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Lançado em 2017, Os Escravos de Satanás é um filme indonésio dirigido por Joko Anwar e cujo enredo gira em torno de uma família atormentada pela doença misteriosa de sua matriarca, pelo luto e por segredos passados que vão culminar em eventos sobrenaturais e aterrorizantes.

Baseado em uma obra de mesmo nome do início da década de 80, este foi um projeto especialmente requisitado pelo diretor, já que o filme original marcou sua infância e foi um dos títulos que o motivou a trabalhar com cinema.

Ambientado em 1981, o longa explora aspectos da religiosidade local e também o clima de superstição que ronda pequenos vilarejos rurais onde o isolamento e o cenário pitoresco contribuem para a criação de um ambiente inquietante, em especial para os filhos da família.

Apesar da história central manter elementos do original, o diretor buscou adicionar mais complexidade à trama e também emular algumas tendências de filmes de horror ocidentais, o que talvez não tenha sido uma escolha tão acertada, ainda mais levando-se em conta que a versão anterior ganhou ares de filme cult dentro do gênero.

Entrando mais especificamente na trama, é inegável que a figura da mãe moribunda e posteriormente sua morte criam uma atmosfera sinistra na casa, o que é potencializado pelas aparições e eventos sobrenaturais que começam a atormentar os mais jovens. Contudo, quando as explicações sobre a origem da maldição e as formas para se combater o mal são abordadas, o filme perde tanto em ritmo quanto na capacidade de assustar. Aliás, o “especialista” sobre os assuntos diabólicos com seus artigos publicados em uma revista duvidosa chegam a ser risíveis. Já no clímax, é impressionante como de uma hora para outra todos resolvem abandonar o que parecia ser o objetivo principal do filme e seguir adiante como se nada de fato tivesse importado. Apesar disso, a tensão criada, a excelente fotografia e alguns sustos certeiros fazem com que a experiência não seja arruinada.

Sobre as intepretações, nada muito especial. Tara Basro está ok em sua atuação no papel de Rini, mas o destaque fica mesmo para o carismático ator mirim que vive o filho mudo da família, M. Adhiyat.

Para finalizar, Os Escravos de Satanás oferece uma visão interessante do horror sobrenatural e da cultura indonésia, mas alguns tropeços prejudicam a integridade da obra, especialmente em seu terceiro ato. Felizmente Anwar parece ter aprendido a lição, já que em sua próxima incursão pelo terror temos o ótimo Impetigore (2019) e também a continuação O Escravos de Satanás 2 (2022), que foi mais bem recebido pela crítica, mas isso é assunto para outra resenha.

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Ficha técnica

• Pengabdi Setan
• Título Literal : “Servos de Satanás”
• Título Internacional: Satan’s Slaves
• Direção : Joko Anwar
• Info: Indonésia, 2017 Cor – 107 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt7076834/

Nota

6.0/10

6/10

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Dentre os inúmeros subgêneros presentes quando o assunto é cinema de horror, existe um que, invariavelmente, acaba sendo mais perturbador do que assustador: O found footage, ou aquele que simula gravações obtidas através de filmadoras, telefones celulares, fitas de segurança e afins.

Ao aproximar, nós espectadores, do cotidiano dos protagonistas e nos colocar como observadores de algo privado e muitas vezes proibido, esse estilo acaba por aumentar nossa imersão na trama ao mesmo tempo em que diminui nossa capacidade de descrença.

Depois de um enorme boom de filmes do gênero alguns anos atrás, o mercado ficou saturado de obras esquecíveis e de baixíssima qualidade. Justamente por isso é que me surpreendi positivamente ao assistir a nova aposta da Netflix, Marcas da Maldição.

Dirigido por Kevin Ko, o longa taiwanês segue a história de Li Ronan (Tsai Hsuan-yen) enquanto ela luta para proteger sua filha Dodo (Huang Sin-ting) de uma antiga maldição. Com uma atmosfera misteriosa e repleta de situações escabrosas, o filme entrega ainda ótimas performances de seu elenco e uma história que, apesar de previsível, é construída de forma descente e interessante.

Marcas da Maldição mescla de forma primorosa os entraves que uma mãe precisa enfrentar para recuperar a guarda de sua filha ao mesmo tempo em que se vê às voltas com um mal crescente à espreita. Embora o conflito inicial decorra de um encontro sobrenatural, é a necessidade de fornecer um lar estável em meio à turbulência pessoal que ancora o filme tematicamente.

Sobre o estilo de filmagem, o longa se utiliza de uma variedade de recursos para justificar os diferentes tipos de gravações, o que funciona em muitas situações, mas chega a cansar em outras, principalmente quando as explicações e as decisões tomadas pelos personagens não se sustentam.

Outro ponto que pode prejudicar a experiência do filme são as infinitas quebras na linha temporal, com a história ora se passando no passado, ora no presente o que acaba por esfriar o clima de tensão gerado em momentos cruciais da história.

Apesar disso, as ótimas atuações, em especial das atrizes que interpretam mãe e filha, conseguem sustentar bem a trama e fazer com que o filme avance. Outro ponto interessante que faz com que o filme se destaque, é a chamada à participação ativa do espectador, colocando-o como parte fundamental da narrativa enquanto é bombardeado por imagens inquietantes e grotescas.

Por fim, não podemos deixar de apontar a riquíssima iconografia religiosa que subverte o que conhecemos do budismo ao apresentar rituais e costumes tão bizarros quanto fascinantes.

Marcas da Maldição é bem sucedido em trazer um frescor a esse subgênero de terror já tão desgastado. Com uma atmosfera inquietante e perturbadora, esse é o tipo de filme que consegue deixar uma impressão duradoura em quem se atrever a pronunciar: HOU-HO-XIU-YI, SI-SEI-WU-MA …

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Ficha técnica

• 咒 : Zhou
• Título Literal : Maldição
• Título Internacional: Incantation
• Direção : Kevin Ko
• Info: Taiwan 2022 Cor – 110 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt18968540/

Nota

7.0/10

7/10

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O cinema de horror é um terreno fértil capaz de produzir vilões e criaturas aterrorizantes, mas são poucos os que conseguem resistir à prova do tempo, superar o esquecimento e se fixar no imaginário coletivo do público.

Nesse aspecto, temos duas franquias japonesas que, após duas décadas de seus respectivos lançamentos e com mais de uma dúzia de filmes cada uma, conseguiram alcançar esse status: estou falando de O Chamado, lançado em 1998 e de O Grito, que já dava as caras nesse mesmo ano de forma experimental em alguns curtas.

Difícil encontrar alguém que não tenha assistido alguma das dezenas de filmes, remakes, reboots, paródias e séries ou que não conheça a assustadora imagem de Sadako saindo do poço com seus cabelos negros e compridos ou do pitoresco menininho azul, Toshio.

