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Lançado em 2017, Os Escravos de Satanás é um filme indonésio dirigido por Joko Anwar e cujo enredo gira em torno de uma família atormentada pela doença misteriosa de sua matriarca, pelo luto e por segredos passados que vão culminar em eventos sobrenaturais e aterrorizantes.

Baseado em uma obra de mesmo nome do início da década de 80, este foi um projeto especialmente requisitado pelo diretor, já que o filme original marcou sua infância e foi um dos títulos que o motivou a trabalhar com cinema.

Ambientado em 1981, o longa explora aspectos da religiosidade local e também o clima de superstição que ronda pequenos vilarejos rurais onde o isolamento e o cenário pitoresco contribuem para a criação de um ambiente inquietante, em especial para os filhos da família.

Apesar da história central manter elementos do original, o diretor buscou adicionar mais complexidade à trama e também emular algumas tendências de filmes de horror ocidentais, o que talvez não tenha sido uma escolha tão acertada, ainda mais levando-se em conta que a versão anterior ganhou ares de filme cult dentro do gênero.

Entrando mais especificamente na trama, é inegável que a figura da mãe moribunda e posteriormente sua morte criam uma atmosfera sinistra na casa, o que é potencializado pelas aparições e eventos sobrenaturais que começam a atormentar os mais jovens. Contudo, quando as explicações sobre a origem da maldição e as formas para se combater o mal são abordadas, o filme perde tanto em ritmo quanto na capacidade de assustar. Aliás, o “especialista” sobre os assuntos diabólicos com seus artigos publicados em uma revista duvidosa chegam a ser risíveis. Já no clímax, é impressionante como de uma hora para outra todos resolvem abandonar o que parecia ser o objetivo principal do filme e seguir adiante como se nada de fato tivesse importado. Apesar disso, a tensão criada, a excelente fotografia e alguns sustos certeiros fazem com que a experiência não seja arruinada.

Sobre as intepretações, nada muito especial. Tara Basro está ok em sua atuação no papel de Rini, mas o destaque fica mesmo para o carismático ator mirim que vive o filho mudo da família, M. Adhiyat.

Para finalizar, Os Escravos de Satanás oferece uma visão interessante do horror sobrenatural e da cultura indonésia, mas alguns tropeços prejudicam a integridade da obra, especialmente em seu terceiro ato. Felizmente Anwar parece ter aprendido a lição, já que em sua próxima incursão pelo terror temos o ótimo Impetigore (2019) e também a continuação O Escravos de Satanás 2 (2022), que foi mais bem recebido pela crítica, mas isso é assunto para outra resenha.

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Ficha técnica

• Pengabdi Setan
• Título Literal : “Servos de Satanás”
• Título Internacional: Satan’s Slaves
• Direção : Joko Anwar
• Info: Indonésia, 2017 Cor – 107 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt7076834/

Nota

6.0/10

6/10

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A representação de pessoas com algum tipo de deficiência no cinema é algo pouquíssimo explorado. São raros os projetos em que a pauta da inclusão e da representatividade é levada em conta sem escorregar para algo estereotipado e romantizado.

Por isso, ver uma obra que minimamente se preocupa em mostrar interações mais complexas e humanas dentro deste universo é algo tão louvável quanto necessário em nosso momento atual.

Em seu longa de estreia, a diretora Hikari busca construir um retrato sensível mas também provocativo das relações vividas por uma jovem com necessidades especiais no Japão contemporâneo, precisando lidar com os desafios e expectativas de uma sociedade altamente competitiva, machista e ainda mergulhada no capacitismo.

No filme acompanhamos Yuma, uma jovem de 23 anos que está lutando para conseguir sua autonomia e reconhecimento profissional como desenhista, uma jovem cheia de sonhos, dúvidas e desejos como qualquer outra garota de sua idade. O que torna Yuma diferente é que ela está presa em uma cadeira de rodas, consequência de uma paralisia cerebral ao nascer.

Ciente de suas limitações, Yuma num primeiro momento se mostra frágil e condescendente, mas ao mesmo tempo ela nutre dentro de si o desejo de alçar novos vôos em busca de experiências que de fato preencham e deem sentido a sua vida.

Seja no cuidado sufocante e na carência de sua mãe, na relação abusiva com sua amiga, que não a valoriza e se aproveita de seu talento, ou nas vazias e estranhas interações com o sexo oposto, Yuma sabe que sua condição física não deveria ser a única característica que a define como filha, como profissional ou como mulher.

A trama, apesar de previsível e inconsistente em certos momentos, consegue emocionar, divertir e trazer ao espectador uma mensagem mais humana e reflexiva. Não se trata apenas da história de uma cadeirante que vence desafios e preconceitos e vive feliz para sempre. Não se trata de um filme de superação, como poderíamos imaginar num primeiro momento, mas sim de descobertas.

Descobertas através de novas amizades, de experiências inusitadas, de se expor a riscos, de explorar novos sentimentos, da própria sexualidade e também dos erros e frustrações.

Dito isso, a escolha de uma atriz (Kayama Mei) que sofre da mesma condição que sua personagem é um ponto fundamental para trazer as dores e anseios de Yuma de forma mais verdadeira, focando não só em suas virtudes, mas também suas falhas e fraquezas, tornando a protagonista mais humana e fugindo da romantização estereotipada de outras produções.

Sobre o título do filme, não é nenhum spoiler explicar o porquê dos 37 segundos, mas ao menos para mim, a revelação nos momentos finais do longa foi algo que me impactou e me levou a pensar sobre como a vida é frágil e como devemos ser gratos por cada pequena conquista.

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Ficha técnica

• 37セカンズ : 37 sekanzu
• Título Literal : “37 Segundos”
• Título Internacional: 37 Seconds
• Direção : Hikari
• Info: Japão, 2019 Cor – 115 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt6156138/

Nota

7.0/10

7/10

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Lançado no ano de 1964 e dirigido por Kobayashi Masaki, Kwaidan é aclamado pela crítica como uma das grandes obras clássicas do horror japonês, tanto por seu lirismo como pela sua estética.

Composto por quatro histórias independentes, esta antologia tem como material base alguns livros do escritor de origem grega Lafcadio Hearn, em especial a obra “Kwaidan: Histórias e Estudos sobre Coisas Estranhas”, lançado em 1904. Curioso destacar que Hearn se mudou para o Japão em 1890 como correspondente de um jornal e lá acabou se apaixonando não só pelo país como também pela filha de uma tradicional família de samurais com quem se casou. Após se naturalizar cidadão japonês, o escritor adota o nome Koizumi Yakumo e se dedica até o fim de sua vida a escrever sobre a cultura, as tradições e as peculiaridades da terra do sol nascente.

