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Dias Perfeitos, dirigido por Win Wenders, é uma jornada contemplativa através da rotina meticulosa e reflexiva de Hirayama, um limpador de banheiros públicos em Tóquio, interpretado de forma sensível e comedida por Yakusho Kōji.

Enquanto executa suas tarefas diárias com foco e uma serenidade quase ritualística, Hirayama pouco interage e praticamente não fala com aqueles que o cercam. Seja no ambiente de trabalho ou nos locais que ele visita regularmente, todas suas ações são protegidas pela previsibilidade e pela austeridade com que leva sua vida.

Contudo, encontros fortuitos e pequenos contratempos surgem para quebrar esse ciclo e são justamente nesses pontos de ruptura (explicitados nos sonhos em preto e branco do protagonista) que vemos as nuances de sua personalidade, seus desejos e preocupações.

Complexo em sua simplicidade, Hirayama é um personagem que cultiva a solidão, mas que anseia por conexão humana, que trabalha almejando a perfeição, mas se enternece pelas falhas dos que o cercam, que abandonou, talvez, uma existência confortável e de sucesso para atenuar sua dor e redescobrir a felicidade em meio às coisas mais simples e corriqueiras da vida.

Tocante e delicado, o longa aposta em uma fotografia de tons suaves e composições cuidadosamente elaboradas, criando uma atmosfera de calma e contemplação que permeia toda a obra.

Dias Perfeitos é recheado, como é de praxe nas obras de Wenders, com músicas primorosamente selecionadas de artistas como Van Morrison, The Velvet Underground e Rolling Stones, acrescentando uma camada adicional de emoção e servindo de contraponto ao silêncio do personagem principal. Aliás, a música tem papel fundamental na vida de Hirayama, juntamente com a literatura e a fotografia: a arte expressando aquilo que palavras talvez não possam.

O filme também nos convida a prestar atenção às sombras que permeiam a vida do protagonista, assim como às árvores que ele tanto admira. Esses elementos visuais se tornam metáforas poderosas da jornada emocional do protagonista e da beleza serena encontrada nas pequenas coisas.

Infelizmente nem tudo funciona dentro dessa estética tão minimalista e singela, especialmente em duas situações: primeiramente, o mutismo de Hirayama é aceitável e reflete seu caráter mais estoico e contemplativo, mas em alguns momentos soa forçado e caricato criando situações pouco críveis. Ok ficar em silêncio, mas ficar mudo de forma injustificada beira o constrangedor.

Já no sentido contrário, temos a caracterização de seu colega de trabalho, que ao tentar servir de contraponto ao protagonista acaba falando demais e agindo bizarramente, numa interpretação que acaba gerando ruído e desviando o foco de coisas mais importantes em cena.

Por fim, não poderia deixar de comentar sobre a cena em que nosso protagonista dirige seu furgão ouvindo “Feeling Good” de Nina Simone: um momento de pura revelação. A letra da música, que fala sobre apreciar as pequenas coisas da vida e encontrar liberdade e renovação em cada novo dia, ecoa as próprias experiências e reflexões de Hirayama ao longo da narrativa. É um lembrete poderoso de que a verdadeira felicidade muitas vezes reside nos momentos mais simples e nas conexões humanas genuínas.

Trailer

Ficha técnica

• 完璧な日々 : Kanpekina Hibi
• Título Literal : Dias Perfeitos
• Título Internacional: Perfect Days
• Direção : Wim Wenders
• Info: Japão 2023 Cor – 124 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt27503384/

Nota

7.0/10

7/10

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Com a promessa de que poderia repetir os incríveis feitos de Parasita no Oscar, Drive My Car foi a aposta do Japão para a cerimônia de 2022, onde acabou levando apenas a estatueta de melhor filme estrangeiro dentre as quatro categorias disputadas.

Baseado em um conto escrito por Haruki Murakami, o filme explora de maneira intimista a vida de um diretor e ator de teatro e a relação de cumplicidade e apego que ele desenvolveu com sua esposa. Na trama, todos os personagens possuem questões internas e sentimentos reprimidos que aos poucos vão emergindo enquanto uma adaptação da peça Tio Vanya, do dramaturgo Anton Tchécov, vai tomando forma.

Dirigido por Hamaguchi Ryusuke, o filme aborda temas tão cotidianos como delicados como o luto, a traição e a obsessão, além de nos chamar à reflexão sobre quando e como deixar certos aspectos de nossas vidas para trás e seguir adiante.

Com duração de aproximadamente três horas, Drive My Car aproveita cada minuto desta longa exposição para criar uma atmosfera que funde amor, perda e rancor em igual medida, o que torna a experiência do espectador um tanto quanto pesada, mas nunca monótona. Talvez o corte final do filme pudesse ter sido encurtado, mas neste caso o impacto gerado provavelmente não seria o mesmo.

Neste sentido, o tempo é um elemento essencial para a trama pois ajuda a construir um panorama mais profundo de cada um dos envolvidos além de evidenciar como traumas e desejos podem perdurar e mesmo assombrar a vida dos protagonistas ao longo dos anos.

Sobre as atuações (contidas mas eficazes), um ponto curioso merece ser destacado: a babel linguística criada por atores de diferentes nacionalidades, cada um interpretando seu papel em sua língua natal dentro do contexto da peça de teatro. Um recurso a princípio bizarro, mas que demonstra como a entrega entre os atores pode superar mesmo a barreira do entendimento.

Vale enaltecer aqui a incrível atuação de Park Yu-rim no papel de Lee Yoon-a, que apesar de se comunicar apenas através da língua de sinais coreana consegue, através de sua interpretação e sensibilidade, ser a personagem mais expressiva da trama.

Com uma narrativa ao mesmo tempo simples e poderosa, Drive My Car é uma obra contemplativa e profunda sobre a culpa, mas sobretudo sobre o amor e sobre o poder transformador da empatia.

Trailer

Ficha técnica

• ドライブ・マイ・カー : Doraibu mai kā
• Título Literal : “Dirija meu carro”
• Título Internacional: Drive My Car
• Direção : Hamaguchi Ryusuke
• Info: Japão, 2021 Cor – 179 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt14039582/

Nota

7.0/10

7/10

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A representação de pessoas com algum tipo de deficiência no cinema é algo pouquíssimo explorado. São raros os projetos em que a pauta da inclusão e da representatividade é levada em conta sem escorregar para algo estereotipado e romantizado.

Por isso, ver uma obra que minimamente se preocupa em mostrar interações mais complexas e humanas dentro deste universo é algo tão louvável quanto necessário em nosso momento atual.

Em seu longa de estreia, a diretora Hikari busca construir um retrato sensível mas também provocativo das relações vividas por uma jovem com necessidades especiais no Japão contemporâneo, precisando lidar com os desafios e expectativas de uma sociedade altamente competitiva, machista e ainda mergulhada no capacitismo.

No filme acompanhamos Yuma, uma jovem de 23 anos que está lutando para conseguir sua autonomia e reconhecimento profissional como desenhista, uma jovem cheia de sonhos, dúvidas e desejos como qualquer outra garota de sua idade. O que torna Yuma diferente é que ela está presa em uma cadeira de rodas, consequência de uma paralisia cerebral ao nascer.

Ciente de suas limitações, Yuma num primeiro momento se mostra frágil e condescendente, mas ao mesmo tempo ela nutre dentro de si o desejo de alçar novos vôos em busca de experiências que de fato preencham e deem sentido a sua vida.

