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O que é real e o que é sonho na vida de uma adolescente que se nega a aceitar o presente? E o passado, quando revisitado, continua da maneira como nos lembramos? Aliás, algo de fato muda em uma vida composta de ciclos? Estas são perguntas que surgem no primeiro longa metragem do diretor Zhang Qi.

No filme, acompanhamos a vida da jovem Ye em uma rotina repleta de pequenas tensões, abafada por sentimentos não expressos e palavras não ditas. Ye não consegue criar vínculos reais na cidade de Yinchuan, para onde se mudou com a mãe dez anos atrás após o divórcio dos pais.

Ela deseja saber mais sobre o pai que ficou para trás em sua cidade natal e cujo único vínculo é o dinheiro da pensão que chega mensalmente. Além disso, o fato do atual namorado de sua mãe ter se mudado para sua casa torna ainda mais difícil seu elo com o passado.

Ye sofre diante da postura ambígua de seu possível padrasto, culpa a mãe por ser lançada em uma realidade que ela não estava disposta a enfrentar e se sente confusa diante dos avanços de seu namorado, de quem visivelmente gosta, mas não se permite vivenciar uma conexão real. Esse turbilhão de emoções acaba por refletir em suas atitudes e percepções transformando suas noites em experiências repletas de sonho, saudade e solidão.

Aliás, não apenas a garota tem dificuldades em se estabelecer no presente. Hong, sua mãe, tenta construir uma nova vida junto de seu amado, projetando nele o que esperava do ex-companheiro. Já Liu não sabe como se portar junto da nova família ao passo que tenta se afastar de sua antiga profissão e rotina. Ambos acabam se decepcionando por não conseguirem se libertar de velhos hábitos e anseios remanescentes de suas vidas passadas.

O longa traz uma bela fotografia e boas interpretações, mas sua trama reticente acaba por nos distanciar de seus personagens. O clima inquietante e sua falta de linearidade também influenciam na percepção de que a história não evolui, curiosamente impedindo que os ciclos propostos se fechem. Apesar disso, entendo que este é um filme que deve ser mais sentido do que compreendido em sua totalidade. Sinestesia é a palavra chave desta obra cujo peso está majoritariamente nos sons e nas imagens e não nas palavras.

Com um clima onírico e apoiando-se mais nas sensações geradas por sua imagética do que na coesão de seu roteiro, Ciclo Solitário mostra como pode ser enganoso o resgate de um passado idealizado, principalmente quando estamos presos em espirais que se repetem e nos impedem de apreciar os desafios e surpresas do presente.

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Ficha Técnica

• 夜以继夜 : Ye yi ji ye
• Título Literal : “Noite após noite”
• Título Internacional: Single Cycle
• Direção : Zhang Qi
• Info: China 2019 Cor – 95 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt11151734/

Nota

7.0/10

7/10

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Preparados para uma viagem surreal e bizarra? House, um horror com tons satíricos dirigido e produzido por Obayashi Nobuhiko em 1977, é um filme de estética única que, apesar de estranho, carrega uma aura Cult e repleta de experimentações.

A trama acompanha uma estudante viajando para o campo junto de seis colegas de classe para passar as férias na casa de uma tia que não vê há anos. Lá a turma de garotas se depara com forças sobrenaturais, precisando lutar desesperadamente para não serem consumidas pela casa.

Com um elenco formado quase que exclusivamente por amadores, o filme, acreditem, foi a aposta do tradicional estúdio Toho para competir com o grande sucesso que o filme Tubarão estava fazendo no ocidente.

É curioso destacar que grande parte das ideias incorporadas no script foram sugestões dadas pela filha do diretor, apenas uma criança à época das filmagens. A intenção era criar uma atmosfera que desafiasse a lógica e que não pudesse ser explicada pela mente de um adulto.

Mas certamente, o ponto alto do filme é a massiva utilização de efeitos especiais, misturando elementos práticos, cenários pintados, sobreposição de imagens e muito fundo azul. Além desses recursos, fotografia e edição também foram empregadas de forma muito inventiva e pouco convencional gerando um resultado propositalmente irreal.

Outra característica marcante é a trilha sonora, tão variada e psicodélica quanto a parte visual, sendo reproduzida de forma quase constante. Essa onipresença musical em muitos momentos gera desconforto e parece desbalanceada, chegando a abafar a fala dos atores em cena e só aumentando o clima de estranheza do longa.

Analisado meramente como um filme, podemos apontar inúmeros pontos falhos na elaboração de House, seja pela trama simplista, pelas atuações risíveis ou pelos excessos estilísticos do diretor. Contudo é inegável que enquanto experiência cinematográfica e sinestésica, Obayashi criou um verdadeiro tesouro sensorial, um sonho febril que não deixará espectador algum indiferente.