Os contos selecionados pelo diretor para integrar seu filme são: O Cabelo Negro (黒髪, Kurokami), que conta a trajetória de um samurai que abandona sua mulher em busca de fama e riqueza e que se arrepende anos depois; A Mulher da Neve (雪女, Yukionna), que trata do encontro de um lenhador com uma entidade sobrenatural durante uma nevasca e do poder de uma promessa; Hoichi, o Sem Orelhas (耳無し芳一の話, Miminashi Hōichi no Hanashi), sobre um monge cego que é convocado para entreter uma comitiva fantasmagórica cantando poemas sobre uma antiga batalha; e por fim Em uma Xícara de Chá (茶碗の中, Chawan no Naka), que descreve a estranha aparição de um rosto no reflexo de uma xícara e como isso pode conduzir um homem à loucura.

Apesar de serem histórias sem uma relação direta, todas trazem elementos sobrenaturais e de grande estranheza, elementos pertencentes a um mundo onde folclore e realidade se misturam e onde o fantástico está tão presente quanto em um conto de fadas.

Para criar um mundo tão belo quanto assustador, o diretor optou por gravar a maioria das cenas no interior de um hangar de aviões, reproduzindo céus, florestas e mares com cores fortes e vibrantes em cenários pintados com elementos surreais ao fundo, criando uma fotografia onírica e com pinceladas expressionistas, um complemento perfeito à temática do longa.

Com um tom lento e poético, a obra expõe pouco a pouco o interior de seus protagonistas, suas paixões, falhas e medos. A narrativa também se apoia no lirismo e no silêncio para preencher as mais de três horas de filme, ponto que pode incomodar alguns espectadores.

O filme foi lançado no Brasil como Kwaidan – As Quatro Faces do Medo, evidenciando, mais uma vez, a obsessão nacional por traduções e subtítulos que expliquem o conteúdo da obra.

Um fato curioso é que apesar de ter sido nomeado para o Oscar de melhor filme estrangeiro e de ter saído como ganhador do prêmio especial do júri em Cannes, a recepção por parte do público estrangeiro na época não foi das mais calorosas. A audiência esperava que um filme de horror japonês tivesse uma trama mais dinâmica e cheia de ação e efeitos especiais aos moldes de Godzilla, lançado em 1954.

Kwaidan é sem dúvida uma obra de arte em seu sentido mais literal, provocando nossos sentidos e nos levando à contemplação e à reflexão. Mais do que assustar, o filme nos conduz por uma experiência sensível e mágica pela cultura e folclore japonês.

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Ficha técnica

• 怪談: Kaidan
• Título Literal : Histórias de Fastasma
• Título Internacional: Kwaidan
• Direção : Kobayashi Masaki
• Info: Japão, 1964 Cor – 183 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0058279/

Nota

7.0/10

7/10

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O que é real e o que é sonho na vida de uma adolescente que se nega a aceitar o presente? E o passado, quando revisitado, continua da maneira como nos lembramos? Aliás, algo de fato muda em uma vida composta de ciclos? Estas são perguntas que surgem no primeiro longa metragem do diretor Zhang Qi.

No filme, acompanhamos a vida da jovem Ye em uma rotina repleta de pequenas tensões, abafada por sentimentos não expressos e palavras não ditas. Ye não consegue criar vínculos reais na cidade de Yinchuan, para onde se mudou com a mãe dez anos atrás após o divórcio dos pais.

Ela deseja saber mais sobre o pai que ficou para trás em sua cidade natal e cujo único vínculo é o dinheiro da pensão que chega mensalmente. Além disso, o fato do atual namorado de sua mãe ter se mudado para sua casa torna ainda mais difícil seu elo com o passado.

Ye sofre diante da postura ambígua de seu possível padrasto, culpa a mãe por ser lançada em uma realidade que ela não estava disposta a enfrentar e se sente confusa diante dos avanços de seu namorado, de quem visivelmente gosta, mas não se permite vivenciar uma conexão real. Esse turbilhão de emoções acaba por refletir em suas atitudes e percepções transformando suas noites em experiências repletas de sonho, saudade e solidão.

Aliás, não apenas a garota tem dificuldades em se estabelecer no presente. Hong, sua mãe, tenta construir uma nova vida junto de seu amado, projetando nele o que esperava do ex-companheiro. Já Liu não sabe como se portar junto da nova família ao passo que tenta se afastar de sua antiga profissão e rotina. Ambos acabam se decepcionando por não conseguirem se libertar de velhos hábitos e anseios remanescentes de suas vidas passadas.

O longa traz uma bela fotografia e boas interpretações, mas sua trama reticente acaba por nos distanciar de seus personagens. O clima inquietante e sua falta de linearidade também influenciam na percepção de que a história não evolui, curiosamente impedindo que os ciclos propostos se fechem. Apesar disso, entendo que este é um filme que deve ser mais sentido do que compreendido em sua totalidade. Sinestesia é a palavra chave desta obra cujo peso está majoritariamente nos sons e nas imagens e não nas palavras.

Com um clima onírico e apoiando-se mais nas sensações geradas por sua imagética do que na coesão de seu roteiro, Ciclo Solitário mostra como pode ser enganoso o resgate de um passado idealizado, principalmente quando estamos presos em espirais que se repetem e nos impedem de apreciar os desafios e surpresas do presente.

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Ficha Técnica

• 夜以继夜 : Ye yi ji ye
• Título Literal : “Noite após noite”
• Título Internacional: Single Cycle
• Direção : Zhang Qi
• Info: China 2019 Cor – 95 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt11151734/

Nota

7.0/10

7/10

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Uma coprodução entre Mongólia e Alemanha, As Veias do Mundo é um filme essencial para o momento em que vivemos, especialmente por lançar luz sobre mais um aspecto das combalidas questões ambientais e culturais.

A história gira em torno do jovem Amra e sua família, criadores de cabras que habitam as estepes da Mongólia por inúmeras gerações e que agora veem sua subsistência e seu modo de vida ameaçados pela iminente chegada de grandes companhias de mineração.

Seu pai, Erdene, tenta frear o avanço das máquinas mobilizando os moradores da região e costurando melhores garantias e acordos para que sua terra ancestral e também seus moradores não sejam prejudicados. Já Zaya, sua mãe, está receosa com o enfrentamento das grandes corporações e insiste que o marido aceite a compensação financeira oferecida para que possam deixar as terras o quanto antes.

Amra, num primeiro momento, está mais preocupado em conseguir a autorização dos pais para participar de um show de talentos na capital, mas será obrigado a colocar seus sonhos de lado e passar por um amadurecimento precoce após um trágico acidente.

Idealizado pela diretora Byambasuren Davaa, o roteiro do longa surgiu após ela revisitar certas áreas de seu país natal para a escolha de locações para um novo projeto. Ao observar a degradação dos campos e a contaminação e desaparecimento de rios e mananciais causados por uma mineração desenfreada surgiu a ideia de fazer um filme que expusesse como essa exploração brutal estava alterando o ambiente e privando povos nômades de seus meios de sobrevivência.

O filme nos mostra como a ganância e o “progresso” podem se converter em uma força destrutiva capaz de apagar traços culturais e sociais que perduravam por séculos na região. Nesse cenário, o senso de comunidade é colocado em xeque e até mesmo as estruturas familiares podem ser abaladas diante da pressão de grandes companhias e do descaso dos governantes.