Seja no cuidado sufocante e na carência de sua mãe, na relação abusiva com sua amiga, que não a valoriza e se aproveita de seu talento, ou nas vazias e estranhas interações com o sexo oposto, Yuma sabe que sua condição física não deveria ser a única característica que a define como filha, como profissional ou como mulher.

A trama, apesar de previsível e inconsistente em certos momentos, consegue emocionar, divertir e trazer ao espectador uma mensagem mais humana e reflexiva. Não se trata apenas da história de uma cadeirante que vence desafios e preconceitos e vive feliz para sempre. Não se trata de um filme de superação, como poderíamos imaginar num primeiro momento, mas sim de descobertas.

Descobertas através de novas amizades, de experiências inusitadas, de se expor a riscos, de explorar novos sentimentos, da própria sexualidade e também dos erros e frustrações.

Dito isso, a escolha de uma atriz (Kayama Mei) que sofre da mesma condição que sua personagem é um ponto fundamental para trazer as dores e anseios de Yuma de forma mais verdadeira, focando não só em suas virtudes, mas também suas falhas e fraquezas, tornando a protagonista mais humana e fugindo da romantização estereotipada de outras produções.

Sobre o título do filme, não é nenhum spoiler explicar o porquê dos 37 segundos, mas ao menos para mim, a revelação nos momentos finais do longa foi algo que me impactou e me levou a pensar sobre como a vida é frágil e como devemos ser gratos por cada pequena conquista.

Trailer

Ficha técnica

• 37セカンズ : 37 sekanzu
• Título Literal : “37 Segundos”
• Título Internacional: 37 Seconds
• Direção : Hikari
• Info: Japão, 2019 Cor – 115 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt6156138/

Nota

7.0/10

7/10

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O cinema de horror é um terreno fértil capaz de produzir vilões e criaturas aterrorizantes, mas são poucos os que conseguem resistir à prova do tempo, superar o esquecimento e se fixar no imaginário coletivo do público.

Nesse aspecto, temos duas franquias japonesas que, após duas décadas de seus respectivos lançamentos e com mais de uma dúzia de filmes cada uma, conseguiram alcançar esse status: estou falando de O Chamado, lançado em 1998 e de O Grito, que já dava as caras nesse mesmo ano de forma experimental em alguns curtas.

Difícil encontrar alguém que não tenha assistido alguma das dezenas de filmes, remakes, reboots, paródias e séries ou que não conheça a assustadora imagem de Sadako saindo do poço com seus cabelos negros e compridos ou do pitoresco menininho azul, Toshio.

É natural, então, que após tanto tempo na ativa a inspiração e a criatividade comecem a fraquejar, abrindo espaço para produções sofríveis e de baixa qualidade, meramente interessadas em lucrar com esta prolongação.

Já faz tempo que não temos obras interessantes de ambas as franquias, salvo algumas coisas pontuais (como a série O Grito – Origens, de 2020) que até tentam, mas não chegam aos pés dos longas de meados dos anos 2000.

Tanto desgaste poderia significar o fim, mas eis que uma pegadinha de primeiro de abril e uma forte campanha dos fãs acabaria por unir os dois universos em um projeto no mínimo inusitado: Sadako enfrentando Kayako numa disputa para ver qual maldição prevalece.

Dirigido por Shiraishi Kōji, o longa de trama simples e previsível acompanha duas narrativas que eventualmente se cruzam para o confronto anunciado no título. De um lado temos duas amigas às voltas com uma fita de vídeo amaldiçoada, do outro uma garota atormentada por visões de uma casa abandonada de sua vizinhança.

Após mortes estranhas, exorcismos e a ajuda de especialistas que parecem não entender de fato coisa alguma, o enredo deixa claro que a única esperança é fazer com que as assombrações disputem entre si a alma das pobres meninas apostando que uma aniquile a outra no processo.

É justamente nesse absurdo que reside o trunfo do filme. Ao não se levar tanto a sério e nem tentar competir com as obras anteriores, a história consegue entregar tensão e sustos ao mesmo tempo em que abraça atuações medianas e efeitos visuais duvidosos que causam mais risos que medo. Para algo que surgiu como uma brincadeira no dia da mentira, não poderíamos esperar mais do que foi apresentado.

Depois que O Chamado vs O Grito foi lançado já saíram mais alguns filmes e séries de ambos os universos mostrando que a falta de bom senso dos roteiristas e diretores e a ganância dos estúdios talvez seja a verdadeira maldição a ser enfrentada.

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Ficha técnica

• 貞子vs伽椰子: Sadako vs. Kayako
• Título Literal : Sadako vs. Kayako
• Título Internacional: Sadako vs. Kayako
• Direção : Shiraishi Kōji
• Info: Japão, 2016 Cor – 98 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt5309954/

Nota

5.0/10

5/10

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Lançado no ano de 1964 e dirigido por Kobayashi Masaki, Kwaidan é aclamado pela crítica como uma das grandes obras clássicas do horror japonês, tanto por seu lirismo como pela sua estética.

Composto por quatro histórias independentes, esta antologia tem como material base alguns livros do escritor de origem grega Lafcadio Hearn, em especial a obra “Kwaidan: Histórias e Estudos sobre Coisas Estranhas”, lançado em 1904. Curioso destacar que Hearn se mudou para o Japão em 1890 como correspondente de um jornal e lá acabou se apaixonando não só pelo país como também pela filha de uma tradicional família de samurais com quem se casou. Após se naturalizar cidadão japonês, o escritor adota o nome Koizumi Yakumo e se dedica até o fim de sua vida a escrever sobre a cultura, as tradições e as peculiaridades da terra do sol nascente.

Os contos selecionados pelo diretor para integrar seu filme são: O Cabelo Negro (黒髪, Kurokami), que conta a trajetória de um samurai que abandona sua mulher em busca de fama e riqueza e que se arrepende anos depois; A Mulher da Neve (雪女, Yukionna), que trata do encontro de um lenhador com uma entidade sobrenatural durante uma nevasca e do poder de uma promessa; Hoichi, o Sem Orelhas (耳無し芳一の話, Miminashi Hōichi no Hanashi), sobre um monge cego que é convocado para entreter uma comitiva fantasmagórica cantando poemas sobre uma antiga batalha; e por fim Em uma Xícara de Chá (茶碗の中, Chawan no Naka), que descreve a estranha aparição de um rosto no reflexo de uma xícara e como isso pode conduzir um homem à loucura.

Apesar de serem histórias sem uma relação direta, todas trazem elementos sobrenaturais e de grande estranheza, elementos pertencentes a um mundo onde folclore e realidade se misturam e onde o fantástico está tão presente quanto em um conto de fadas.

Para criar um mundo tão belo quanto assustador, o diretor optou por gravar a maioria das cenas no interior de um hangar de aviões, reproduzindo céus, florestas e mares com cores fortes e vibrantes em cenários pintados com elementos surreais ao fundo, criando uma fotografia onírica e com pinceladas expressionistas, um complemento perfeito à temática do longa.

Com um tom lento e poético, a obra expõe pouco a pouco o interior de seus protagonistas, suas paixões, falhas e medos. A narrativa também se apoia no lirismo e no silêncio para preencher as mais de três horas de filme, ponto que pode incomodar alguns espectadores.