Trailer

Ficha técnica

• ハウス : Hausu
• Título Literal : “Casa”
• Título Internacional: House
• Direção : Obayashi Nobuhiko
• Info: Japão, 1977 Cor – 88 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0076162/

Nota

6.0/10

6/10

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Poderia apenas dizer que não gosto desse filme, ou mesmo deixar de cita-lo nesse espaço dedicado à cinematografia asiática, contudo, Tetsuo tem sua relevância como marco inicial de uma nova era para o cinema underground ao inspirar muitos outros cineastas a seguirem o caminho da inovação e do experimentalismo, em oposição à inexpressividade e estagnação que assolavam as produções nipônicas desde a década de 70.

Com atuações afetadas, uma história fraca e mal acabada, embrulhada com pouco esmero num papel de presente de mau gosto recendendo à crítica social barata, esta pequena fábula cyberpunk de Tsukamoto acabou por ganhar, com o passar dos anos, uma legião de adoradores, que insistem em atribuir-lhe uma aura “cult” que talvez não mereça.

A história do homem de negócios que aos poucos se torna máquina, o distanciamento e o rigor com que as relações interpessoais são conduzidas e o niilismo que permeia a sociedade das grandes metrópoles com certeza são temas interessantes e de extrema relevância. No entanto, uma boa ideia não é suficiente para se fazer um bom filme.

Apesar disso, alguns pontos têm de ser aplaudidos: com menos de 30 anos na época da produção, o diretor foi, ele próprio, responsável pela criação de parte dos cenários e da caracterização de personagens, usando grande criatividade na maneira como foram realizados os efeitos práticos e também as sequências frenéticas e surreais em stop motion. A isso se somam a Fotografia e a trilha sonora que, de forma intensa, contribuem com a temática sombria e industrial do filme.

Talvez meus gostos pessoais me impeçam de ver certas coisas, talvez o filme seja de fato a obra de arte que muitos defendem com ardor e extremismo, talvez Tetsuo seja mesmo um pequeno grande filme e talvez Tsukamoto seja mesmo um visionário.

Pensando bem… talvez não.

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Ficha técnica

• 鉄男 : Tetsuo
• Título Literal : “Homem de Ferro”
• Título Internacional: Tetsuo: Iron Man
• Direção : Tsukamoto Shinya
• Info: Japão, 1989 Preto e Branco – 67 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0096251/

Nota

3.0/10

3/10

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Neste longa, que é considerado por muitos como o primeiro filme gore da história da sétima arte, acompanhamos um conto moral de culpa e punição onde a passividade pode ser tão nociva quanto as más ações.

Na trama, Shiro, um estudante de teologia, envolve-se em um acidente de carro onde um homem é atropelado. Influenciado por seu companheiro Tamura, ambos fogem sem prestar socorro. Atormentado pela culpa, Shiro resolve procurar a polícia junto de sua noiva, mas repetindo sua sina, é assolado por novas tragédias. Angustiado, ele ruma para a casa de descanso onde sua debilitada mãe reside. Ali ele encontra um antro de iniquidades, repleto de infidelidade, excessos e corrupção.

O cenário só tende a piorar quando o malévolo Tamura surge revelando as falhas morais de todos. É nesse ponto que os pecados e desvios de conduta dos presentes acabam por, literalmente, condena-los ao inferno.

Tamura representa, de certa forma, a personificação do lado obscuro de Shiro, um duplo diabólico que de maneira inexplicável parece conhecer o íntimo de cada um dos personagens do filme, como se fosse um emissário sobrenatural, um arauto da danação.

A partir daqui o filme muda de tom e passa a se destacar das obras feitas até essa época, com uma fotografia inovadora e com representações extremamente gráficas das torturas e tormentos das massas que vagam pelos círculos infernais.

Nesse ambiente onde a agonia e o sofrimento atingem tanto a parte física quanto emocional dos personagens, o diretor utiliza de criatividade e maestria para criar cenas marcantes e perturbadoras. Vale observar com atenção como luz, cores e sombras foram empregadas para criar um ambiente surreal e estranhamente belo.

É curioso destacar que o diretor Nakagawa Nobuo não esperava que o filme fosse bem recebido pelo público, pois o estúdio Shintoho (新東宝株式会社 Shintoho kabushiki kaisha), responsável pelas filmagens, era também responsável por produções ruins e de baixo orçamento.

Jigoku foi um filme feito às pressas, e foi também a última produção do estúdio antes de declarar falência. Em um documentário disponível na edição lançada pela Criterion, o ator que interpreta Tamura, Numata Youichi, contou que, normalmente, apenas o pessoal de suporte era responsável pela montagem e manutenção dos sets, mas por se tratar da última produção do estúdio, houve comoção e comprometimento por parte de todos, inclusive de atores e figurantes, que também passaram a ajudar na montagem.