É natural, então, que após tanto tempo na ativa a inspiração e a criatividade comecem a fraquejar, abrindo espaço para produções sofríveis e de baixa qualidade, meramente interessadas em lucrar com esta prolongação.

Já faz tempo que não temos obras interessantes de ambas as franquias, salvo algumas coisas pontuais (como a série O Grito – Origens, de 2020) que até tentam, mas não chegam aos pés dos longas de meados dos anos 2000.

Tanto desgaste poderia significar o fim, mas eis que uma pegadinha de primeiro de abril e uma forte campanha dos fãs acabaria por unir os dois universos em um projeto no mínimo inusitado: Sadako enfrentando Kayako numa disputa para ver qual maldição prevalece.

Dirigido por Shiraishi Kōji, o longa de trama simples e previsível acompanha duas narrativas que eventualmente se cruzam para o confronto anunciado no título. De um lado temos duas amigas às voltas com uma fita de vídeo amaldiçoada, do outro uma garota atormentada por visões de uma casa abandonada de sua vizinhança.

Após mortes estranhas, exorcismos e a ajuda de especialistas que parecem não entender de fato coisa alguma, o enredo deixa claro que a única esperança é fazer com que as assombrações disputem entre si a alma das pobres meninas apostando que uma aniquile a outra no processo.

É justamente nesse absurdo que reside o trunfo do filme. Ao não se levar tanto a sério e nem tentar competir com as obras anteriores, a história consegue entregar tensão e sustos ao mesmo tempo em que abraça atuações medianas e efeitos visuais duvidosos que causam mais risos que medo. Para algo que surgiu como uma brincadeira no dia da mentira, não poderíamos esperar mais do que foi apresentado.

Depois que O Chamado vs O Grito foi lançado já saíram mais alguns filmes e séries de ambos os universos mostrando que a falta de bom senso dos roteiristas e diretores e a ganância dos estúdios talvez seja a verdadeira maldição a ser enfrentada.

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Ficha técnica

• 貞子vs伽椰子: Sadako vs. Kayako
• Título Literal : Sadako vs. Kayako
• Título Internacional: Sadako vs. Kayako
• Direção : Shiraishi Kōji
• Info: Japão, 2016 Cor – 98 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt5309954/

Nota

5.0/10

5/10

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Nestes últimos anos o mundo tem voltado seus olhos com mais atenção para o mercado de entretenimento sul-coreano, em especial pelo sucesso que o K-pop e os Dramas tem feito no ocidente. Este movimento se tornou ainda mais evidente depois que Parasita levou 4 oscares para casa, incluindo o de melhor filme, além de outras premiações de peso pelos festivais que passou.

Apostando nessa tendência a Netflix tem expandido seu catálogo com ótimas produções coreanas, entre elas um suspense carregado de mistério e estilo que tem impressionado o público: trata-se do filme A Ligação.

Dirigido pelo estreante Lee Chung-hyun, o longa nos apresenta a história de Seo-Yeon que acaba de retornar para sua antiga casa para visitar a mãe doente que está internada. A relação entre ambas é fria, pois a garota culpa a mãe pela morte de seu pai anos antes em um incêndio. Na casa ela encontra um antigo telefone sem fio e passa a receber ligações de uma estranha chamada Young Sook. Aos poucos ambas percebem que estão de fato vivendo na mesma casa, mas em épocas diferentes. As implicações desta conexão temporal irão alterar de forma imprevisível e perigosa a vida das duas garotas e das pessoas ao seu redor.

A princípio a trama não apresenta nenhuma novidade para o gênero, aliás o filme é o remake de uma produção britânica / porto-riquenha de 2011, contudo, as escolhas feitas pelo diretor acabam elevando a experiência e transformando o longa em algo instigante e melhor que seu antecessor.

Com um enredo bem amarrado e inteligente, a história prende desde o início e consegue manter a atenção ao longo de suas quase duas horas de suspense, drama e também terror.

A fotografia acerta com uma ambientação caprichada cujo jogo de cores e luzes valorizam os sentimentos de cada cena. Além disso, os efeitos especiais que representam as mudanças na linha do tempo são carregados de estilo com alterações físicas intrincadas e até poéticas que trazem certa inovação para os filmes do gênero.

Outro ponto forte é a atuação das protagonistas que conseguem passar, cada uma à sua maneira, a fragilidade, o desespero e também a loucura de suas personagens. O destaque vai para a jovem atriz Jun Jong-seo, que atuou anteriormente no ótimo Em Chamas e que aqui interpreta de forma intensa a assustadora Young Sook.

De qualquer forma, nem tudo é perfeito em A Ligação. Seja por algumas decisões pouco críveis dos personagens ou pela ineficácia investigativa da polícia, é preciso fechar os olhos para alguns pontos da trama para que o filme flua sem causar frustração. Além disso, o final também não é uma unanimidade, em especial algumas cenas pós-créditos que muitos preferem ignorar para não ter a experiência arruinada.

Dito isto, A Ligação continua sendo um ótimo filme de crime e mistério que de forma gradual e empolgante vai revelando este quebra-cabeça capaz de transcender o tempo.

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Ficha técnica

• 콜 : Kol
• Título Literal : “A Ligação”
• Título Internacional: The Call
• Direção : Lee Chung-hyun
• Info: Coréia do Sul, 2020 Cor – 112 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt10530176/

Nota

7.0/10

7/10

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Lançado no ano de 1964 e dirigido por Kobayashi Masaki, Kwaidan é aclamado pela crítica como uma das grandes obras clássicas do horror japonês, tanto por seu lirismo como pela sua estética.

Composto por quatro histórias independentes, esta antologia tem como material base alguns livros do escritor de origem grega Lafcadio Hearn, em especial a obra “Kwaidan: Histórias e Estudos sobre Coisas Estranhas”, lançado em 1904. Curioso destacar que Hearn se mudou para o Japão em 1890 como correspondente de um jornal e lá acabou se apaixonando não só pelo país como também pela filha de uma tradicional família de samurais com quem se casou. Após se naturalizar cidadão japonês, o escritor adota o nome Koizumi Yakumo e se dedica até o fim de sua vida a escrever sobre a cultura, as tradições e as peculiaridades da terra do sol nascente.