As Veias do Mundo é uma obra singela cujo espírito se concentra na canção folclórica escolhida por Amra para sua apresentação. Ao cantar sobre as belezas e riquezas da terra e sobre o poder corruptor do ouro, ele nos lembra como o ser humano vai pouco a pouco rompendo os laços com o planeta e apagando a ideia de unidade construída por nossos antepassados.

Ainda há tempo. Mas se nada for feito, só sobrarão as veias do mundo, expostas e secas, para uma geração que nem sequer sabe o que perdeu.

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Ficha técnica

• Алтан судал : Altan sudal
• Título Literal : “Veias de Ouro”
• Título Internacional: Veins of the World
• Direção : Byambasuren Davaa
• Info: Mongólia, 2020 Cor – 96 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt9077352/

Nota

8.0/10

8/10

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Um elefante sentado quieto é baseado no conto homônimo publicado no livro Huge Crack, de Hu Bo. Este é o primeiro e último longa metragem do diretor, que cometeu suicídio, aos 29 anos, pouco antes do filme ser lançado.

A história, que se passa ao longo de um único dia, acompanha quatro pessoas que se sentem encurraladas e sem perspectiva, cada uma delas buscando forças para existir em um mundo cada vez mais cinza e solitário.

A culpa pela morte de um amigo, a normalização da crueldade, a falta de amor familiar e o descaso pelos idosos – todos esses elementos influenciam na composição de um ambiente opressor, uma verdadeira prisão que testa os limites de nossos personagens ao longo de quase 4 horas de filme.

Com 230 minutos de duração, o longa utiliza sem pressa o tempo adequado para apresentar cada um dos protagonistas e seus núcleos, conferindo a individualidade e o realismo necessários para conectá-los com o público. Essa interação crescente é exatamente o que prende a atenção e faz com que a experiência não seja em momento algum maçante ou sem propósito.

Nesse aspecto, vale destacar a entrega de cada um dos atores, com interpretações honestas e transbordando humanidade, que faz com que vejamos ali pessoas reais, enfrentando problemas reais de uma sociedade que se deteriora.

São poucos os diretores que conseguem trabalhar temas tão profundos e reflexivos com tamanha fluidez e sinceridade. É esta sinceridade que cria o clima de cumplicidade e identificação que faz o espectador sentir de forma tão íntima o niilismo e a monotonia cotidiana apresentada na tela.

Sobre o título, sua alegoria transparece o desejo que cada um de nós tem de fugir dos problemas e, por um momento, contemplar com serenidade e quietude o real propósito de nossas vidas.

Com um olhar intimista e repleto de melancolia, Um Elefante Sentado Quieto é uma obra delicada e silenciosa. É um ensaio realista sobre a rotina e a estagnação, sobre a hostilidade e a decadência que aumentam mais e mais as barreiras entre as pessoas.

* O filme venceu o prêmio da crítica em Berlim em 2018, ganhou o prêmio do público no Festival de Hong Kong e os prêmios de melhor filme e roteiro no Golden Horse Award, o mais importante da China.

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Ficha Técnica

• 大象席地而坐 : Da xiang xi di er zuo
• Título Literal : “Um Elefante Sentado no Chão”
• Título Internacional: An Elephant Sitting Still
• Direção : Hu Bo
• Info: China 2018 Cor – 230 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt8020896/

Nota

8.0/10

8/10

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O diretor Bong Joon-ho possui uma filmografia variada e com alguns altos e baixos. No entanto, é inegável que o tom inventivo e provocador de suas obras o coloque num patamar diferenciado.

Em Parasita, vemos um de seus melhores trabalhos, onde o humor aliado a uma crítica social mordaz vai conduzindo o espectador por zonas de um desconforto crescente e atroz, onde ninguém – personagens ou público – sai ileso.

Acompanhamos as desventuras e a miséria diária da família Kim em uma Coréia de sociedade cada vez mais estratificada, onde o desemprego e a falta de perspectiva, mesmo entre os jovens, são aspectos corriqueiros.

O contraponto vem com a apresentação da riquíssima família Park, cuja frivolidade e afetação são reflexos diretos de quem nunca passou por privações ou dificuldades.

Mas a trama está longe de ser maniqueísta e vai construindo um perfil muito rico de cada um de seus personagens, fazendo com que compaixão e desprezo se misturem enquanto os objetivos e ações de cada um são apresentados.

O diretor é muito eficiente em criar situações cômicas que pouco a pouco vão tomando ares mais tensos e desagradáveis. As risadas arrancadas do público vão dando lugar ao constrangimento e por fim ao completo estarrecimento, quando o incidente final se apresenta.

Com um elenco afiado e muito expressivo, as atuações estão na medida para que o enredo, em muitos momentos mergulhado no absurdo, seja crível e gere a empatia necessária para se conectar com os protagonistas.

Forte candidato ao Oscar de melhor filme estrangeiro, Parasita deve ainda concorrer em outras categorias, sendo aclamado em todos os festivais por onde já passou.

Neste momento em que a humanidade segue cada vez mais endurecida, extremista e desigual, o papel de um filme que nos faz enxergar os absurdos de nossas escolhas enquanto sociedade é primordial. Fica a pergunta: os parasitas sempre estiveram lá, ou nós os criamos?

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Ficha técnica

• 기생충 : Gisaengchung
• Título Literal : “Parasita”
• Título Internacional: Parasite
• Direção : Bong Joon-ho
• Info: Coréia do Sul, 2019 Cor – 132 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt6751668/

Nota

8.0/10

8/10

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Em seu segundo longa metragem, o diretor natural de Singapura, Anthony Chen, apresenta mais um drama que evidencia a fragilidade, os desafios e também as surpresas das relações humanas.

Com um marido cada vez mais distante e frio e tendo de lidar com alunos desmotivados e o baixo reconhecimento profissional, Ling é uma professora de Mandarim que vê sua vida ruindo aos poucos.

Sem filhos, ela acredita que uma gravidez, além da realização de um sonho, seria a solução de grande parte de seus problemas, mas após tratamento médico e inúmeras tentativas fracassadas este objetivo parece estar cada vez mais longe de se concretizar.

É nesse cenário que um de seus alunos passa a se destacar e interagir com ela em vários aspectos de sua vida, suprindo suas angústias e preenchendo os vazios de sua rotina.

O filme apresenta uma cadência que acentua a rotina e evidencia as frustrações, onde as chuvas constantes são também um reflexo metafórico do íntimo dos personagens, em especial dos protagonistas, que parecem isolados em seus abrigos esperando que o tempo se abra para enfim poderem tocar suas vidas.

O longa expande sua discussão ao abordar aspectos da velhice e seus cuidados e também das obrigações e pressões que uma mulher sofre numa cultura tradicional e machista, tanto em sua vida pessoal quanto na profissional.

