trama, fazendo com que a preocupação que sentíamos pelos protagonistas desapareça ao longo do filme.

Apesar disso o longa tem seu mérito, seja por sua inventividade como também pela clara crítica social que faz tanto à corrupção quanto ao governo do presidente das Filipinas, Rodrigo Duterte, em sua controversa e abusiva política de combate às drogas.

Operação Manila é um filme com uma boa dose de ação e com uma escolha certeira do local onde a trama se desenrola. Tivessem investido um pouco mais no roteiro e na coreografia de seus atores e esta seria uma obra a ser lembrada e celebrada.

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Ficha técnica

• BuyBust
• Título Literal : Compra e Apreensão
• Título Internacional: BuyBust
• Direção : Erik Matti
• Info: Filipinas, 2018 Cor – 127 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt5938084/

Nota

6.0/10

6/10

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