Os contos selecionados pelo diretor para integrar seu filme são: O Cabelo Negro (黒髪, Kurokami), que conta a trajetória de um samurai que abandona sua mulher em busca de fama e riqueza e que se arrepende anos depois; A Mulher da Neve (雪女, Yukionna), que trata do encontro de um lenhador com uma entidade sobrenatural durante uma nevasca e do poder de uma promessa; Hoichi, o Sem Orelhas (耳無し芳一の話, Miminashi Hōichi no Hanashi), sobre um monge cego que é convocado para entreter uma comitiva fantasmagórica cantando poemas sobre uma antiga batalha; e por fim Em uma Xícara de Chá (茶碗の中, Chawan no Naka), que descreve a estranha aparição de um rosto no reflexo de uma xícara e como isso pode conduzir um homem à loucura.

Apesar de serem histórias sem uma relação direta, todas trazem elementos sobrenaturais e de grande estranheza, elementos pertencentes a um mundo onde folclore e realidade se misturam e onde o fantástico está tão presente quanto em um conto de fadas.

Para criar um mundo tão belo quanto assustador, o diretor optou por gravar a maioria das cenas no interior de um hangar de aviões, reproduzindo céus, florestas e mares com cores fortes e vibrantes em cenários pintados com elementos surreais ao fundo, criando uma fotografia onírica e com pinceladas expressionistas, um complemento perfeito à temática do longa.

Com um tom lento e poético, a obra expõe pouco a pouco o interior de seus protagonistas, suas paixões, falhas e medos. A narrativa também se apoia no lirismo e no silêncio para preencher as mais de três horas de filme, ponto que pode incomodar alguns espectadores.

O filme foi lançado no Brasil como Kwaidan – As Quatro Faces do Medo, evidenciando, mais uma vez, a obsessão nacional por traduções e subtítulos que expliquem o conteúdo da obra.

Um fato curioso é que apesar de ter sido nomeado para o Oscar de melhor filme estrangeiro e de ter saído como ganhador do prêmio especial do júri em Cannes, a recepção por parte do público estrangeiro na época não foi das mais calorosas. A audiência esperava que um filme de horror japonês tivesse uma trama mais dinâmica e cheia de ação e efeitos especiais aos moldes de Godzilla, lançado em 1954.

Kwaidan é sem dúvida uma obra de arte em seu sentido mais literal, provocando nossos sentidos e nos levando à contemplação e à reflexão. Mais do que assustar, o filme nos conduz por uma experiência sensível e mágica pela cultura e folclore japonês.

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Ficha técnica

• 怪談: Kaidan
• Título Literal : Histórias de Fastasma
• Título Internacional: Kwaidan
• Direção : Kobayashi Masaki
• Info: Japão, 1964 Cor – 183 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0058279/

Nota

7.0/10

7/10

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Num ambiente de abuso constante e injustiça, até que ponto um ser humano consegue resistir antes de perder a sanidade?

Esta é uma das perguntas que o diretor Jang Cheol-soo busca decifrar em Bedevilled, longa sul-coreano que mescla drama, suspense e horror numa trama simples, mas forte e direta.

Acompanhamos a história de Kim Bok-nam, personagem que empresta seu nome ao título original, e que desde cedo se torna o alvo de abusos físicos e psicológicos dos poucos moradores de uma pequena ilha coreana. Por ser a única mulher jovem da comunidade, é tratada praticamente como uma escrava pelas outras mulheres e abusada pelos homens.

Suas únicas fontes de alegria são sua filha pequena e também as lembranças que guarda de sua amiga de infância, Hae-won. A esperança de alguma redenção surge justamente quando esta amiga, fugindo do stress de Seul, retorna à ilha para passar alguns dias.

As diferenças entre a vida de ambas as mulheres e a postura delas diante das situações cotidianas criam um enorme contraste e amplificam a sensação de injustiça e desespero que permeia toda a obra. É um embate entre dois mundos que parecem ser irreconciliáveis.

Diante de tantas atrocidades e desprezo, é com um recompensador sadismo que o espectador assiste ao último ato do longa, um momento de catarse e libertação banhado à sangue. É então que Bedevilled entrega um horror mais gráfico e violento que foi um dos responsáveis pelo sucesso do filme na época de seu lançamento.

No fim, apenas um gosto amargo persiste juntamente de outra pergunta: o que precisamos perder para seguir adiante?

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Ficha técnica

• 김복남 살인사건의 전말 : Kim Bok-nam salinsageonui jeonmal
• Título Literal : “A História Completa do Caso de Assassinato de Kim Bok-nam”
• Título Internacional: Bedevilled
• Direção : Jang Cheol-soo
• Info: Coréia do Sul, 2010 Cor – 115 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt1646959/

Nota

8.0/10

8/10

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Inspirado por um conto do folclore coreano, Medo (mais um título nacional medíocre para uma obra de arte) é um filme que consegue unir mistério, terror e drama de forma muito bem estruturada em uma história inquietante e surpreendente.

A trama tem seu início em um hospital psiquiátrico onde a jovem Su-mi, com um quadro de choque pós-traumático, está para receber alta de seu tratamento para psicose. Após sua saída, a garota retorna para a casa de sua família, uma residência isolada no campo, juntamente com seu pai e sua irmã mais nova, Su-yeon.

A tranquilidade do retorno e a cumplicidade e alegria das irmãs logo são abaladas pela presença aterradora de sua madrasta, além de sonhos e situações bizarras que começam a por em cheque a sanidade dos moradores da casa.

O enredo é muito hábil em criar situações extremamente desconfortáveis e intrigantes, onde o clima de tensão vai se intensificando à medida que um mistério vai sendo construído.

O clima de surrealismo e loucura é potencializado pela bela fotografia e também pelas atuações, em especial a madrasta, vivida pela atriz Yum Jung-ah.

Mas o que realmente faz do longa uma obra a ser revisitada é sua história, que consegue amarrar com muita elegância um conto de tragédia e vingança, sem escorregar pelos clichês do gênero. Claro que temos alguns jump scares e as tradicionais aparições com longos cabelos negros, mas nada disso é feito de forma gratuita, o que só evidencia a sagacidade do roteiro.

A história pode parecer confusa para alguns espectadores, e o drama e a cadência do filme talvez incomodem os fãs do terror main stream, mas esta obra, com certeza, merece um lugar de destaque dentro do prolífico cinema de horror oriental.

* Uma curiosidade final: o título original, Janghwa, Hongryeon (Rosa, Lótus Vermelha), é o nome das irmãs do conto que serviu de base para o filme. Tanto os nomes do conto como das personagens do longa (Su-mi, Su-yeon) trazem os caracteres de rosa e lótus.

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Ficha técnica

• 장화, 홍련 : Janghwa, Hongryeon
• Título Literal : “Rosa, Lotus Vermelha”
• Título Internacional: A Tale of Two Sisters
• Direção : Kim Jee-woon
• Info: Coréia do Sul, 2003 Cor – 114 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0365376/

Nota

9.0/10

9/10

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Preparados para uma viagem surreal e bizarra? House, um horror com tons satíricos dirigido e produzido por Obayashi Nobuhiko em 1977, é um filme de estética única que, apesar de estranho, carrega uma aura Cult e repleta de experimentações.