O filme foi lançado no Brasil como Kwaidan – As Quatro Faces do Medo, evidenciando, mais uma vez, a obsessão nacional por traduções e subtítulos que expliquem o conteúdo da obra.

Um fato curioso é que apesar de ter sido nomeado para o Oscar de melhor filme estrangeiro e de ter saído como ganhador do prêmio especial do júri em Cannes, a recepção por parte do público estrangeiro na época não foi das mais calorosas. A audiência esperava que um filme de horror japonês tivesse uma trama mais dinâmica e cheia de ação e efeitos especiais aos moldes de Godzilla, lançado em 1954.

Kwaidan é sem dúvida uma obra de arte em seu sentido mais literal, provocando nossos sentidos e nos levando à contemplação e à reflexão. Mais do que assustar, o filme nos conduz por uma experiência sensível e mágica pela cultura e folclore japonês.

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Ficha técnica

• 怪談: Kaidan
• Título Literal : Histórias de Fastasma
• Título Internacional: Kwaidan
• Direção : Kobayashi Masaki
• Info: Japão, 1964 Cor – 183 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0058279/

Nota

7.0/10

7/10

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Em seu mais novo longa, a diretora Kawase Naomi traz em Mães de Verdade uma delicada discussão acerca das alegrias e também das muitas dores de um processo de adoção.

Acompanhamos, num primeiro momento, a rotina do sr. e sra. Kurihara cujos sonhos de maternidade são abalados pela descoberta de uma condição médica que impossibilita o casal de ter filhos.

Após uma série de exames e do fracasso diante do tratamento, marido e mulher já estão fragilizados e cogitando desistir da ideia de serem pais. É quando uma reportagem despretensiosa na televisão levanta a possibilidade de uma adoção como a solução de seus problemas.

Somos então apresentados à jovem e sonhadora Hikari que, ao se envolver amorosamente com um pretendente de sua escola, acaba por engravidar. A pressão social e a falta de apoio familiar fazem com que ela seja obrigada a colocar seu futuro bebê para adoção. Este é o gesto que irá entrelaçar seu destino com os Kurihara.

A história, seja por sua cadência ou pela forma como é apresentada, não traz novidades e poderia soar previsivelmente cansativa em sua abordagem. Contudo a sensibilidade da diretora, aliada a um senso de mistério que permeia todo o filme, sustentam a trama de forma muito eficiente em suas mais de duas horas de exibição.

Essa entrega lenta e gradual das respostas é em parte explicada pela adaptação do material fonte – o romance de mesmo nome escrito por Sujimura Mizuki, cuja especialidade é justamente as histórias de mistério.

Mas mais do que isso, o longa é um convite à reflexão onde somos a todo momento confrontados com as vivências, sofrimentos e perspectivas de diferentes mulheres, sejam elas mães de fato ou não, e suas atitudes (nem sempre acertadas mas cheias de realidade).

Tratando de temas recorrentes em sua filmografia, a diretora emprega todo seu lirismo ao abordar temas como família, maternidade e solidão, aqui emoldurados pela linda fotografia e pelas locações externas, em especial as belíssimas paisagens da região de Hiroshima.

Já as interpretações trazem nuances interessantes e diversas, seja na ingenuidade e dedicação da jovem Hikari, interpretada por Makita Aju, como no ar amoroso e sereno de Asami Shizue, a dona da instituição interpretada pela veterana Asada Miyoko. Até mesmo o desconforto gerado pela letargia e falta de pulso da sra. Kurihara é um acerto na interpretação contida de Nagasaku Hiromi.

E são justamente essas três mulheres que personificam o título. Três facetas de um arquétipo baseado na abnegação, na entrega e no amor incondicional – qualidades que transcendem laços biológicos, distância física e a própria vida. Cada uma à sua maneira, mães de verdade.

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Ficha técnica

• 朝が来る : Asa ga Kuru
• Título Literal : “A Manhã está Chegando”
• Título Internacional: True Mothers
• Direção : Kawase Naomi
• Info: Japão, 2020 Cor – 140 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt10418630/

Nota

7.0/10

7/10

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Conhecido por dramas históricos e grandiosos, como o aclamado Adeus, Minha Concubina de 1993, o diretor chinês Chen Kaige aposta em uma temática repleta de magia para compor uma narrativa tão surreal quanto misteriosa.

Na trama, acompanhamos uma investigação encabeçada pelo perspicaz monge japonês Kûkai (Sometani Shôta), que havia sido chamado à China para tratar o imperador de um estranho mal, e pelo carismático escrivão e poeta, Bai Letian (Huang Xuan).

A inusitada dupla inicia uma jornada em busca da verdade em um cenário repleto de assassinatos violentos e eventos sobrenaturais, frutos de uma maldição lançada por um gato demoníaco em busca de vingança. Com o desenrolar da investigação, os eventos acabam se mostrando ligados ao destino da belíssima concubina do Imperador que havia morrido 30 anos antes.

A primeira coisa a se notar em O Mistério do Gato Chinês é, sem dúvida, sua estética, com fotografia e figurinos que impressionam. Além disso, merece destaque também a ambientação, em especial na recriação da capital imperial de Chang’an, cuja construção do cenário demorou cinco anos devido ao grande número de detalhes, empreitada que consumiu uma enorme fatia do dinheiro de produção. Contudo, é em sua parte visual que o filme também derrapa, ora com efeitos especiais duvidosos para compor as cenas de magia e interação com o gato, ora no exagero carnavalesco de certas cenas.

O foco da história é na extravagante união entre um monge especializado em exorcismo e um poeta, ambos versões ficcionais de figuras históricas, abordadas com mais profundidade no romance que deu origem ao filme. A dupla possui uma boa química em cena e sua interação é um acerto dentro da trama investigativa, com não raros momentos de humor.

O longa começa a adotar tons mais sombrios e dramáticos conforme o mistério que envolve o antigo imperador e sua concubina favorita vai sendo desvendado. Amor e sacrifício passam a ser os motes de uma tragédia anunciada, repleta de reviravoltas e revelações.

O grande numero de flashbacks e personagens pode confundir espectadores desatentos ou que não estão acostumados ao estilo. Além disso, alguns elementos visuais acabam por enfraquecer a trama, distraindo e causando desconforto em momentos variados ao longo do filme.

No geral, o filme consegue se sustentar com sua dose de fantasia mesclada a mistério, mas poderia ter sido mais consistente em suas escolhas, principalmente por ter entre seus personagens um gato preto falante.

Trailer

Ficha técnica

• 妖猫传 : Yāo Māo Zhuàn
• Título Literal : “A História do Gato Demoníaco”
• Título Internacional: Legend of the Demon Cat
• Direção : Chen Kaige
• Info: China, Japão 2017 Cor – 129 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt6157626/

Nota

6.0/10

6/10

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Dirigido por Takita Yôjirô, A Partida é um drama japonês que aborda uma questão tão natural quanto incômoda: a morte e também a maneira como lidamos com os mortos.

O filme acompanha Daigo, um violoncelista que fracassou em sua carreira de músico em Tóquio e que se vê obrigado a retornar para sua cidade natal em busca de uma vida melhor junto de sua esposa.

Inusitadamente, a procura por uma nova ocupação acaba transformando nosso protagonista no aprendiz de um nôkanshi – uma espécie de agente mortuário que, de forma ritualística e tradicional, prepara um corpo para seu funeral.