Contudo, é a relação entre professora e aluno o ponto central da trama, uma relação que vai tomando proporções perigosas quando sentimentos e expectativas começam a mesclar seus contornos. Vale mencionar que no primeiro filme do diretor (Quando Meus Pais Não Estão em Casa), o casal de protagonistas interpretava mãe e filho, e agora, seis anos depois, Koh Jia Ler (Weilun) e Yeo Yann Yann (Professora Ling) se entregam a bem mais que carinhos maternos.

Esta é uma obra singela que apesar de sofrer um pouco com seu ritmo moroso e com a previsibilidade de seu enredo apresenta a sinceridade necessária para fazer deste um filme despretensioso mas reconfortante, como um fim de tarde após as chuvas de verão.

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Ficha técnica

• 热带雨 : Redai yu
• Título Literal : “Chuva Tropical”
• Título Internacional: Wet Season
• Direção : Anthony Chen
• Info: Singapura, Taiwan 2019 Cor – 103 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt9822706/

Nota

7.0/10

7/10

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Depois de se aventurar pelo gênero de mistério e crime no instigante O Terceiro Assassinato, Koreeda retoma sua temática preferida, mas não da forma leve como muitos esperavam. De volta aos dramas familiares, o diretor aposta na sensibilidade das relações, mas não dispensa a dureza da realidade.

Em Assunto de Família, acompanhamos o dia a dia de cinco personagens únicos, cada um deles marcado por dilemas e derrotas, tendo de abrir mão de sua moralidade em diferentes medidas para sobreviver.

A rotina de todos muda quando uma pequena garota negligenciada por seus pais é aceita como a mais nova integrante dessa família tão peculiar. Em meio a pequenos golpes e roubos vemos uma relação de irmãos surgir e também o sonho da maternidade se concretizando. A presença da menina traz alegria e faz com que novos sentimentos e relações aflorem dentro da casa, em alguns momentos gerando questionamentos profundos e transformadores.

Apesar da ternura e dos sentimentos apontados, o filme nunca se priva de mostrar que há algo de incongruente na maneira como os relacionamentos vão sendo construídos, o que vai tornando mais e mais frágil toda a estrutura que os sustenta.

O mérito do diretor é justamente criar um ambiente de tamanha dualidade, onde certo e errado se fundem instigando o espectador a todo o momento reavaliar seus sentimentos sobre o que de fato constitui uma família e todas as nuances e dinâmicas envolvidas. No fim ninguém é poupado de confrontar a realidade e um sabor amargo toma conta da doçura que permeava a obra.

Com um ritmo cadenciado e um elenco competente, o longa é primoroso em seu retrato de uma família desajustada, mas muito humana, provando que no fundo todos, independente de suas falhas e escolhas, buscam pelo afeto e pelo sentimento de pertencimento.

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Ficha técnica

• 万引き家族 : Manbiki kazoku
• Título Literal : “Família de ladrões de loja”
• Título Internacional: Shoplifters
• Direção : Koreeda Hirokazu
• Info: Japão, 2018 Cor – 121 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt8075192/

Nota

8.0/10

8/10

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Inspirado em eventos ocorridos durante a infância do próprio diretor, Quando Meus Pais Não Estão em Casa é um drama que se passa na Singapura da década de noventa em meio à crise econômica que assolou grande parte da Ásia.

A trama gira em torno de Teresa, uma imigrante filipina da província de Ilo Ilo,  que chega a Singapura para trabalhar como empregada doméstica no apartamento de um casal e também como babá de seu filho Jiale, um garoto rude e malcriado de 9 anos.

Tendo perdido o avô recentemente, enfrentando a falta de atenção dos pais e sabendo que a situação tende a piorar com o nascimento do bebê que sua mãe espera, Jiale se torna ainda mais rebelde e combativo quando descobre que terá de dividir seu quarto e se submeter aos cuidados de uma estranha.

Já Terry, como Teresa gosta de ser chamada, se sujeita a humilhações, jornadas duplas de trabalho e um baixo salário sonhando com a perspectiva de enviar dinheiro para seu próprio filho, deixado aos cuidados de sua irmã nas Filipinas.

Enquanto a tensão no lar aumenta com a demissão do marido e seus eventuais investimentos fracassam, a esposa passa a temer que ela própria possa perder seu emprego.

É em meio a esse cenário de crise que uma relação de ternura e amizade passa a se desenvolver entre o menino e sua cuidadora, cada qual servindo de consolo às angústias e vazios deixados em suas vidas.

O filme aborda de forma sensível, mas transparente, a situação a que muitos imigrantes se submetem em busca de melhores condições de vida para si e suas famílias, muitas vezes tendo de enfrentar a exploração e o preconceito. Lança também um olhar mordaz sobre as dinâmicas familiares que muitas vezes buscam manter as aparências em detrimento da empatia e de relações mais transparentes e afetuosas.

Com atuações profundas marcadas pela ausência de uma trilha sonora, a obra cria um clima de intimidade e realismo que tende a acentuar a aridez dos momentos em que os protagonistas estão inseridos, ao passo que nos aproxima ainda mais da relação entre Terry e Jiale.

Quando Meus Pais Não Estão em Casa é um retrato de tempos difíceis e de decisões extremas, situações que apesar de se passarem vinte anos atrás, talvez não estejam tão distantes assim da atualidade.

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Ficha técnica

• Ilo Ilo
• Título Literal : “Ilo Ilo”
• Título Internacional: Ilo Ilo
• Direção : Anthony Chen
• Info: Singapura, Taiwan 2013 Cor – 99 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt2901736/

Nota

7.0/10

7/10

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Carregada de metáforas e também de alusões diretas à implacabilidade da natureza, A Balada de Narayama é uma obra que aborda de forma sensível, mas também mordaz, a dualidade entre o instinto e a racionalidade, os sentimentos e o dever, a vida e a morte.

Baseado no romance homônimo escrito por Fukazawa Shichirō em 1956, o filme dirigido por Imamura Shōhei estreou em 1983 e foi o ganhador da Palma de Ouro no festival de Cannes do mesmo ano. Esta é a segunda adaptação do livro levada ao cinema, sendo a primeira dirigida por Kinoshita Keisuke em 1958.

A trama gira em torno da tradição presente em um vilarejo isolado nas montanhas, onde os idosos, ao completarem 70 anos, são levados ao topo do monte Nara e deixados lá para morrer. Tal medida garantia que os mais novos pudessem se dedicar aos seus afazeres diários ao invés de gastarem seu tempo e energia cuidando de seus idosos e também atenuar a escassez de alimentos durante o período de inverno.

Aliás esta não era a única prática adotada pelos moradores para garantir a sobrevivência da comunidade, sendo o aborto, a venda de recém-nascidos e mesmo o assassinato atitudes aceitáveis e até encorajadas.

Dentro deste ambiente extremo, a todo o momento somos confrontados com imagens de animais caçando, copulando, matando e sendo devorados, uma forma que o diretor encontrou de nos lembrar que o instinto de sobrevivência está acima da moralidade, e que o homem afinal é também parte da natureza.