A trama acompanha uma estudante viajando para o campo junto de seis colegas de classe para passar as férias na casa de uma tia que não vê há anos. Lá a turma de garotas se depara com forças sobrenaturais, precisando lutar desesperadamente para não serem consumidas pela casa.

Com um elenco formado quase que exclusivamente por amadores, o filme, acreditem, foi a aposta do tradicional estúdio Toho para competir com o grande sucesso que o filme Tubarão estava fazendo no ocidente.

É curioso destacar que grande parte das ideias incorporadas no script foram sugestões dadas pela filha do diretor, apenas uma criança à época das filmagens. A intenção era criar uma atmosfera que desafiasse a lógica e que não pudesse ser explicada pela mente de um adulto.

Mas certamente, o ponto alto do filme é a massiva utilização de efeitos especiais, misturando elementos práticos, cenários pintados, sobreposição de imagens e muito fundo azul. Além desses recursos, fotografia e edição também foram empregadas de forma muito inventiva e pouco convencional gerando um resultado propositalmente irreal.

Outra característica marcante é a trilha sonora, tão variada e psicodélica quanto a parte visual, sendo reproduzida de forma quase constante. Essa onipresença musical em muitos momentos gera desconforto e parece desbalanceada, chegando a abafar a fala dos atores em cena e só aumentando o clima de estranheza do longa.

Analisado meramente como um filme, podemos apontar inúmeros pontos falhos na elaboração de House, seja pela trama simplista, pelas atuações risíveis ou pelos excessos estilísticos do diretor. Contudo é inegável que enquanto experiência cinematográfica e sinestésica, Obayashi criou um verdadeiro tesouro sensorial, um sonho febril que não deixará espectador algum indiferente.

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Ficha técnica

• ハウス : Hausu
• Título Literal : “Casa”
• Título Internacional: House
• Direção : Obayashi Nobuhiko
• Info: Japão, 1977 Cor – 88 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0076162/

Nota

6.0/10

6/10

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Filmes de zumbi atravessam ciclos de popularidade, mas este subgênero nunca deixou seus fãs carentes de novos títulos. E talvez, por já terem sido explorados à exaustão, os roteiros que abordam essa temática já não sejam capazes de surpreender o público com tanta facilidade.

Não é o caso de Invasão Zumbi que, apostando numa ambientação claustrofóbica e angustiante, consegue ao mesmo tempo impor um ritmo dinâmico com boas doses de ação e drama.

A trama é centrada em um administrador de investimentos divorciado cuja atenção é totalmente voltada para a própria carreira, o que acaba por deixar sua filha pequena em segundo plano. Para tentar corrigir essa situação, ele decide na véspera do aniversário da garota levá-la para visitar a mãe em outra cidade.

Ambos embarcam então num trem com destino à Busan, sem saber que uma epidemia começava a eclodir pelo país. A descoberta do que realmente está acontecendo só fica clara quando o caos já está instaurado nos vagões devido ao embarque de uma passageira infectada. A partir daí, todos devem lutar por suas vidas enquanto o trem busca uma parada segura e o número de zumbis aumenta.

Sobre os zumbis, alias, não há muito que comentar, mas é sempre bom ver diretores que buscam dar um novo enfoque à mitologia desses seres. Aqui os mortos-vivos não possuem aquela clássica lentidão e apatia, ao invés disso são seres selvagens e frenéticos totalmente focados em suas vítimas e guiados pelo estímulo visual.

Essa escolha rende excelentes cenas de perseguição quando a ação parte para os espaços abertos e confere uma enorme tensão no interior dos vagões.

Além de pai e filha, temos outros personagens de destaque no filme, e a atenção e o foco narrativo são bem distribuídos entre cada um dos núcleos. Abraçando figuras estereotipadas, como por exemplo, o empresário ganancioso, o esportista, e o cara durão com um bom coração, essas características servem bem à trama e fazem com que a identificação com os personagens seja eficiente dentro de uma estrutura que carece de tempo para maior desenvolvimento de seus protagonistas.

E graças a essa empatia gerada, o filme consegue se sustentar nos momentos de drama explorando situações comoventes de perda e até de certa poesia. Muito mais que um mero terror, é um filme capaz de emocionar e de fazer os espectadores refletirem sobre quem são os verdadeiros monstros da história.

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Ficha técnica

• 부산행 : Busanhaeng
• Título Literal : “Para Busan”
• Título Internacional: Train to Busan
• Direção : Yeon Sang-ho
• Info: Coréia do Sul, 2016 Cor – 118 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt5700672/

Nota

8.0/10

8/10

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No limiar entre a realidade e o mundo da fantasia, A Floresta é um intrigante drama que explora experiências universais da infância, assim como dilemas morais da vida adulta.

Escrito e dirigido por Paul Spurrier, cineasta britânico fluente em tailandês e o primeiro ocidental a fazer um filme nesta língua, A Floresta conta a história de Preecha, um professor novato que decide vivenciar a realidade fora dos muros de um templo após ter dedicado dez anos de sua existência como monge.

Acreditando no poder transformador da educação e do comprometimento, ele logo tem seus métodos e sonhos colocados à prova num ambiente estagnado e fadado a sucumbir devido à falência moral e econômica.

Acolhedor, Preecha tenta combater o bullying sofrido por Ja, garota aparentemente muda que é alvo de constantes ataques por parte de outras alunas. Seu esforço em instruir e levar as crianças a praticar o bem acaba entrando em conflito com os interesses do diretor e causando a ira do chefe comunitário, o que pode por fim à sua carreira. Ambos, professor e aluna, são figuras sensíveis que tentam lutar contra as adversidades que encontram pelo caminho, mas que sozinhos não parecem ter forças para prosseguir.

Nesse ponto, a trama passa a dar mais enfoque à rotina de Ja. Solitária e vivendo num local ermo junto ao pai pobre e alcoólatra, a garota não parece receber afeto de nenhuma das pessoas que cruzam seu caminho. A vida de Ja começa a mudar quando, ao pegar um atalho pelo interior da floresta, se depara com um menino intimidante e de hábitos selvagens. De início a intenção do garoto é afugentar Ja de seus domínios, mas com o tempo eles estabelecem uma relação de confiança e amizade que faz com que passem cada vez mais tempo juntos.

Vale a pena destacar aqui a atuação dos pequenos protagonistas, que conseguem transmitir suas emoções sem descambar para a caricatura.

Spurrier trabalha de forma alegórica e nos faz questionar a real existência do garoto e suas motivações num primeiro momento do filme. Utiliza também a beleza das locações e a força arrebatadora da natureza para criar um contraponto entre inocência, instinto, amor e morte.