Livremente inspirado na biografia de Aoki Shinmon (Coffinman: O Diário de um agente mortuário budista – 納棺夫日記 Nōkanfu Nikki), o diretor explora em sua trama o preconceito enfrentado por um grupo de pessoas que tem de lidar com algo que é um enorme tabu no Japão, ainda hoje.

Taxados de intocáveis (部落民 Burakumin), profissionais que lidam com a morte sofrem com a discriminação e o ostracismo desde a era feudal japonesa, momento em que foram obrigados a viver em locais afastados do restante da população por serem considerados impuros.

Com um enredo poético e sensível, o longa mostra os desafios que Daigo terá de enfrentar, incluindo a rejeição de sua esposa, o afastamento dos amigos além de questões relacionadas à sua família e infância.

Além disso, o filme traz como contraponto um singelo convite à vida, mostrando que mesmo nas situações cotidianas cada pequeno momento pode ser desfrutado com plenitude e leveza.

A trilha sonora (toda orquestrada para violoncelo) também merece destaque, em especial nas partes em que se funde com a interpretação do protagonista, aumentando nosso vinculo e imersão em momentos de grande ternura e sensibilidade.

Sobre as atuações não há como deixar de citar a performance do veterano Yamazaki Tsutomu no papel do mestre de ofício, Sasaki: uma mistura de indiferença e solenidade com leves toques de humor que faz dele um dos personagens mais carismáticos da trama.

Alias é através de personagens cativantes e muito bom humor que A Partida consegue mostrar de maneira respeitosa e humana algo normalmente evitado e pouco discutido. Uma obra emocionante que certamente leva os espectadores a uma delicada reflexão.

Trailer

Ficha técnica

• おくりびと : Okuribito
• Título Literal : “Aquele que acompanha a partida/funeral”
• Título Internacional: Departures
• Direção : Takita Yôjirô
• Info: Japão, 2008 Cor – 130 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt1069238/

Nota

9.0/10

9/10

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Preparados para uma viagem surreal e bizarra? House, um horror com tons satíricos dirigido e produzido por Obayashi Nobuhiko em 1977, é um filme de estética única que, apesar de estranho, carrega uma aura Cult e repleta de experimentações.

A trama acompanha uma estudante viajando para o campo junto de seis colegas de classe para passar as férias na casa de uma tia que não vê há anos. Lá a turma de garotas se depara com forças sobrenaturais, precisando lutar desesperadamente para não serem consumidas pela casa.

Com um elenco formado quase que exclusivamente por amadores, o filme, acreditem, foi a aposta do tradicional estúdio Toho para competir com o grande sucesso que o filme Tubarão estava fazendo no ocidente.

É curioso destacar que grande parte das ideias incorporadas no script foram sugestões dadas pela filha do diretor, apenas uma criança à época das filmagens. A intenção era criar uma atmosfera que desafiasse a lógica e que não pudesse ser explicada pela mente de um adulto.

Mas certamente, o ponto alto do filme é a massiva utilização de efeitos especiais, misturando elementos práticos, cenários pintados, sobreposição de imagens e muito fundo azul. Além desses recursos, fotografia e edição também foram empregadas de forma muito inventiva e pouco convencional gerando um resultado propositalmente irreal.

Outra característica marcante é a trilha sonora, tão variada e psicodélica quanto a parte visual, sendo reproduzida de forma quase constante. Essa onipresença musical em muitos momentos gera desconforto e parece desbalanceada, chegando a abafar a fala dos atores em cena e só aumentando o clima de estranheza do longa.

Analisado meramente como um filme, podemos apontar inúmeros pontos falhos na elaboração de House, seja pela trama simplista, pelas atuações risíveis ou pelos excessos estilísticos do diretor. Contudo é inegável que enquanto experiência cinematográfica e sinestésica, Obayashi criou um verdadeiro tesouro sensorial, um sonho febril que não deixará espectador algum indiferente.

Trailer

Ficha técnica

• ハウス : Hausu
• Título Literal : “Casa”
• Título Internacional: House
• Direção : Obayashi Nobuhiko
• Info: Japão, 1977 Cor – 88 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0076162/

Nota

6.0/10

6/10

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Depois de se aventurar pelo gênero de mistério e crime no instigante O Terceiro Assassinato, Koreeda retoma sua temática preferida, mas não da forma leve como muitos esperavam. De volta aos dramas familiares, o diretor aposta na sensibilidade das relações, mas não dispensa a dureza da realidade.

Em Assunto de Família, acompanhamos o dia a dia de cinco personagens únicos, cada um deles marcado por dilemas e derrotas, tendo de abrir mão de sua moralidade em diferentes medidas para sobreviver.

A rotina de todos muda quando uma pequena garota negligenciada por seus pais é aceita como a mais nova integrante dessa família tão peculiar. Em meio a pequenos golpes e roubos vemos uma relação de irmãos surgir e também o sonho da maternidade se concretizando. A presença da menina traz alegria e faz com que novos sentimentos e relações aflorem dentro da casa, em alguns momentos gerando questionamentos profundos e transformadores.

Apesar da ternura e dos sentimentos apontados, o filme nunca se priva de mostrar que há algo de incongruente na maneira como os relacionamentos vão sendo construídos, o que vai tornando mais e mais frágil toda a estrutura que os sustenta.

O mérito do diretor é justamente criar um ambiente de tamanha dualidade, onde certo e errado se fundem instigando o espectador a todo o momento reavaliar seus sentimentos sobre o que de fato constitui uma família e todas as nuances e dinâmicas envolvidas. No fim ninguém é poupado de confrontar a realidade e um sabor amargo toma conta da doçura que permeava a obra.

Com um ritmo cadenciado e um elenco competente, o longa é primoroso em seu retrato de uma família desajustada, mas muito humana, provando que no fundo todos, independente de suas falhas e escolhas, buscam pelo afeto e pelo sentimento de pertencimento.

Trailer

Ficha técnica

• 万引き家族 : Manbiki kazoku
• Título Literal : “Família de ladrões de loja”
• Título Internacional: Shoplifters
• Direção : Koreeda Hirokazu
• Info: Japão, 2018 Cor – 121 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt8075192/

Nota

8.0/10

8/10

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Dirigido por uma dupla pouco usual composta pelo francês Damien Manivel e pelo japonês Igarashi Kohei, Takara – A Noite em que Nadei é o resultado de um trabalho minimalista composto com charme e simplicidade.

No filme acompanhamos o pequeno Takara, de seis anos de idade. Seu pai trabalha em um mercado de peixe e, por causa do serviço, é obrigado a sair de casa bem antes do amanhecer. Pai e filho pouco convivem por conta da dura rotina. Numa madrugada insone, o menino acorda com o barulho de seu pai se preparando para sair e, para passar o tempo, resolve desenhar um peixe até que consiga voltar a dormir.

Esta dinâmica do lar compreende o primeiro capítulo do filme. É a partir da segunda parte, quando o menino já está vestido para ir à escola e com seu desenho dentro da mochila, que uma aventura pueril e despretensiosa tem início.

No caminho em direção à escola, nosso protagonista resolve mudar sua rota e passa a vagar e se divertir em meio à neve, caminhando ao longo de um rio, brincando com cachorros, visitando lojas de departamentos e mesmo se arriscando a pegar um trem local.