Neste enredo temos Orin, uma senhora de 69 anos que apesar de plenamente ativa e lúcida começa com os preparativos para deixar a vila rumo ao seu fatídico destino, contrariando seu filho mais velho, Tatsuhei (Ogata Ken), que não consegue aceitar o fato da mãe querer se entregar à morte de forma tão determinada e serena.

Interpretada por Sakamoto Sumiko, a velha matriarca simboliza a renovação e o fechamento de um ciclo, na medida em que ela age para que nenhum assunto fique pendente antes de sua partida, seja dentro de sua família como também na comunidade em que está inserida.

O contraste entre a ternura e a dedicação de Orin para com seus filhos e as ações sórdidas perpetradas por todos ao longo do filme chegam a causar desconforto e nos fazem refletir sobre os limites entre o bem e o mal. A conduta do homem é posta em cheque e o sexo e a fome são alçados às verdadeiras motrizes da sociedade.

Com um olhar único sobre aspectos tão delicados de nossa existência, A Balada de Narayama é um filme duro e belo que certamente não deixará nenhum espectador indiferente ao cair dos inesperados e tardios flocos de neve.

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Ficha técnica

• 楢山節考 : Narayama bushikô
• Título Literal : “A Balada de Narayama”
• Título Internacional: The Ballad of Narayama
• Direção : Imamura Shôhei
• Info: Japão, 1983 Cor – 130 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0084390/

Nota

7.0/10

7/10

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Koreeda é um diretor que trabalha com maestria os aspectos simples do cotidiano e das relações pessoais, sempre com um tom de certa melancolia, mas também de esperança.

Em Depois da Tempestade essa fórmula é seguida à risca, criando um filme de extrema leveza e poesia, onde o espectador é posto a refletir sobre certos aspectos de sua vida, sobre o papel da família e também da importância de um legado para as gerações futuras.

É uma obra que apresenta a sabedoria e a complacência de quem já viveu muitos anos, os percalços e dificuldades da vida adulta e também os sonhos e a inocência das crianças. Ao combinar os desafios e alegrias de três gerações, o filme abre uma oportunidade ímpar de reflexão e envolvimento, feita de maneira singular e bela.

Temos a figura de um pai displicente e pouco engajado na criação de seu filho, lutando pelo reconhecimento profissional e vivendo à sombra da publicação de seu primeiro e único romance, tempos atrás, como escritor.

Sua ex-mulher, que representa a parte sensata e determinada do casal, é a responsável direta pela criação e educação de seu filho, e que opta por seguir em frente com sua vida pessoal apesar de seus sentimentos e de certa nostalgia romântica.

Sobre o menino, ele projeta no pai a figura de um herói, mas percebe que apesar do amor que um sente pelo outro, sua mãe tem plena razão nas escolhas que fez para ambos.

E por fim, a idosa matriarca da família, que com a recente morte do marido, tenta levar a vida de forma serena, buscando nas atividades de seu condomínio e na relação amistosa com os outros moradores uma maneira de continuar aprendendo e se maravilhando com a poesia encoberta pelo passar dos dias.

Com sua lucidez e tranquilidade, ela é o ponto de união entre todos desta trama e quem mais se preocupa com o destino de cada um dos membros da família. É através de seus conselhos, pequenas tiradas e lembranças que os personagens são postos a refletir.

Esta é uma obra que de forma singela mostra o poder e a importância de certos laços, e que aborda com ternura as angústias e dilemas que surgem com as mudanças culturais no Japão, as dinâmicas entre gerações e as reformulações dos costumes.

A tempestade que se aproxima e que só mostra sua força nos momentos finais do filme, nada mais é do que uma metáfora dos desafios e problemas que todos passam em algum momento de suas jornadas. A lição é simples, mas eficaz: Algumas coisas são levadas pelos fortes ventos e não podem ser recuperadas, outras são destruídas, mas passíveis de reconstrução ou de aperfeiçoamento, nada permanece igual após sua passagem, mas dias claros sempre surgem após a tormenta.

Assim é o mundo. Assim é a vida.

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Ficha técnica

• 海よりもまだ深く : Umi yori mo mada fukaku
• Título Literal : “Mais Profundo que o Mar”
• Título Internacional: After the Storm
• Direção : Koreeda Hirokazu
• Info: Japão, 2016 Cor – 118 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt5294966/

Nota

8.0/10

8/10

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Inspirado em encontros denominados “death cafés”, reuniões que tiveram origem na França e no Reino Unido, o evento, que ocorre sempre numa terça-feira de cada mês, consiste na exibição de um filme que tenha a morte como assunto principal seguida de um papo aberto com a plateia. Motivados pelo filme apresentado, todos os espectadores podem trocar experiências pessoais sobre a perda de entes queridos, com mediação da Dra. Ana Claudia Quintana Arantes, médica formada pela USP e pós-graduada em Intervenções em Luto pelo Instituto 4 Estações de Psicologia, autora do livro “A Morte é Um Dia que Vale a Pena Viver”. Ao lado da Dra. Ana Claudia, o evento tem a participação efetiva do consultor Tom Almeida, especializado em desenvolvimento humano, que, baseado em fatos transformadores em sua própria vida, contribui para que o tema possa fluir com a devida naturalidade.

Assim como os “death cafés”, o Cineclube da Morte nasceu com o intuito de ajudar as pessoas a compreenderem e aceitarem de forma menos dolorosa o inevitável e muitas vezes imprevisível fim da vida. Àqueles que ainda têm algum receio com o assunto, vale dizer que esta iniciativa vem despertando em seus frequentadores “insights” capazes de mudar definitivamente o conceito apenas negativo que, em geral, costuma-se ter da morte.

Mais informações podem ser encontradas no site do Belas Artes.

Serviço

• Cineclube da Morte
• Filme: A Balada de Narayama
• Quando : 10 de abril de 2018
• Ingressos: R$22 inteira | R$11 meia
• Contato: (11) 2894 5781
• Onde:  Caixa Belas Artes
• Endereço: R. da Consolação, 2423 – Consolação – São Paulo/SP
• Site: www.caixabelasartes.com.br

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Filmes de zumbi atravessam ciclos de popularidade, mas este subgênero nunca deixou seus fãs carentes de novos títulos. E talvez, por já terem sido explorados à exaustão, os roteiros que abordam essa temática já não sejam capazes de surpreender o público com tanta facilidade.

Não é o caso de Invasão Zumbi que, apostando numa ambientação claustrofóbica e angustiante, consegue ao mesmo tempo impor um ritmo dinâmico com boas doses de ação e drama.

A trama é centrada em um administrador de investimentos divorciado cuja atenção é totalmente voltada para a própria carreira, o que acaba por deixar sua filha pequena em segundo plano. Para tentar corrigir essa situação, ele decide na véspera do aniversário da garota levá-la para visitar a mãe em outra cidade.