A Floresta é um filme que nos faz refletir sobre o real peso de nossas ações e também levanta a questão do karma pela ótica do budismo. É uma obra que aborda de forma sensível a perda e o luto e que por fim abraça a inevitabilidade de acertos e erros como forma de seguir adiante.

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Ficha técnica

• ป่า : Pa
• Título Literal : “Floresta”
• Título Internacional: The Forest
• Direção : Paul Spurrier
• Info: Tailândia, 2016 Cor – 109 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt4982356/

Nota

7.0/10

7/10

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Poderia apenas dizer que não gosto desse filme, ou mesmo deixar de cita-lo nesse espaço dedicado à cinematografia asiática, contudo, Tetsuo tem sua relevância como marco inicial de uma nova era para o cinema underground ao inspirar muitos outros cineastas a seguirem o caminho da inovação e do experimentalismo, em oposição à inexpressividade e estagnação que assolavam as produções nipônicas desde a década de 70.

Com atuações afetadas, uma história fraca e mal acabada, embrulhada com pouco esmero num papel de presente de mau gosto recendendo à crítica social barata, esta pequena fábula cyberpunk de Tsukamoto acabou por ganhar, com o passar dos anos, uma legião de adoradores, que insistem em atribuir-lhe uma aura “cult” que talvez não mereça.

A história do homem de negócios que aos poucos se torna máquina, o distanciamento e o rigor com que as relações interpessoais são conduzidas e o niilismo que permeia a sociedade das grandes metrópoles com certeza são temas interessantes e de extrema relevância. No entanto, uma boa ideia não é suficiente para se fazer um bom filme.

Apesar disso, alguns pontos têm de ser aplaudidos: com menos de 30 anos na época da produção, o diretor foi, ele próprio, responsável pela criação de parte dos cenários e da caracterização de personagens, usando grande criatividade na maneira como foram realizados os efeitos práticos e também as sequências frenéticas e surreais em stop motion. A isso se somam a Fotografia e a trilha sonora que, de forma intensa, contribuem com a temática sombria e industrial do filme.

Talvez meus gostos pessoais me impeçam de ver certas coisas, talvez o filme seja de fato a obra de arte que muitos defendem com ardor e extremismo, talvez Tetsuo seja mesmo um pequeno grande filme e talvez Tsukamoto seja mesmo um visionário.

Pensando bem… talvez não.

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Ficha técnica

• 鉄男 : Tetsuo
• Título Literal : “Homem de Ferro”
• Título Internacional: Tetsuo: Iron Man
• Direção : Tsukamoto Shinya
• Info: Japão, 1989 Preto e Branco – 67 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0096251/

Nota

3.0/10

3/10

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Contos da Lua Vaga é um romance histórico de fantasia que se passa no período Azuchi-Momoyama (1573-1600) onde o Japão, imerso no caos, passava por uma profunda transformação buscando a unificação política.

A guerra civil começava a ameaçar mesmo os pequenos vilarejos e à população aflita só restava fugir ou sucumbir ante as hordas de guerreiros famintos e cruéis.

Talvez um dos mais conhecidos filmes de Mizoguchi no ocidente, Contos da Lua Vaga é uma história de fantasmas e também um exemplo do gênero jidaigeki, que são os dramas de época japoneses. Além disso, é também o único exemplo em sua filmografia em que o sobrenatural tem papel central e age de forma direta sobre o destino dos protagonistas.

Explorando temas como cobiça, a busca pela glória, a diferença entre castas e a negligência familiar, o filme traça um retrato agridoce do período ao mesmo tempo em que funciona como uma propaganda anti guerra, tema ainda sensível ao Japão pós segunda guerra mundial.

Sobre a trama, temos Genjurô, um camponês que almeja fazer fortuna vendendo utensílios de cerâmica, e seu cunhado, Tôbei, que sonha se tornar um renomado samurai e alcançar a glória. Após uma primeira incursão bem sucedida, ambos decidem atravessar o lago Biwa e tentar a fortuna em um novo mercado, mesmo que suas famílias e a própria integridade estejam em risco.

Mizoguchi compôs a história de Genjurô baseando-se em dois contos presentes no livro Ugestu Monogatari escrito por Akinari Ueda. Já a saga de Tôbei tem seu cerne extraído de Décoré!, escrito por Guy de Maupassant.

Em ambos os casos, temos o peso das escolhas dos personagens afetando suas respectivas esposas e um amadurecimento causado pela falência de seus sonhos e ambições. Vale destacar que os pesares e desafios enfrentados pelas mulheres nesse período de guerra tornaram-se o tema mais proeminente dentro do longa, refletindo talvez um arrependimento do diretor em enaltecer o militarismo e as campanhas de guerra em seus filmes que antecederam a derrota japonesa em 1945.

Com relação à temática sobrenatural, Contos da Lua Vaga virou referência para inúmeras obras japonesas e mesmo ocidentais no gênero do horror ao abordar o relacionamento proibido entre vivos e espíritos, além de utilizar elementos da religião e da mitologia integrados ao cotidiano, mostrando a barreira entre os mundos como uma tênue linha que pode ser atravessada caso alguém se deixe levar pela cobiça ou pelo desejo.

Contos da Lua Vaga é um clássico entre as produções japonesas e um dos principais filmes de Mizoguchi, tendo ganho o Leão de Prata no Festival de Veneza de 1953 e sendo responsável por colocar o cinema nipônico em evidência ainda maior no ocidente.

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Ficha técnica

• 雨月物語: Ugetsu Monogatari
• Título Literal : Contos da Chuva e da Lua
• Título Internacional: Ugetsu
• Direção : Mizoguchi Kenji
• Info: Japão, 1953 Preto e Branco – 96 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0046478/

Nota

7.0/10

7/10

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Neste longa, que é considerado por muitos como o primeiro filme gore da história da sétima arte, acompanhamos um conto moral de culpa e punição onde a passividade pode ser tão nociva quanto as más ações.

Na trama, Shiro, um estudante de teologia, envolve-se em um acidente de carro onde um homem é atropelado. Influenciado por seu companheiro Tamura, ambos fogem sem prestar socorro. Atormentado pela culpa, Shiro resolve procurar a polícia junto de sua noiva, mas repetindo sua sina, é assolado por novas tragédias. Angustiado, ele ruma para a casa de descanso onde sua debilitada mãe reside. Ali ele encontra um antro de iniquidades, repleto de infidelidade, excessos e corrupção.

O cenário só tende a piorar quando o malévolo Tamura surge revelando as falhas morais de todos. É nesse ponto que os pecados e desvios de conduta dos presentes acabam por, literalmente, condena-los ao inferno.