Talvez por isso o filme tenha sido tão inovador para a época, já que a falta de recursos fez com que o diretor usasse de toda sua habilidade e inventividade para compor este que hoje é considerado um clássico do terror japonês.

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Ficha técnica

• 地獄 : Jigoku
• Título Literal : “Inferno”
• Título Internacional: The Sinners of Hell
• Direção : Nakagawa Nobuo
• Info: Japão, 1960 Cor – 101 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0154683/

Nota

6.0/10

6/10

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Baseado no mangá de mesmo nome escrito por Yamamoto Hideo, o filme nos transporta a um cenário frequentemente visitado pelo diretor Miike Takashi: a Yakuza.

Nesse longa, lealdade e violência são mostradas de forma extrema, grotesca e de certa maneira cartunesca, em situações que podem incomodar mesmo os fãs do gênero que não estejam habituados às excentricidades do diretor.

Apesar do título, o grande destaque dessa obra é Kakihara, vivido por Asano Tadanobu em uma interpretação pitoresca e com certeza memorável. O sadismo com que conduz suas ações e sua busca pessoal pelo sofrimento pleno dão o tom ao filme e fazem dele o centro das atenções. Alias, outra coisa que chama a atenção é o figurino do personagem.

A trama segue pautada na busca pelo paradeiro do chefe Anjo, causa de tanta brutalidade para se conseguir informações, e também pelas maquinações do manipulador Jijii(Tsukamoto Shinya), que é a mente por trás de Ichi e de todo o caos que assola os clãs Yakuza.

O filme é de alguma maneira reticente ao não mostrar as reais intenções de Jijii o que torna alguns trechos obscuros e sujeitos à livre interpretação do público. O uso de flash-backs também não serve para elucidar esses trechos, visto que, no filme, mesmo as memórias são passíveis de manipulação.

Contudo, numa obra como esta, o espectador não deve esperar por tudo mastigado, afinal, o cinema de Miike é assim: provocativo e bizarro.

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Ficha técnica

• 殺し屋1 : Koroshiya Ichi
• Título Literal : “Assassino 1”
• Título Internacional: Ichi, The Killer
• Direção : Miike Takashi
• Info: Japão, 2001 Cor – 129 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0296042/

Nota

7.0/10

7/10

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Filmado em preto e branco em uma estética que utiliza alto contraste entre luz e sombra, Rubber’s Lover explora em seus 91 minutos uma seleção de imagens grotescas, uma trilha sonora perturbadora, juntamente com atuações que beiram a insanidade e estabelecem o filme como um expoente dentro da temática cyberpunk japonesa.

Por si só, isso já deve afastar grande parte do público, mesmo aqueles afeitos à ficção científica e ao horror. Porém, para os amantes de cinema extremo e experimental, a obra se sobressai como um dos mais inventivos filmes do gênero.

O enredo, apesar de simples, levanta questões sobre os limites da ciência, da ética e da sociedade além de trazer algumas sequências particularmente crípticas, que acabam por contribuir com o clima de estranheza que permeia cada momento do longa. Na trama, cobaias humanas são submetidas a experimentos onde a angústia mental deve exceder a tolerância física, para que o cérebro manifeste um poder psíquico latente.

Alguns momentos evocam comparações com o clássico de Cronenberg, Scanners, mas Rubber’s Lover é construído de forma perturbadora e peculiar, principalmente na questão estética e sonora. Com cenas de estupro, tortura e sofrimento, o filme incomoda não só por ser gráfico demais nesses momentos, mas também pelos gritos e berros lancinantes que ecoam por quase toda a exibição.

Com mais pros do que contras, este é um filme essencial para aqueles que desejam conhecer mais desse sub-gênero japonês, onde o homem moderno é assolado pela frieza da sociedade, por um corporativismo opressor e por pesadelos de um mundo industrial e cibernético, em que, não raro, o próprio homem acaba por se transformar em algo pior do que seus sonhos mais obscuros.

Invariáveis comparações com Tetsuo – O Homem de Ferro, outro título de mesma temática,  são frequentes. Contudo a tão aclamada (ou deveria dizer fraca e mal elaborada?) obra de Tsukamoto Shinya não se compara à vibrante e aterradora gema extraída da mente de Fukui.