Ambos embarcam então num trem com destino à Busan, sem saber que uma epidemia começava a eclodir pelo país. A descoberta do que realmente está acontecendo só fica clara quando o caos já está instaurado nos vagões devido ao embarque de uma passageira infectada. A partir daí, todos devem lutar por suas vidas enquanto o trem busca uma parada segura e o número de zumbis aumenta.

Sobre os zumbis, alias, não há muito que comentar, mas é sempre bom ver diretores que buscam dar um novo enfoque à mitologia desses seres. Aqui os mortos-vivos não possuem aquela clássica lentidão e apatia, ao invés disso são seres selvagens e frenéticos totalmente focados em suas vítimas e guiados pelo estímulo visual.

Essa escolha rende excelentes cenas de perseguição quando a ação parte para os espaços abertos e confere uma enorme tensão no interior dos vagões.

Além de pai e filha, temos outros personagens de destaque no filme, e a atenção e o foco narrativo são bem distribuídos entre cada um dos núcleos. Abraçando figuras estereotipadas, como por exemplo, o empresário ganancioso, o esportista, e o cara durão com um bom coração, essas características servem bem à trama e fazem com que a identificação com os personagens seja eficiente dentro de uma estrutura que carece de tempo para maior desenvolvimento de seus protagonistas.

E graças a essa empatia gerada, o filme consegue se sustentar nos momentos de drama explorando situações comoventes de perda e até de certa poesia. Muito mais que um mero terror, é um filme capaz de emocionar e de fazer os espectadores refletirem sobre quem são os verdadeiros monstros da história.

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Ficha técnica

• 부산행 : Busanhaeng
• Título Literal : “Para Busan”
• Título Internacional: Train to Busan
• Direção : Yeon Sang-ho
• Info: Coréia do Sul, 2016 Cor – 118 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt5700672/

Nota

8.0/10

8/10

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Debater as peculiaridades e os problemas da velhice, juntamente com as implicações causadas à família dos idosos é uma tarefa árdua, muitas vezes espinhosa, mas indiscutivelmente necessária.

Independente da cultura, posição social ou condição financeira, todos um dia vão envelhecer (salvo os visitados por certa senhora de olhar frio), e com o avançar dos anos muitos são relegados ao isolamento, à perda de autonomia e por fim ao esquecimento.

São poucos os povos que sabem lidar de forma adequada com sua população de idosos, até porque esta parcela da população não era tão numerosa algumas gerações atrás. Hoje vive-se por mais tempo e de forma melhor, e com este aumento da expectativa de vida também crescem os desafios.

Achei necessária esta pequena reflexão, pois muitos filmes recentes tentam tocar no assunto, mas poucos conseguem escapar dos clichês presentes em comédias descartáveis e do melodrama barato.

Não é o caso de O Ciclo da Vida. Dirigido por Zhang Yang, o filme recorre sim ao humor e ao drama, mas sem soar caricato ou exagerado. A trama é suave, realista em sua crítica, mas reconfortante e poética no tratamento de seus protagonistas.

Acompanhamos a ida do Velho Ge, viúvo e sem ter onde morar, para um lar de idosos numa província ao norte da China. Tendo cortado os laços com seu único filho há muitos anos, só lhe resta a companhia de seu amigo e também morador do asilo, Velho Zhou.

Depressivo e lamentando seu destino, Ge irá encontrar junto dos outros idosos uma nova perspectiva de vida ao planejarem se inscrever em um show de variedades para representar um esquete cômico. Quando lhes é negada essa possibilidade, o grupo decide então fugir para realizar este importante sonho.

A chave para o sucesso desta obra está em sua simplicidade, mas também em sua capacidade de surpreender. O caminho fácil de uma comédia de velhinhos descolados e também a típica fórmula de um road movie são deixados de lado, com maior ênfase dada às histórias de fundo e aos relacionamentos dos envolvidos. Aliás, a viagem em si só ocorre quando o filme já está bem estabelecido e ocupa uma pequena porção do mesmo.

Apesar do destaque dado à Ge e posteriormente ao Velho Zhou, percebemos que todos ali possuem histórias a serem contadas e que um tema recorrente é a melancolia causada pelo abandono dos filhos e parentes próximos.

Sobre as atuações, os veteranos atores conseguem comover e alegrar em igual medida com representações convincentes e cheias de empatia que se conectam facilmente com os espectadores. Impossível assistir ao filme sem ver representado em algum personagem uma figura que lembre nosso avô, ou mãe ou até nós mesmos.

Outro destaque são as cenas externas, belíssimas e amplas, que têm sua importância justamente por servir de contraponto ao confinamento da casa de repouso e ilustrar as almas jovens e expansivas de nossos aventureiros.

O Ciclo da Vida é uma ode à superação e à amizade que trata da habilidade das pessoas de realizar seus sonhos em qualquer idade.

Trailer

Ficha técnica

• 飛越老人院 : Fei yue lao ren yuan
• Título Literal : “Voando Sobre a Casa de Repouso”
• Título Internacional: Full Circle
• Direção : Zhang Yang
• Info: China 2012 Cor – 105 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt2401013/

Nota

8.0/10

8/10

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No limiar entre a realidade e o mundo da fantasia, A Floresta é um intrigante drama que explora experiências universais da infância, assim como dilemas morais da vida adulta.

Escrito e dirigido por Paul Spurrier, cineasta britânico fluente em tailandês e o primeiro ocidental a fazer um filme nesta língua, A Floresta conta a história de Preecha, um professor novato que decide vivenciar a realidade fora dos muros de um templo após ter dedicado dez anos de sua existência como monge.

Acreditando no poder transformador da educação e do comprometimento, ele logo tem seus métodos e sonhos colocados à prova num ambiente estagnado e fadado a sucumbir devido à falência moral e econômica.

Acolhedor, Preecha tenta combater o bullying sofrido por Ja, garota aparentemente muda que é alvo de constantes ataques por parte de outras alunas. Seu esforço em instruir e levar as crianças a praticar o bem acaba entrando em conflito com os interesses do diretor e causando a ira do chefe comunitário, o que pode por fim à sua carreira. Ambos, professor e aluna, são figuras sensíveis que tentam lutar contra as adversidades que encontram pelo caminho, mas que sozinhos não parecem ter forças para prosseguir.

Nesse ponto, a trama passa a dar mais enfoque à rotina de Ja. Solitária e vivendo num local ermo junto ao pai pobre e alcoólatra, a garota não parece receber afeto de nenhuma das pessoas que cruzam seu caminho. A vida de Ja começa a mudar quando, ao pegar um atalho pelo interior da floresta, se depara com um menino intimidante e de hábitos selvagens. De início a intenção do garoto é afugentar Ja de seus domínios, mas com o tempo eles estabelecem uma relação de confiança e amizade que faz com que passem cada vez mais tempo juntos.

Vale a pena destacar aqui a atuação dos pequenos protagonistas, que conseguem transmitir suas emoções sem descambar para a caricatura.

Spurrier trabalha de forma alegórica e nos faz questionar a real existência do garoto e suas motivações num primeiro momento do filme. Utiliza também a beleza das locações e a força arrebatadora da natureza para criar um contraponto entre inocência, instinto, amor e morte.