Tamura representa, de certa forma, a personificação do lado obscuro de Shiro, um duplo diabólico que de maneira inexplicável parece conhecer o íntimo de cada um dos personagens do filme, como se fosse um emissário sobrenatural, um arauto da danação.

A partir daqui o filme muda de tom e passa a se destacar das obras feitas até essa época, com uma fotografia inovadora e com representações extremamente gráficas das torturas e tormentos das massas que vagam pelos círculos infernais.

Nesse ambiente onde a agonia e o sofrimento atingem tanto a parte física quanto emocional dos personagens, o diretor utiliza de criatividade e maestria para criar cenas marcantes e perturbadoras. Vale observar com atenção como luz, cores e sombras foram empregadas para criar um ambiente surreal e estranhamente belo.

É curioso destacar que o diretor Nakagawa Nobuo não esperava que o filme fosse bem recebido pelo público, pois o estúdio Shintoho (新東宝株式会社 Shintoho kabushiki kaisha), responsável pelas filmagens, era também responsável por produções ruins e de baixo orçamento.

Jigoku foi um filme feito às pressas, e foi também a última produção do estúdio antes de declarar falência. Em um documentário disponível na edição lançada pela Criterion, o ator que interpreta Tamura, Numata Youichi, contou que, normalmente, apenas o pessoal de suporte era responsável pela montagem e manutenção dos sets, mas por se tratar da última produção do estúdio, houve comoção e comprometimento por parte de todos, inclusive de atores e figurantes, que também passaram a ajudar na montagem.

Talvez por isso o filme tenha sido tão inovador para a época, já que a falta de recursos fez com que o diretor usasse de toda sua habilidade e inventividade para compor este que hoje é considerado um clássico do terror japonês.

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Ficha técnica

• 地獄 : Jigoku
• Título Literal : “Inferno”
• Título Internacional: The Sinners of Hell
• Direção : Nakagawa Nobuo
• Info: Japão, 1960 Cor – 101 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0154683/

Nota

6.0/10

6/10

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Baseado no mangá de mesmo nome escrito por Yamamoto Hideo, o filme nos transporta a um cenário frequentemente visitado pelo diretor Miike Takashi: a Yakuza.

Nesse longa, lealdade e violência são mostradas de forma extrema, grotesca e de certa maneira cartunesca, em situações que podem incomodar mesmo os fãs do gênero que não estejam habituados às excentricidades do diretor.

Apesar do título, o grande destaque dessa obra é Kakihara, vivido por Asano Tadanobu em uma interpretação pitoresca e com certeza memorável. O sadismo com que conduz suas ações e sua busca pessoal pelo sofrimento pleno dão o tom ao filme e fazem dele o centro das atenções. Alias, outra coisa que chama a atenção é o figurino do personagem.

A trama segue pautada na busca pelo paradeiro do chefe Anjo, causa de tanta brutalidade para se conseguir informações, e também pelas maquinações do manipulador Jijii(Tsukamoto Shinya), que é a mente por trás de Ichi e de todo o caos que assola os clãs Yakuza.

O filme é de alguma maneira reticente ao não mostrar as reais intenções de Jijii o que torna alguns trechos obscuros e sujeitos à livre interpretação do público. O uso de flash-backs também não serve para elucidar esses trechos, visto que, no filme, mesmo as memórias são passíveis de manipulação.

Contudo, numa obra como esta, o espectador não deve esperar por tudo mastigado, afinal, o cinema de Miike é assim: provocativo e bizarro.

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Ficha técnica

• 殺し屋1 : Koroshiya Ichi
• Título Literal : “Assassino 1”
• Título Internacional: Ichi, The Killer
• Direção : Miike Takashi
• Info: Japão, 2001 Cor – 129 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0296042/

Nota

7.0/10

7/10

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Filmado em preto e branco em uma estética que utiliza alto contraste entre luz e sombra, Rubber’s Lover explora em seus 91 minutos uma seleção de imagens grotescas, uma trilha sonora perturbadora, juntamente com atuações que beiram a insanidade e estabelecem o filme como um expoente dentro da temática cyberpunk japonesa.

Por si só, isso já deve afastar grande parte do público, mesmo aqueles afeitos à ficção científica e ao horror. Porém, para os amantes de cinema extremo e experimental, a obra se sobressai como um dos mais inventivos filmes do gênero.

O enredo, apesar de simples, levanta questões sobre os limites da ciência, da ética e da sociedade além de trazer algumas sequências particularmente crípticas, que acabam por contribuir com o clima de estranheza que permeia cada momento do longa. Na trama, cobaias humanas são submetidas a experimentos onde a angústia mental deve exceder a tolerância física, para que o cérebro manifeste um poder psíquico latente.

Alguns momentos evocam comparações com o clássico de Cronenberg, Scanners, mas Rubber’s Lover é construído de forma perturbadora e peculiar, principalmente na questão estética e sonora. Com cenas de estupro, tortura e sofrimento, o filme incomoda não só por ser gráfico demais nesses momentos, mas também pelos gritos e berros lancinantes que ecoam por quase toda a exibição.

Com mais pros do que contras, este é um filme essencial para aqueles que desejam conhecer mais desse sub-gênero japonês, onde o homem moderno é assolado pela frieza da sociedade, por um corporativismo opressor e por pesadelos de um mundo industrial e cibernético, em que, não raro, o próprio homem acaba por se transformar em algo pior do que seus sonhos mais obscuros.

Invariáveis comparações com Tetsuo – O Homem de Ferro, outro título de mesma temática,  são frequentes. Contudo a tão aclamada (ou deveria dizer fraca e mal elaborada?) obra de Tsukamoto Shinya não se compara à vibrante e aterradora gema extraída da mente de Fukui.

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Ficha técnica

• ラバーズ・ラヴァー : Rabaazu Ravaa
• Título Literal : “Amante de Borracha”
• Título Internacional: Rubber’s Lover
• Direção : Fukui Shozin
• Info: Japão, 1996 Preto e Branco – 91 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0227408/

Nota

7.0/10

7/10

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Batalha Real é a adaptação do livro de mesmo nome escrito por Takami Kôshun e publicado no Japão em Abril de 1999, um dos mais vendidos e controversos romances do país. O filme, que é um dos últimos dirigidos pelo lendário cineasta japonês Fukasaku Kinji, figura na lista das maiores bilheterias do cinema nipônico, mesmo com um enredo polêmico e repleto de violência.