Qual será o destino final do garoto? Conseguirá ele cumprir sua jornada antes que comece a nevar?

Com uma bela fotografia que explora planos abertos e utilizando uma mescla de sons ambientes com a completa ausência de diálogos, o filme cria uma atmosfera intimista de contemplação, centrada no protagonista numa singela obra de arte sensorial.

O filme é composto de forma a vivenciarmos os acontecimentos através de um olhar infantil e cheio de curiosidade, fazendo com que nos percamos em meio aos devaneios do menino.

Apesar de sua qualidade estrutural e de um mote interessante, são justamente os elementos apontados como trunfo do filme que constituem seus problemas.

O desenrolar da trama se mostra um pouco enfadonho em alguns momentos, justamente pela falta de objetividade e ação. O silêncio e a falta de interação também geram algum incômodo. Sem dúvida o espectador é envolvido e passa a se preocupar com o pequeno Takara, mas por vezes o filme se arrasta e mesmo com uma duração curta passa a impressão que alguns minutos poderiam ser cortados sem prejudicar a experiência.

Ainda assim é louvável que existam diretores sensíveis que busquem um caminho mais poético e contemplativo em meio ao frenético e muitas vezes vazio cinema atual. No fim temos uma doce história sobre os laços afetivos que unem duas pessoas e as obrigações cotidianas que as separam, tudo isso sob o olhar inocente (e por que não dizer inconsequente) de uma criança.

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Ficha técnica

• 泳ぎすぎた夜 : Oyogisugita yoru | La nuit où j’ai nagé
• Título Literal : “A Noite em que Nadei”
• Título Internacional: The Night I Swam
• Direção : Igarashi Kohei, Damien Manivel
• Info: Japão, França, 2017 Cor – 78 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt7336012/

Nota

6.0/10

6/10

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Conhecido por seus dramas familiares e histórias que envolvem aspectos do cotidiano, Koreeda se arrisca neste suspense de tribunal repleto de cinismo e mistério.

Acompanhamos o envolvimento crescente do advogado Shigemori (Fukuyama Masaharu) em um caso de assassinato, onde a estratégia é comutar a provável pena de morte de um réu confesso em prisão perpétua. Contudo, o que à primeira vista parecia apenas mais um caso para o renomado defensor se transforma em uma busca intensa e desesperada pela verdade e sua real importância dentro de um julgamento.

O acusado, Misumi (Yakusho Kôji), através de depoimentos falaciosos e de versões que se contradizem, passa a enredar uma trama complexa onde fatos e mentiras se entrelaçam num jogo intenso à procura de suas reais motivações.

Com um desenvolvimento lento que pouco a pouco vai apresentando novas evidências e possibilidades, O Terceiro Assassinato é intrigante não pela investigação em si, mas pela discussão que levanta acerca da culpa, do que representam as leis e daqueles que deveriam assegurar seu cumprimento.

Apesar de se aventurar por novas temáticas e estilos, o diretor resgata uma de suas mais icônicas construções: o conflito entre figuras paternas falhas e seus filhos e os reflexos que esses relacionamentos trazem para o desenvolvimento da trama.

Com interpretações intensas, principalmente do veterano Yakusho Kôji, os personagens são figuras dúbias e dissimuladas, cada um deles escondendo uma miríade de segredos, arrependimentos e traumas.

O Terceiro Assassinato é um quebra-cabeça sobre um crime que parece se recusar a ser resolvido, recusa esta que mina toda a objetividade e afugenta resoluções fáceis. Isso pode frustrar alguns espectadores, seja por se afastar da temática padrão do diretor, seja por não entregar a ação e a catarse aos fãs do gênero.

Apesar dessa ressalva, esta é uma obra que merece ser apreciada, tanto por sua complexidade como por sua estética, uma verdadeira pérola no mar de obviedades em que o cinema atual luta para não afundar.

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Ficha técnica

• 三度目の殺人 : Sandome no satsujin
• Título Literal : “O Terceiro Assassinato”
• Título Internacional: The Third Murder
• Direção : Koreeda Hirokazu
• Info: Japão, 2017 Cor – 124 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt6410564/

Nota

8.0/10

8/10

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Carregada de metáforas e também de alusões diretas à implacabilidade da natureza, A Balada de Narayama é uma obra que aborda de forma sensível, mas também mordaz, a dualidade entre o instinto e a racionalidade, os sentimentos e o dever, a vida e a morte.

Baseado no romance homônimo escrito por Fukazawa Shichirō em 1956, o filme dirigido por Imamura Shōhei estreou em 1983 e foi o ganhador da Palma de Ouro no festival de Cannes do mesmo ano. Esta é a segunda adaptação do livro levada ao cinema, sendo a primeira dirigida por Kinoshita Keisuke em 1958.

A trama gira em torno da tradição presente em um vilarejo isolado nas montanhas, onde os idosos, ao completarem 70 anos, são levados ao topo do monte Nara e deixados lá para morrer. Tal medida garantia que os mais novos pudessem se dedicar aos seus afazeres diários ao invés de gastarem seu tempo e energia cuidando de seus idosos e também atenuar a escassez de alimentos durante o período de inverno.

Aliás esta não era a única prática adotada pelos moradores para garantir a sobrevivência da comunidade, sendo o aborto, a venda de recém-nascidos e mesmo o assassinato atitudes aceitáveis e até encorajadas.

Dentro deste ambiente extremo, a todo o momento somos confrontados com imagens de animais caçando, copulando, matando e sendo devorados, uma forma que o diretor encontrou de nos lembrar que o instinto de sobrevivência está acima da moralidade, e que o homem afinal é também parte da natureza.

Neste enredo temos Orin, uma senhora de 69 anos que apesar de plenamente ativa e lúcida começa com os preparativos para deixar a vila rumo ao seu fatídico destino, contrariando seu filho mais velho, Tatsuhei (Ogata Ken), que não consegue aceitar o fato da mãe querer se entregar à morte de forma tão determinada e serena.

Interpretada por Sakamoto Sumiko, a velha matriarca simboliza a renovação e o fechamento de um ciclo, na medida em que ela age para que nenhum assunto fique pendente antes de sua partida, seja dentro de sua família como também na comunidade em que está inserida.

O contraste entre a ternura e a dedicação de Orin para com seus filhos e as ações sórdidas perpetradas por todos ao longo do filme chegam a causar desconforto e nos fazem refletir sobre os limites entre o bem e o mal. A conduta do homem é posta em cheque e o sexo e a fome são alçados às verdadeiras motrizes da sociedade.

Com um olhar único sobre aspectos tão delicados de nossa existência, A Balada de Narayama é um filme duro e belo que certamente não deixará nenhum espectador indiferente ao cair dos inesperados e tardios flocos de neve.

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Ficha técnica

• 楢山節考 : Narayama bushikô
• Título Literal : “A Balada de Narayama”
• Título Internacional: The Ballad of Narayama
• Direção : Imamura Shôhei
• Info: Japão, 1983 Cor – 130 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0084390/

Nota

7.0/10

7/10

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Koreeda é um diretor que trabalha com maestria os aspectos simples do cotidiano e das relações pessoais, sempre com um tom de certa melancolia, mas também de esperança.

Em Depois da Tempestade essa fórmula é seguida à risca, criando um filme de extrema leveza e poesia, onde o espectador é posto a refletir sobre certos aspectos de sua vida, sobre o papel da família e também da importância de um legado para as gerações futuras.