A Floresta é um filme que nos faz refletir sobre o real peso de nossas ações e também levanta a questão do karma pela ótica do budismo. É uma obra que aborda de forma sensível a perda e o luto e que por fim abraça a inevitabilidade de acertos e erros como forma de seguir adiante.

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Ficha técnica

• ป่า : Pa
• Título Literal : “Floresta”
• Título Internacional: The Forest
• Direção : Paul Spurrier
• Info: Tailândia, 2016 Cor – 109 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt4982356/

Nota

7.0/10

7/10

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Primeiro trabalho da diretora Huang Fei, Missing Johnny conta a história de três jovens moradores de Taipei cujas vidas se cruzam em um condomínio de apartamentos através de pequenos incidentes e coincidências do cotidiano.

Hsu Zi Qi é uma garota que adora pássaros e que cria alguns em seu apartamento como animais de estimação. É nesse apartamento, alugado por seu namorado que mora em outra cidade, em que ela vive sozinha e melancólica.

O filho da dona do imóvel, Lee Lee, é um garoto autista que acaba se aproximando de Zi Qi devido ao fascínio causado por seus pássaros e também pelo fato da moça lhe tratar com carinho e de forma atenciosa.

Já Ah Feng trabalha com obras e reformas e é contratado pela senhora Lee para fazer alguns reparos em um novo apartamento e também no condomínio. O envolvimento com os dois outros protagonistas acontece quando um dos papagaios de Zi Qi foge e ela pede a ajuda dos dois rapazes para conseguir achar sua querida mascote.

A partir desse inusitado encontro vamos conhecendo os pormenores da vida do trio e percebendo como a solidão e o arrependimento são sentimentos que guiam os destinos de cada um deles.

Zi Qi está insatisfeita em sua solidão e nos raros momentos em que está junto de seu namorado, ambos não conseguem se conectar de fato. A falta de amor e as diferenças do casal fazem com que seu relacionamento esteja fadado ao fracasso. Ela também carrega um segredo que faz com que sempre se questione sobre os rumos que escolheu para sua vida.

Enquanto isso, Lee tenta viver uma vida normal, apesar de suas limitações e da proteção excessiva da mãe. Ambos compartilham o trauma causado pela morte do irmão de Lee num acidente de carro, o que explica a atitude da mãe para com o filho que restou e também a necessidade que o jovem tem de, alguma forma, se reconectar com o irmão que partiu. Mãe e filho vivem imersos num misto de saudade e remorso, sempre buscando algo que, no fundo, já sabem estar fora de seus alcances.

Feng é outro personagem que também tem problemas com seu passado. O divorcio de seus pais quando ainda criança fez com que ele adotasse seu professor como figura paterna. É junto à família de seu antigo professor que ele ainda se reúne e onde percebemos que a relação entre pais e filhos pode ser conflituosa, estejam eles convivendo na mesma casa ou separados por incontáveis anos.

Missing Johnny é uma obra cujo foco não se atém à história propriamente dita, relegando às entrelinhas e aos sentimentos de seus personagens a verdadeira força do filme. Através de pequenas tramas que se conectam e que podem ou não ter uma resolução, a diretora monta um quadro mais amplo onde o que importam são os relacionamentos humanos e não necessariamente o lugar para onde nos levam.

Só é uma pena que, talvez pela inexperiência de Huang Fei à frente das câmeras, a história se mostre contemplativa demais, com um ritmo por diversas vezes arrastado que culmina num final abrupto, justamente quando os relacionamentos mostrados no filme começam a se estreitar.

O filme também é prejudicado pelo pouco peso imbuído aos protagonistas. Não que haja um problema de atuação, mas a falta de cuidado ao estruturar o passado dos principais personagens e a ausência de informações sobre certos acontecimentos e decisões tomadas (na história de Zi Qi, por exemplo) faz com que os espectadores não consigam estabelecer um vínculo e, por conseguinte, deixem de se importar com seus dramas.

E agora você pode se perguntar, quem é afinal o Johnny do título? Bem, por mais pueril que seja esta informação, melhor deixar para se descobrir durante o filme.

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Ficha técnica

• 強尼.凱克 : Qiang ni. Kai ke
• Título Literal : “Johnny. Papagaio”
• Título Internacional: Missing Johnny
• Direção : Huang Xi
• Info: Taiwan 2017 Cor – 104 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt7010456/

Nota

6.0/10

6/10

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Contos da Lua Vaga é um romance histórico de fantasia que se passa no período Azuchi-Momoyama (1573-1600) onde o Japão, imerso no caos, passava por uma profunda transformação buscando a unificação política.

A guerra civil começava a ameaçar mesmo os pequenos vilarejos e à população aflita só restava fugir ou sucumbir ante as hordas de guerreiros famintos e cruéis.

Talvez um dos mais conhecidos filmes de Mizoguchi no ocidente, Contos da Lua Vaga é uma história de fantasmas e também um exemplo do gênero jidaigeki, que são os dramas de época japoneses. Além disso, é também o único exemplo em sua filmografia em que o sobrenatural tem papel central e age de forma direta sobre o destino dos protagonistas.

Explorando temas como cobiça, a busca pela glória, a diferença entre castas e a negligência familiar, o filme traça um retrato agridoce do período ao mesmo tempo em que funciona como uma propaganda anti guerra, tema ainda sensível ao Japão pós segunda guerra mundial.

Sobre a trama, temos Genjurô, um camponês que almeja fazer fortuna vendendo utensílios de cerâmica, e seu cunhado, Tôbei, que sonha se tornar um renomado samurai e alcançar a glória. Após uma primeira incursão bem sucedida, ambos decidem atravessar o lago Biwa e tentar a fortuna em um novo mercado, mesmo que suas famílias e a própria integridade estejam em risco.

Mizoguchi compôs a história de Genjurô baseando-se em dois contos presentes no livro Ugestu Monogatari escrito por Akinari Ueda. Já a saga de Tôbei tem seu cerne extraído de Décoré!, escrito por Guy de Maupassant.

Em ambos os casos, temos o peso das escolhas dos personagens afetando suas respectivas esposas e um amadurecimento causado pela falência de seus sonhos e ambições. Vale destacar que os pesares e desafios enfrentados pelas mulheres nesse período de guerra tornaram-se o tema mais proeminente dentro do longa, refletindo talvez um arrependimento do diretor em enaltecer o militarismo e as campanhas de guerra em seus filmes que antecederam a derrota japonesa em 1945.

Com relação à temática sobrenatural, Contos da Lua Vaga virou referência para inúmeras obras japonesas e mesmo ocidentais no gênero do horror ao abordar o relacionamento proibido entre vivos e espíritos, além de utilizar elementos da religião e da mitologia integrados ao cotidiano, mostrando a barreira entre os mundos como uma tênue linha que pode ser atravessada caso alguém se deixe levar pela cobiça ou pelo desejo.