A trama se passa em um futuro próximo, onde o governo impõem um ato extremo para conter a delinquência e descaso juvenil que passam a assolar as escolas: anualmente uma turma de estudantes é selecionada e levada para uma ilha, onde os jovens devem matar um ao outro em uma disputa brutal envolvendo armas de todos os tipos, com o objetivo de que apenas um permaneça vivo. Se ao fim do primeiro dia ninguém morrer, todos serão mortos e o teste acaba sem nenhum vencedor. Se três dias se passarem sem que haja apenas um sobrevivente, todos serão eliminados.

A ampla variedade de personalidades e a diversidade de tipos torna fácil a identificação do público com os alunos selecionados para o “jogo”, o que induz a uma reflexão mais intimista acerca das ações e consequências que são desencadeadas nesse cenário extremo. Muitos dos jovens, pressionados pelo terror psicológico e pelas atitudes dos colegas, deixam de lado seus princípios e partem para a mais básica forma de preservação da vida; a violência. No entanto, alguns deles conseguem manter sua humanidade, controlando seus impulsos bestiais e tentando pensar em maneiras de superar aquela situação desesperadora.

O filme traz uma crítica mordaz à sociedade atual, ao crescimento da violência e ao papel da escola e da família na educação dos jovens. Apesar do niilismo e da brutalidade, a obra aponta, mesmo que com certa timidez, que é possível manter a integridade em busca da sobrevivência e superação das adversidades.

Destaque para o “vídeo de boas-vindas” que apresenta as regras da disputa e para o papel de Kitano com suas tiradas cartunescas e seus tiques inconfundíveis.

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Ficha técnica

• バトルロワイアル : Batoru Rowaiaru
• Título Literal : “Batalha Real”
• Título Internacional: Battle Royale
• Direção : Fukasaku Kinji
• Info: Japão, 2000 Cor – 122 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0266308/

Nota

8.0/10

8/10

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Um reino sensorial, primitivo, um reino onde o toque dos dedos se tornou tão aguçado e sensível que pode ser comparado às antenas dos insetos ou o bigode dos animais, como as formas mais simples de vida, sem olhos, capazes apenas de sentir.

Nesta obra o espectador é transportado para os domínios de um escultor cego, um ateliê subterrâneo que é a materialização de suas frustrações, sonhos e perversões. Neste local envolto pela escuridão em que uma nova forma de arte tátil está sendo criada, Michio (Funakoshi Eiji) decide aprisionar Aki (Midori Mako), modelo que será a peça fundamental para sua mais perfeita obra.

Obsessão, loucura, medo e submissão se fundem em uma relação em que os envolvidos vão adentrando pouco a pouco em locais cada vez mais sombrios de suas existências. A partir de certo ponto surge entre ambos uma relação doentia que permeia os campos da arte, da dor e do erotismo, desafiando os limiares do prazer e da morte.

A ambientação se destaca com seu cenário quase onírico e extremamente perturbador. Uma composição sombria que nos remete a uma caverna, ao útero primordial da humanidade, recheada por uma variedade de corpos e membros colossais dispostos como que num grande painel sensorial.

O filme é um drama de sofrimento e angustia, mas também de entrega e beleza. Beleza esta muito bem representada pela atriz Mako Midori neste clássico sem precedentes que une com perfeição o erotismo ao horror psicológico.

Uma curiosidade: Cega Obsessão foi baseado num conto de Edogawa Rampo, pai dos romances policiais e de mistério nipônicos entre os anos 1920 e 1960. Muitas de suas histórias eram recheadas de personagens obsessivos, desfigurados, atormentados por desvios sexuais e pela loucura, e por isso proibidas de circular no Japão durante a Segunda Guerra. Uma dessas histórias banidas foi “The Caterpillar” (芋虫 Imo Mushi), que ele havia publicado anos antes sem maiores problemas, e que no momento estava sendo reimpressa em uma compilação.  “The Caterpillar” é sobre um veterano de guerra que, tetraplégico e desfigurado, já não conseguia falar, se mover ou viver por si mesmo, tornando-se praticamente a lagarta humana que o título sugere. Censurada, a obra foi acusada de detratar e escarnecer dos esforços de guerra promovidos pelo Japão. (Esta pequena história serviu de inspiração para o diretor Wakamatsu Kōji para o seu filme Caterpillar (キャタピラー Kyatapirā) de 2010, que competiu pelo Urso de Ouro no 60° Festival internacional de Cinema de Berlim).

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Ficha técnica

• 盲獣: Môjû
• Título Literal : “Besta Cega”
• Título Internacional: Blind Beast
• Direção : Masumura Yasuzô
• Info: Japão, 1969 Cor – 86 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0140384/

Nota

7.0/10

7/10

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Também conhecido como “Ataque do povo cogumelo”, Matango foi baseado em um conto originalmente publicado em 1907, “The Voice in the Night”, escrito por William Hope Hodgson. Com uma temática bizarra e sem pares temáticos na época em que foi lançado, a obra acabou, com o passar dos anos, sendo envolta por uma aura cult.

Matango foi dirigido por Honda Ishirô e teve seus efeitos especiais criados por Tsuburaya Eiji. A dupla foi responsável por inúmeros filmes de ficção e fantasia, entre eles o clássico Godzilla (ゴジラ – Gojira).

Na trama, um iate é danificado em uma tempestade e seus tripulantes são obrigados a rumar para uma ilha avistada nas proximidades. Na ilha, que aparentemente estava deserta, os náufragos encontram um navio de pesquisas encalhado em uma de suas praias. Após examinarem a embarcação (que estava tomada por uma espécie de mofo) descobrem que sua tripulação estava envolvida em pesquisas sobre radiação e seus resíduos, e que seu paradeiro atual é desconhecido.

Com a comida escassa, os náufragos passam a cobiçar os abundantes e viçosos cogumelos que florescem pela ilha, mesmo sendo alertados pelo capitão que os mesmos poderiam causar envenenamento. Não tarda para que a fome e disputas internas façam com que os efeitos do cogumelo no organismo sejam descobertos.

Apesar da produção ser descuidada e dos efeitos especiais serem datados, o filme apresenta algumas cenas memoráveis. Para um filme de horror, Matango não assusta ninguém, mas certamente consegue entreter e mesmo divertir durante sua hora e meia de psicodelismo.

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Ficha técnica

• マタンゴ : Matango
• Título Literal : “Matango”
• Título Internacional: Matango: Attack of the Mushroom People
• Direção : Honda Ishirô
• Info: Japão, 1963 Cor – 89 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0057295/

Nota

6.0/10

6/10

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Audition é um filme singular. Mesmo estando inserida numa filmografia tão variada quanto provocante como a de Miike Takashi, esta é uma obra interessante por apresentar uma forte dicotomia estrutural que abrange desde o desenvolvimento de sua trama como a representação e postura dos personagens.