É uma obra que apresenta a sabedoria e a complacência de quem já viveu muitos anos, os percalços e dificuldades da vida adulta e também os sonhos e a inocência das crianças. Ao combinar os desafios e alegrias de três gerações, o filme abre uma oportunidade ímpar de reflexão e envolvimento, feita de maneira singular e bela.

Temos a figura de um pai displicente e pouco engajado na criação de seu filho, lutando pelo reconhecimento profissional e vivendo à sombra da publicação de seu primeiro e único romance, tempos atrás, como escritor.

Sua ex-mulher, que representa a parte sensata e determinada do casal, é a responsável direta pela criação e educação de seu filho, e que opta por seguir em frente com sua vida pessoal apesar de seus sentimentos e de certa nostalgia romântica.

Sobre o menino, ele projeta no pai a figura de um herói, mas percebe que apesar do amor que um sente pelo outro, sua mãe tem plena razão nas escolhas que fez para ambos.

E por fim, a idosa matriarca da família, que com a recente morte do marido, tenta levar a vida de forma serena, buscando nas atividades de seu condomínio e na relação amistosa com os outros moradores uma maneira de continuar aprendendo e se maravilhando com a poesia encoberta pelo passar dos dias.

Com sua lucidez e tranquilidade, ela é o ponto de união entre todos desta trama e quem mais se preocupa com o destino de cada um dos membros da família. É através de seus conselhos, pequenas tiradas e lembranças que os personagens são postos a refletir.

Esta é uma obra que de forma singela mostra o poder e a importância de certos laços, e que aborda com ternura as angústias e dilemas que surgem com as mudanças culturais no Japão, as dinâmicas entre gerações e as reformulações dos costumes.

A tempestade que se aproxima e que só mostra sua força nos momentos finais do filme, nada mais é do que uma metáfora dos desafios e problemas que todos passam em algum momento de suas jornadas. A lição é simples, mas eficaz: Algumas coisas são levadas pelos fortes ventos e não podem ser recuperadas, outras são destruídas, mas passíveis de reconstrução ou de aperfeiçoamento, nada permanece igual após sua passagem, mas dias claros sempre surgem após a tormenta.

Assim é o mundo. Assim é a vida.

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Ficha técnica

• 海よりもまだ深く : Umi yori mo mada fukaku
• Título Literal : “Mais Profundo que o Mar”
• Título Internacional: After the Storm
• Direção : Koreeda Hirokazu
• Info: Japão, 2016 Cor – 118 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt5294966/

Nota

8.0/10

8/10

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Após a atenção conquistada com o curta de mesmo nome lançado em 2014, Oh Lucy! é um longa que expande e aprofunda a história escrita e dirigida por Hirayanagi Atsuko.

Abordando de forma sensível o cotidiano de uma mulher solteira e de meia idade, infeliz com seu trabalho e com os rumos de sua vida, a obra se utiliza muito do humor para mostrar os absurdos de uma sociedade onde as pessoas estão se perdendo em meio à solidão e à frustração.

O peso existencial suportado pela protagonista, Setsuko, é momentaneamente retirado de suas costas quando ela entra em contato com o expansivo professor de inglês, John, e passa a experimentar uma gama de novos sentimentos e possibilidades, protegida pela fachada de seu alter ego, Lucy.

Esta nova faceta faz com que ela expanda seus horizontes e passe a correr atrás de seus sonhos, mesmo que estes agora estejam do outro lado do mundo.

Numa jornada de autoconhecimento e aceitação, barreiras serão rompidas e relações familiares e amorosas serão postas à prova.

É admirável a maneira como a diretora consegue balancear com suavidade os momentos cômicos com as situações onde emoções mais fortes e viscerais surgem durante o desenrolar da trama.

Aliás, apesar de se enquadrar como comédia, esta é uma obra trágica e complexa em seu desenvolvimento, onde um olhar mais detalhado pode revelar muito mais coisas do que uma simples peruca loira pode esconder.

Sobre as atuações, o destaque vai para a performance marcante de Terajima Shinobu, que consegue com naturalidade e de forma realista capturar a essência de Lucy, compondo uma personagem cuja aura de amargura e inocência somada a certa ingenuidade torna-se plausível aos nossos olhos.

O restante do elenco também desempenha um papel primoroso, seja nos momentos mais dramáticos como também naqueles mais lúdicos e leves.

Oh Lucy! é um filme que consegue de forma honesta abordar as conexões humanas mas sem uma visão demasiadamente romantizada da vida. Seu trunfo reside em mostrar diferenças e sentimentos complexos sem ser condescendente e muito menos se apegando a estereótipos.

Apesar dos erros causados por sua impulsividade e das decisões arbitrárias tomadas por Lucy, ela é essencialmente humana e, portanto, merecedora de empatia e de uma oportunidade de redenção. É uma mensagem clara de esperança num mundo carente de contato e amor.

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Ficha técnica

• オー・ルーシー! : Ō rūshī!
• Título Literal : “Oh Lucy!”
• Título Internacional: Oh Lucy!
• Direção : Hirayanagi Atsuko
• Info: Japão, 2017 Cor – 95 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt6343058/

Nota

8.0/10

8/10

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Dirigido por Miyake Kyoko, Tokyo Idols acompanha os desafios de uma aspirante a Idol junto de seus seguidores, expondo os bastidores da rotina de garotas que dedicam sua juventude e tempo a um mercado que movimenta anualmente em torno de um bilhão de dólares.

Na cultura pop japonesa “Idol” (アイドル aidoru) é um termo tipicamente utilizado para se referir a estrelas da mídia, criadas e agenciadas para serem alvo de admiração por seu comportamento, energia e juventude, envoltas por uma aura de fofura e inocência. Delas é esperado uma boa imagem pública e que sejam um exemplo a ser seguido pelos mais jovens.

O documentário é centrado em Hiirage Rio, uma cantora de J-pop que, aos 19 anos, tem consciência de que já está velha demais para os padrões dessa indústria que procura alavancar ao estrelato meninas cada vez mais jovens.

RioRio, como é conhecida por seus fãs, sabe que não poderá continuar neste caminho por muito mais tempo, mas aposta todo seu carisma e determinação nesse sonho, por acreditar que ser uma Idol é algo primordial e necessário caso queira, no futuro, se estabelecer profissionalmente como artista em uma gravadora.

A narrativa segue nos apresentando a um grupo majoritariamente formado por homens, com idades variando de 35 a 50 anos, que devotam suas vidas (e boa parte de seu dinheiro) em seguir Rio, seja através das redes sociais como comparecendo pessoalmente a shows e organizando eventos.

A partir deste ponto, a diretora expõe uma visão sombria sobre este fenômeno cultural ao retratar homens de meia idade, emocional e financeiramente incapazes de arranjar uma esposa, nutrindo uma adoração desmedida por garotas extremamente jovens, projetando nelas a solução para suas frustrações amorosas e mascarando sua inabilidade de sucesso numa sociedade altamente competitiva.

A obsessão por estas meninas – infantilizadas e sexualizadas em igual medida – é levada a termo numa espécie de fanatismo comercial, onde os homens pagam por fotos autografadas e apertos de mão em suas escolhidas durante bizarros eventos cronometrados, fugindo das responsabilidades inerentes de um relacionamento romântico real.