Contos da Lua Vaga é um clássico entre as produções japonesas e um dos principais filmes de Mizoguchi, tendo ganho o Leão de Prata no Festival de Veneza de 1953 e sendo responsável por colocar o cinema nipônico em evidência ainda maior no ocidente.

Trailer

Ficha técnica

• 雨月物語: Ugetsu Monogatari
• Título Literal : Contos da Chuva e da Lua
• Título Internacional: Ugetsu
• Direção : Mizoguchi Kenji
• Info: Japão, 1953 Preto e Branco – 96 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0046478/

Nota

7.0/10

7/10

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O diretor Zhang Yimou vem cada vez mais testando seus limites na maneira de trabalhar simbolismos, utilizar as cores e expressar emoções de maneira sinestésica, muitas vezes no limiar do excesso.

Com A Maldição da Flor Dourada ele atinge o ápice dessa experimentação, criando uma tragédia melodramática cuja estrutura, visual e temática, é tanto delirante quanto arrebatadora.

A obra adota um tom teatral onde intrigas palacianas são apresentadas em uma intrincada cadeia de eventos onde nenhum dos personagens apresentados saíra sem mácula. Relações incestuosas, amores proibidos, traições, a busca pelo poder e a rivalidade entre irmãos fazem parte do extenso conjunto de elementos encobertos por segredos e mortes em uma trama cujos interesses do imperador colidem de frente com a figura da imperatriz e suas aspirações, ao ponto de cada um conspirar para a destruição do outro.

Chow Yun-Fat entrega uma mescla de serenidade e crueldade à sua interpretação do imperador, criando uma aura de poder que envolve e sufoca a todos que o rodeiam. Já a imperatriz tem na interpretação de Gong Li uma força latente, misto de revolta e desejo aprisionados pelas obrigações de sua posição no palácio. Todo este peso depositado no casal de protagonistas encontra alegoricamente uma correspondência com suas vestimentas e adereços onde os espectadores quase conseguem sentir a carga sobre seus ombros nas cenas em que os extensos corredores são atravessados.

O elenco de apoio é responsável e seus papéis são convincentes, mas os verdadeiros trunfos do filme são a fotografia, a exuberante cenografia e os figurinos de época, todos muito bem elaborados e apoiados em cores quentes e vívidas. O interior do palácio é um ambiente quase onírico em sua variedade de cores e formas e as enormes quantidades de serviçais sincronizados em suas tarefas cotidianas contribuem com esta aura de surreal perfeição. Sobre as roupas utilizadas em cena, cada uma delas composta de 4 ou mais camadas caprichosamente sobrepostas, evocam a riqueza e o papel das tradições e ritos dentro da realeza.

Abraçando a tragédia e apoiando a história numa estética de deslumbramento visual, Zhang Yimou nos entrega mais uma obra prima neste drama pincelado de artes marciais, onde o brilho dourado do ouro só é ofuscado (em curtos momentos) pelo vermelho do sangue.

Trailer

Ficha técnica

• 满城尽带黄金甲 : Man cheng jin dai huang jin jia
• Título Literal : “A Cidade Inteira Está Vestida em uma Armadura Dourada”
• Título Internacional: The Curse of the Golden Flower
• Direção : Zhang Yimou
• Info: China, Hong Kong 2006 Cor – 111 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0473444/

Nota

8.0/10

8/10

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Uma vez mais explorando a temática das artes marciais em um de seus filmes, o diretor Wong Kar-wai constrói uma obra visualmente deslumbrante, abusando de seu estilo e edição característicos e também de elementos de enredo que são recorrentes em sua aclamada carreira.

Sua única incursão nesse gênero havia sido com Cinzas do Passado (東邪西毒 Dung che sai duk), lançado em 1994. Posteriormente a obra passou por uma revisão e foi relançada em 2008 como Cinzas do Passado Redux.

Dezenove anos depois temos O Grande Mestre, um filme cuja premissa é retratar de forma biográfica pessoas e eventos marcantes na vida do lendário mestre de wing chun Ip Man, desde seus tempos em Foshan, cidade localizada na província de Guangdong, até eventualmente se estabelecer em Hong Kong após a segunda guerra.

Estranho constatar que é justamente nesta premissa básica que o filme apresenta sua estrutura mais frágil, o que acabou por desagradar muitos dos espectadores. Digo isto porque a obra carece de linearidade e em determinados momentos apresenta arcos onde o foco da trama recai sobre outros personagens e acaba por deixar a figura do protagonista totalmente de lado. Além disso, vale lembrar que muitos dos eventos e pessoas retratadas são ficcionais ou alterados de forma a melhor se encaixar na visão do diretor, o que certamente não contribuí para um entendimento mais profundo da figura de Ip Man.

Outro ponto que pode gerar frustração é a edição entrecortada que acaba por deixar alguns núcleos sem resolução ou com sua integração com o restante da obra prejudicada, como é o caso da mulher de Ip, que praticamente desaparece da metade do filme para frente e mais notoriamente a história do personagem Navalha, que deslocada do restante da trama aparece mais como um bônus.

Apontados os pontos falhos, podemos concordar que O Grande Mestre apresenta de forma maestral o estilo pelo qual o diretor ficou conhecido, com cenografia, figurino e trilha sonora impecáveis. Cada peça de mobília, cada gesto, cada olhar trocado é enaltecido por tomadas de câmera inventivas que ao mesmo tempo em que nos transportam para a intimidade da cena, também nos distânciam, criando certa aura de sonho e maravilhamento, como se estivéssemos diante de painéis pintados que por mágica parecem criar vida.

Outro elemento a ser aplaudido é a coreografia dos movimentos e a fluidez e dedicação que os atores empenham nos momentos de combate. Com vários mestres tendo de por suas habilidades à prova, o filme apresenta uma galeria de estilos e técnicas marciais que apoiados na plasticidade e na precisão criam cenas marcantes e de extrema beleza.

Sobre os personagens, Tony Leung Chiu-Wai oferece uma interpretação elegante e contida de Ip Man nos momentos de diálogo e de extrema entrega durante os duelos. Já Gong Er, interpretada por Zhang Ziyi, é verdadeiramente a grande estrela do filme, com uma atuação sólida e uma história trágica e sensível que amarra todos os acontecimentos da trama. Destaque também para a jornada de extrema poesia do velho mestre Gong Yutian e de seu poderoso mas descontrolado discípulo Ma San.

Mais do que um filme de luta, O Grande Mestre é uma obra que levanta situações delicadas como a acirrada disputa entre o Norte e o Sul da China, a questão da autonomia de Hong Kong e as mazelas com o Japão. Além disso, resgata temas chave da obra de Wong Kar-Wai, tais como sentimentos contidos, amores impossíveis, a honra e principalmente o arrependimento.

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Ficha técnica

• 一代宗師 : Yi dai zong shi
• Título Literal : “O Mestre de uma Geração”
• Título Internacional: The Grandmaster
• Direção : Wong Kar-Wai
• Info: Hong Kong, China 2013 Cor – 130 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt1462900/

Nota

8.0/10

8/10

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