Num primeiro momento o filme se apresenta como um drama tênue sobre um viúvo que após anos de uma vida solitária e devotada ao filho, resolve se casar novamente. Aoyama (Ishibashi Ryo) é mostrado como um homem distante cujos desejos e emoções foram reprimidos pela ausência da esposa ao longo do tempo. O próprio processo para se encontrar uma nova mulher é despretensioso e quase mecânico: uma falsa audição para um filme armada por seu amigo Yoshikawa, interpretado por Kunimura Jun, com o único intuito de se conseguir analisar várias pretendentes, não ao papel de atriz mas sim de esposa.

Desse processo emerge a doce e etérea figura de Asami (Shiina Eihi), uma meiga ex-bailarina que encanta e desperta Aoyama de sua letargia. Ele acredita, então, ter encontrado a resposta para seus anseios e ignora o número crescente de sinais que depõem contra a representação quase angelical da misteriosa garota. A partir desse ponto o filme vai crescendo de forma sombria e angustiante e atinge seu auge com Asami expondo suas cruéis e perturbadoras habilidades.

Apesar do tom onírico atribuído à segunda metade deste filme, Miike apresenta uma postura clara em seus comentários e entrevistas, indicando que o desfecho deve ser abordado de forma literal. Contudo, esse parece ser um dos casos onde as lacunas deixadas dão vida própria à obra o que permite uma série de interpretações (tão ou mais instigantes quanto as sugeridas).

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Ficha técnica

• オーディション : Ôdishon
• Título Literal : “Entrevista”
• Título Internacional: Audition
• Direção : Miike Takashi
• Info: Japão, 1999 Cor – 115 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0235198/

Nota

7.0/10

7/10

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Assistido em uma mostra de cinema oriental extremo na região central de São Paulo, definitivamente Gozu foi a grande sensação dentre os filmes exibidos, trazendo um misto de terror, violência e humor dentro de uma trama surreal que agradou (estarreceu?) o público presente.

A princípio, o filme apresenta o que seria mais uma obra sobre a Yakuza, mas logo o diretor Miike Takashi desvela suas reais intenções e confirma mais uma vez sua excentricidade filmográfica.

Na trama, um dos altos membros do grupo Azamawari, Ozaki, começa a dar mostras de loucura obsessiva. Preocupado com o que poderia acontecer, o chefe do grupo secretamente passa uma ordem a um de seus subordinados, Minami: conduzir Ozaki a um lixão em Nagoya e elimina-lo. Minami acata a missão, mas, interiormente, se encontra hesitante, pois nutri por Ozaki uma enorme gratidão e um sentimento fraternal já que este havia salvo sua vida tempos atrás.

Iniciada a viagem, um acontecimento fatídico muda todo o rumo da história e Minami começa então uma jornada em busca de seu Aniki (irmão) em meio a um mundo regido por uma realidade paralela e assombrado por personagens igualmente surreais.

Com forte influência da religião budista, grande parte das passagens do filme só são plenamente entendidas por aqueles que possuem um conhecimento de tal tradição, alias o próprio título do filme (Gozu) é o nome de uma entidade da mitologia Shinto que guarda a entrada do inferno budista.

A busca empreendida por Minami pode ser interpretada também como a busca por sua própria sexualidade. A cumplicidade e a admiração que nutria por Ozaki, aliadas à sua inexperiência e pureza fazem com que o filme seja um espelho dos sentimentos e descobertas do protagonista. Apesar de, em termos técnicos, não termos homossexualismo explicitado no filme, fica clara a intenção de Miike em explorar o tema.

Contudo, apesar das possíveis interpretações metafóricas e sexuais da obra, não devemos nos esquecer do que Ozaki (talvez incorporando o próprio Miike) nos diz no começo do filme: “Tudo o que irei dizer a partir de agora é uma piada”- um convite para assistir este incrível teatro do absurdo de forma descontraída e almejando no fim somente o riso (alias, não é a toa que o filme se encerra com um dos personagens do restaurante em meio a inebriante gargalhada – a homologação de uma piada, piada esta brilhantemente contada).

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Ficha técnica

• 極道恐怖大劇場: 牛頭: Gokudô kyôfu dai-gekijô: Gozu
• Título Literal : “Grande Teatro de Horror Yakuza: Gozu”
• Título Internacional: Gozu
• Direção : Miike Takashi
• Info: Japão, 2003 Cor – 130 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0361668/

Nota

8.0/10

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Em momentos de privação e desespero os instintos mais básicos do ser humano acabam por aflorar. Esse é o mote principal de Onibaba, uma obra que mostra as atitudes extremas de duas mulheres em meio à penúria de um período marcado por guerras e desolação. O longa mostra uma mulher e sua nora matando samurais feridos em guerra, que passavam pelos arredores da cabana onde moravam, para em seguida despojá-los de seus equipamentos e armas com o intuito de barganhar o espólio por comida e itens básicos de sobrevivência.

Tudo isso é mostrado sob uma ótica isenta de julgamento. O período onde a trama é ambientada impunha dificuldades extremas à população e sobreviver era por si só uma tarefa árdua. O isolamento e a miséria são reforçados pela bela fotografia em preto-e-branco e pela locação marcada pelos campos de ervas altas. A relação de ambas é guiada pela tradição, com uma postura subserviente por parte da nora. Ambas esperam o retorno de Kichi, mas em seus íntimos, mãe e esposa já perderam a esperança de que um dia ele retorne da guerra. O aparecimento do personagem de Kei Sato, traz a tona mais uma necessidade a ser saciada. A partir desse momento os ímpetos carnais passam a aflorar, potencializados pelas frustrações da mulher e pela solidão da jovem nora.

Onibaba é baseado em uma antiga fábula budista conhecida, em tradução livre, como “Uma máscara com carne assustou uma esposa”. A fábula conta a história de uma mulher que, enciumada de sua nora dotada de virtudes, passa a usar uma máscara horrenda com o intuito de assusta-la e impedi-la de ver seu amante. A mulher falha porque o amor de sua nora é superior ao medo que sente. Como punição, Buda faz com que a máscara grude permanentemente no rosto da mulher. Como na fábula, a jovem corre ao longo do campo para satisfazer seus desejos físicos, indiferente a tudo e resistindo a aparição da sogra em trajes demoníacos. Contudo, num mundo de miséria e violência, a saciedade dos instintos primários não deixa espaço para o amor. Ainda assim, o filme é revestido de uma aura de otimismo frente às adversidades humanas.

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Ficha técnica

• 鬼婆: Onibaba
• Título Literal : “Mulher-Demônio, Bruxa”
• Título Internacional: Onibaba
• Direção : Shindô Kaneto
• Info: Japão, 1964 Preto e Branco – 103 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0058430/

Nota

8.0/10

8/10

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