Miyake dá grande enfoque neste aspecto e procura corroborar sua narrativa através da análise de “especialistas”, apresentando a cultura Idol como algo que objetifica as mulheres e as faz competir entre si pela aprovação masculina ao mesmo tempo em que se aproveita do sentimento crescente de isolamento e inaptidão dos homens para aumentar sua base de fãs.

Em contra partida mostra que as garotas, e mesmo seus pais, não parecem perturbadas pelo perfil dos fãs, destacando o aumento da autoconfiança e o empoderamento das jovens, numa sociedade que tradicionalmente relegava à mulher um papel de submissão.

O documentário, no entanto, está longe de ser um retrato abrangente do universo de Idols japoneses, já que ignora por completo o enorme e lucrativo mercado de grupos masculinos e também a parcela de fãs formada por mulheres e jovens, que representa a maior parte dos consumidores deste tipo de conteúdo.

Além disso, o filme aborda de forma tímida os processos de seleção e formação dos grupos de Idols e o papel crescente destes no ramo do entretenimento, negligenciando também outros aspectos e nuances que explicariam tamanha popularidade.

Tokyo Girls funciona como um recorte, uma amostra realista e incômoda, mas incompleta dessa subcultura. É um documentário que levanta alguns questionamentos e joga luz sobre pontos sensíveis e controversos, mas que peca pela análise enviesada de um assunto muito mais complexo e que está bem longe do unidimensionalismo apresentado.

Trailer

Ficha técnica

• Tokyo Idols
• Título Literal : “Ídolos de Tóquio”
• Título Internacional: Tokyo Idols
• Direção : Miyake Kyoko
• Info: Japão, 2017 Cor – 90 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt6039532/

Nota

7.0/10

7/10

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Dirigida por Yaguchi Shinobu, Swing Girls é uma comedia dramática ambientada no universo escolar cuja trama, apesar dos estereótipos e clichés conhecidos do gênero, funciona de forma gratificante.

A história apresenta um grupo de garotas preguiçosas e desajustadas que durante as férias de verão são obrigadas a participar de aulas de reforço em matemática. Abatidas pelo calor e pela entediante e hipnótica voz do professor, elas só pensam em sair daquele lugar.

A oportunidade aparece quando a banda de metais da escola sofre uma intoxicação alimentar e as meninas têm a oportunidade de montar uma banda substituta e assim escapar da recuperação.

Até aqui o filme adota um tom leve e descompromissado, com pequenas doses de humor, servindo principalmente como introdução às personagens e à dinâmica escolar.  Mas no momento em que a banda começa a tomar forma e as garotas a desenvolver suas aptidões o ritmo do filme também cresce em intensidade.

É nesse ponto que elas entendem o quanto a música é apaixonante e como algo que antes era uma obrigação pode se converter em uma experiência prazerosa e transformadora. Mas para conseguir dinheiro suficiente para financiar seus instrumentos e levar adiante o sonho de participar de uma competição musical, as Swing Girls terão de passar pelas mais hilárias e surreais situações, incluindo um memorável embate com um porco selvagem.

Apesar de a trama ser previsível em sua conclusão e de se mostrar um pouco rasa ao desenvolver a história individual de cada personagem, o filme acerta com seu entusiasmo crescente e com a determinação e entrega das meninas. É uma história divertida e leve que traz uma mensagem de superação e que é certeira em seus momentos cômicos.

Alias o sentimento de que a história das garotas poderia ter sido expandida é um mérito do filme, que nos faz gostar e se identificar com cada uma delas nessa curta jornada musical.

E já que a trama toda é centrada na música, mais especificamente na montagem de uma big band de jazz, vale destacar que Yaguchi, ao selecionar o elenco para o filme, optou por escalar jovens atrizes (que em sua maioria não sabiam tocar instrumento algum) ao invés de músicos profissionais.

Com isso, as atrizes tiveram de fazer um curso intensivo de música e treinar muitas horas por dia durante vários meses antes das filmagens começarem para conseguir interpretar seus respectivos papeis.

Todas as músicas apresentadas no longa (que incluem clássicos de Glenn Miller, Ken Woodman, Louis Prima e Benny Goodman) foram tocadas sem auxilio de playback e pelo próprio elenco que, incrivelmente, partiu em uma turnê ao vivo como forma de promover o filme.

Em resumo, Swing Girls é uma obra despretensiosa e edificante que mostra como a arte e o comprometimento podem ser ferramentas de transformação. Dentro de sua leveza e humor o filme alcança o objetivo de arrancar boas risadas da plateia e embalar a todos com seu swing e ritmo contagiantes.

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Ficha técnica

• スウィングガールズ : Suwingu Gāruzu
• Título Literal : “Swing Girls”
• Título Internacional: Swing Girls
• Direção : Yaguchi Shinobu
• Info: Japão, 2004 Cor – 105 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0435434/

Nota

7.0/10

7/10

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Poderia apenas dizer que não gosto desse filme, ou mesmo deixar de cita-lo nesse espaço dedicado à cinematografia asiática, contudo, Tetsuo tem sua relevância como marco inicial de uma nova era para o cinema underground ao inspirar muitos outros cineastas a seguirem o caminho da inovação e do experimentalismo, em oposição à inexpressividade e estagnação que assolavam as produções nipônicas desde a década de 70.

Com atuações afetadas, uma história fraca e mal acabada, embrulhada com pouco esmero num papel de presente de mau gosto recendendo à crítica social barata, esta pequena fábula cyberpunk de Tsukamoto acabou por ganhar, com o passar dos anos, uma legião de adoradores, que insistem em atribuir-lhe uma aura “cult” que talvez não mereça.

A história do homem de negócios que aos poucos se torna máquina, o distanciamento e o rigor com que as relações interpessoais são conduzidas e o niilismo que permeia a sociedade das grandes metrópoles com certeza são temas interessantes e de extrema relevância. No entanto, uma boa ideia não é suficiente para se fazer um bom filme.

Apesar disso, alguns pontos têm de ser aplaudidos: com menos de 30 anos na época da produção, o diretor foi, ele próprio, responsável pela criação de parte dos cenários e da caracterização de personagens, usando grande criatividade na maneira como foram realizados os efeitos práticos e também as sequências frenéticas e surreais em stop motion. A isso se somam a Fotografia e a trilha sonora que, de forma intensa, contribuem com a temática sombria e industrial do filme.

Talvez meus gostos pessoais me impeçam de ver certas coisas, talvez o filme seja de fato a obra de arte que muitos defendem com ardor e extremismo, talvez Tetsuo seja mesmo um pequeno grande filme e talvez Tsukamoto seja mesmo um visionário.

Pensando bem… talvez não.

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Ficha técnica

• 鉄男 : Tetsuo
• Título Literal : “Homem de Ferro”
• Título Internacional: Tetsuo: Iron Man
• Direção : Tsukamoto Shinya
• Info: Japão, 1989 Preto e Branco – 67 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0096251/

Nota

3.0/10

3/10

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Contos da Lua Vaga é um romance histórico de fantasia que se passa no período Azuchi-Momoyama (1573-1600) onde o Japão, imerso no caos, passava por uma profunda transformação buscando a unificação política.

A guerra civil começava a ameaçar mesmo os pequenos vilarejos e à população aflita só restava fugir ou sucumbir ante as hordas de guerreiros famintos e cruéis.