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Ficha técnica

• ラバーズ・ラヴァー : Rabaazu Ravaa
• Título Literal : “Amante de Borracha”
• Título Internacional: Rubber’s Lover
• Direção : Fukui Shozin
• Info: Japão, 1996 Preto e Branco – 91 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0227408/

Nota

7.0/10

7/10

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Também conhecido como “Ataque do povo cogumelo”, Matango foi baseado em um conto originalmente publicado em 1907, “The Voice in the Night”, escrito por William Hope Hodgson. Com uma temática bizarra e sem pares temáticos na época em que foi lançado, a obra acabou, com o passar dos anos, sendo envolta por uma aura cult.

Matango foi dirigido por Honda Ishirô e teve seus efeitos especiais criados por Tsuburaya Eiji. A dupla foi responsável por inúmeros filmes de ficção e fantasia, entre eles o clássico Godzilla (ゴジラ – Gojira).

Na trama, um iate é danificado em uma tempestade e seus tripulantes são obrigados a rumar para uma ilha avistada nas proximidades. Na ilha, que aparentemente estava deserta, os náufragos encontram um navio de pesquisas encalhado em uma de suas praias. Após examinarem a embarcação (que estava tomada por uma espécie de mofo) descobrem que sua tripulação estava envolvida em pesquisas sobre radiação e seus resíduos, e que seu paradeiro atual é desconhecido.

Com a comida escassa, os náufragos passam a cobiçar os abundantes e viçosos cogumelos que florescem pela ilha, mesmo sendo alertados pelo capitão que os mesmos poderiam causar envenenamento. Não tarda para que a fome e disputas internas façam com que os efeitos do cogumelo no organismo sejam descobertos.

Apesar da produção ser descuidada e dos efeitos especiais serem datados, o filme apresenta algumas cenas memoráveis. Para um filme de horror, Matango não assusta ninguém, mas certamente consegue entreter e mesmo divertir durante sua hora e meia de psicodelismo.

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Ficha técnica

• マタンゴ : Matango
• Título Literal : “Matango”
• Título Internacional: Matango: Attack of the Mushroom People
• Direção : Honda Ishirô
• Info: Japão, 1963 Cor – 89 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0057295/

Nota

6.0/10

6/10

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Assistido em uma mostra de cinema oriental extremo na região central de São Paulo, definitivamente Gozu foi a grande sensação dentre os filmes exibidos, trazendo um misto de terror, violência e humor dentro de uma trama surreal que agradou (estarreceu?) o público presente.

A princípio, o filme apresenta o que seria mais uma obra sobre a Yakuza, mas logo o diretor Miike Takashi desvela suas reais intenções e confirma mais uma vez sua excentricidade filmográfica.

Na trama, um dos altos membros do grupo Azamawari, Ozaki, começa a dar mostras de loucura obsessiva. Preocupado com o que poderia acontecer, o chefe do grupo secretamente passa uma ordem a um de seus subordinados, Minami: conduzir Ozaki a um lixão em Nagoya e elimina-lo. Minami acata a missão, mas, interiormente, se encontra hesitante, pois nutri por Ozaki uma enorme gratidão e um sentimento fraternal já que este havia salvo sua vida tempos atrás.

Iniciada a viagem, um acontecimento fatídico muda todo o rumo da história e Minami começa então uma jornada em busca de seu Aniki (irmão) em meio a um mundo regido por uma realidade paralela e assombrado por personagens igualmente surreais.

Com forte influência da religião budista, grande parte das passagens do filme só são plenamente entendidas por aqueles que possuem um conhecimento de tal tradição, alias o próprio título do filme (Gozu) é o nome de uma entidade da mitologia Shinto que guarda a entrada do inferno budista.

A busca empreendida por Minami pode ser interpretada também como a busca por sua própria sexualidade. A cumplicidade e a admiração que nutria por Ozaki, aliadas à sua inexperiência e pureza fazem com que o filme seja um espelho dos sentimentos e descobertas do protagonista. Apesar de, em termos técnicos, não termos homossexualismo explicitado no filme, fica clara a intenção de Miike em explorar o tema.

Contudo, apesar das possíveis interpretações metafóricas e sexuais da obra, não devemos nos esquecer do que Ozaki (talvez incorporando o próprio Miike) nos diz no começo do filme: “Tudo o que irei dizer a partir de agora é uma piada”- um convite para assistir este incrível teatro do absurdo de forma descontraída e almejando no fim somente o riso (alias, não é a toa que o filme se encerra com um dos personagens do restaurante em meio a inebriante gargalhada – a homologação de uma piada, piada esta brilhantemente contada).

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Ficha técnica

• 極道恐怖大劇場: 牛頭: Gokudô kyôfu dai-gekijô: Gozu
• Título Literal : “Grande Teatro de Horror Yakuza: Gozu”
• Título Internacional: Gozu
• Direção : Miike Takashi
• Info: Japão, 2003 Cor – 130 min
• IMDb: www.imdb.com/title/tt0361668/

Nota

8.0/10

8/10

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