Talvez um dos mais conhecidos filmes de Mizoguchi no ocidente, Contos da Lua Vaga é uma história de fantasmas e também um exemplo do gênero jidaigeki, que são os dramas de época japoneses. Além disso, é também o único exemplo em sua filmografia em que o sobrenatural tem papel central e age de forma direta sobre o destino dos protagonistas.

Explorando temas como cobiça, a busca pela glória, a diferença entre castas e a negligência familiar, o filme traça um retrato agridoce do período ao mesmo tempo em que funciona como uma propaganda anti guerra, tema ainda sensível ao Japão pós segunda guerra mundial.

Sobre a trama, temos Genjurô, um camponês que almeja fazer fortuna vendendo utensílios de cerâmica, e seu cunhado, Tôbei, que sonha se tornar um renomado samurai e alcançar a glória. Após uma primeira incursão bem sucedida, ambos decidem atravessar o lago Biwa e tentar a fortuna em um novo mercado, mesmo que suas famílias e a própria integridade estejam em risco.

Mizoguchi compôs a história de Genjurô baseando-se em dois contos presentes no livro Ugestu Monogatari escrito por Akinari Ueda. Já a saga de Tôbei tem seu cerne extraído de Décoré!, escrito por Guy de Maupassant.

Em ambos os casos, temos o peso das escolhas dos personagens afetando suas respectivas esposas e um amadurecimento causado pela falência de seus sonhos e ambições. Vale destacar que os pesares e desafios enfrentados pelas mulheres nesse período de guerra tornaram-se o tema mais proeminente dentro do longa, refletindo talvez um arrependimento do diretor em enaltecer o militarismo e as campanhas de guerra em seus filmes que antecederam a derrota japonesa em 1945.

Com relação à temática sobrenatural, Contos da Lua Vaga virou referência para inúmeras obras japonesas e mesmo ocidentais no gênero do horror ao abordar o relacionamento proibido entre vivos e espíritos, além de utilizar elementos da religião e da mitologia integrados ao cotidiano, mostrando a barreira entre os mundos como uma tênue linha que pode ser atravessada caso alguém se deixe levar pela cobiça ou pelo desejo.

Contos da Lua Vaga é um clássico entre as produções japonesas e um dos principais filmes de Mizoguchi, tendo ganho o Leão de Prata no Festival de Veneza de 1953 e sendo responsável por colocar o cinema nipônico em evidência ainda maior no ocidente.

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Ficha técnica

• 雨月物語: Ugetsu Monogatari
• Título Literal : Contos da Chuva e da Lua
• Título Internacional: Ugetsu
• Direção : Mizoguchi Kenji
• Info: Japão, 1953 Preto e Branco – 96 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0046478/

Nota

7.0/10

7/10

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Neste longa, que é considerado por muitos como o primeiro filme gore da história da sétima arte, acompanhamos um conto moral de culpa e punição onde a passividade pode ser tão nociva quanto as más ações.

Na trama, Shiro, um estudante de teologia, envolve-se em um acidente de carro onde um homem é atropelado. Influenciado por seu companheiro Tamura, ambos fogem sem prestar socorro. Atormentado pela culpa, Shiro resolve procurar a polícia junto de sua noiva, mas repetindo sua sina, é assolado por novas tragédias. Angustiado, ele ruma para a casa de descanso onde sua debilitada mãe reside. Ali ele encontra um antro de iniquidades, repleto de infidelidade, excessos e corrupção.

O cenário só tende a piorar quando o malévolo Tamura surge revelando as falhas morais de todos. É nesse ponto que os pecados e desvios de conduta dos presentes acabam por, literalmente, condena-los ao inferno.

Tamura representa, de certa forma, a personificação do lado obscuro de Shiro, um duplo diabólico que de maneira inexplicável parece conhecer o íntimo de cada um dos personagens do filme, como se fosse um emissário sobrenatural, um arauto da danação.

A partir daqui o filme muda de tom e passa a se destacar das obras feitas até essa época, com uma fotografia inovadora e com representações extremamente gráficas das torturas e tormentos das massas que vagam pelos círculos infernais.

Nesse ambiente onde a agonia e o sofrimento atingem tanto a parte física quanto emocional dos personagens, o diretor utiliza de criatividade e maestria para criar cenas marcantes e perturbadoras. Vale observar com atenção como luz, cores e sombras foram empregadas para criar um ambiente surreal e estranhamente belo.

É curioso destacar que o diretor Nakagawa Nobuo não esperava que o filme fosse bem recebido pelo público, pois o estúdio Shintoho (新東宝株式会社 Shintoho kabushiki kaisha), responsável pelas filmagens, era também responsável por produções ruins e de baixo orçamento.

Jigoku foi um filme feito às pressas, e foi também a última produção do estúdio antes de declarar falência. Em um documentário disponível na edição lançada pela Criterion, o ator que interpreta Tamura, Numata Youichi, contou que, normalmente, apenas o pessoal de suporte era responsável pela montagem e manutenção dos sets, mas por se tratar da última produção do estúdio, houve comoção e comprometimento por parte de todos, inclusive de atores e figurantes, que também passaram a ajudar na montagem.

Talvez por isso o filme tenha sido tão inovador para a época, já que a falta de recursos fez com que o diretor usasse de toda sua habilidade e inventividade para compor este que hoje é considerado um clássico do terror japonês.

Trailer

Ficha técnica

• 地獄 : Jigoku
• Título Literal : “Inferno”
• Título Internacional: The Sinners of Hell
• Direção : Nakagawa Nobuo
• Info: Japão, 1960 Cor – 101 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0154683/

Nota

6.0/10

6/10

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Baseado no mangá de mesmo nome escrito por Yamamoto Hideo, o filme nos transporta a um cenário frequentemente visitado pelo diretor Miike Takashi: a Yakuza.

Nesse longa, lealdade e violência são mostradas de forma extrema, grotesca e de certa maneira cartunesca, em situações que podem incomodar mesmo os fãs do gênero que não estejam habituados às excentricidades do diretor.

Apesar do título, o grande destaque dessa obra é Kakihara, vivido por Asano Tadanobu em uma interpretação pitoresca e com certeza memorável. O sadismo com que conduz suas ações e sua busca pessoal pelo sofrimento pleno dão o tom ao filme e fazem dele o centro das atenções. Alias, outra coisa que chama a atenção é o figurino do personagem.

A trama segue pautada na busca pelo paradeiro do chefe Anjo, causa de tanta brutalidade para se conseguir informações, e também pelas maquinações do manipulador Jijii(Tsukamoto Shinya), que é a mente por trás de Ichi e de todo o caos que assola os clãs Yakuza.

O filme é de alguma maneira reticente ao não mostrar as reais intenções de Jijii o que torna alguns trechos obscuros e sujeitos à livre interpretação do público. O uso de flash-backs também não serve para elucidar esses trechos, visto que, no filme, mesmo as memórias são passíveis de manipulação.

Contudo, numa obra como esta, o espectador não deve esperar por tudo mastigado, afinal, o cinema de Miike é assim: provocativo e bizarro.

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Ficha técnica

• 殺し屋1 : Koroshiya Ichi
• Título Literal : “Assassino 1”
• Título Internacional: Ichi, The Killer
• Direção : Miike Takashi
• Info: Japão, 2001 Cor – 129 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0296042/

Nota

7.0/10

7/10

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